RITUAL

ME VOY A TOMAR UN DESCANSO BLOGUERO

2012-02-01T10:01:00.000-08:00

Queridos/as,

Como imagino os habréis dado cuenta, durante los últimos meses apenas he podido reseñar libros que han llegado hasta a mí o que, simplemente, me interesaban. Lo siento profundamente. Debido a distintas obligaciones personales y laborales me voy a tomar una temporada de descanso en el blog. Lo lamento por todos/as aquellos/as que, amablemente, me habéis remitido vuestras obras. Y también por los lectores que, quizá, esperaban más actividad por mi parte. Voy a ver si tomándome un respiro temporal retomo con más energía y vigor. Un abrazo y muchas gracias por el apoyo.

Ernesto García López

MANUAL PARA ACRÓBATAS, DE PATRICIA FERNÁNDEZ-PACHECO

2012-01-03T03:45:00.000-08:00

GEOMETRÍA

Me hago cargo, se avecinan
días difíciles para la cercanía,
para ese estar-piel-contra-piel
que no se compara con nada.

Pero tengo entendido
que la distacia más corta
entre dos puntos alejados
puede ser el rastro
(serpenteante)
que dejan
las palabras.

OMBLIGO

Una es el centro de la historia.

El centro entorno al que suceden
los desfallecidos adioses, las acrobacias,
los decorados, la pirotecnia.

El mundo es un corro de sucesos,
-lamentables o afortunados-
y una se enciende en antorchas o se mortifica,
según venga el día.

Una es el punto de rotación
de la tierra salvo por esos segundo
en los que el dolor ajeno
(anecdóticamente)
opaca el propio-dolor-de-una.

NEW YORK LA NUIT

Desde aquí,
la intemperie no es más que
cemento ribeteado
de antenas descoyuntadas y
tanques de agua.

Hasta que la noche se enciende
y se van fabricando, poco a poco,
infinitos caminos en llamas.

Es lo mismo que tu cuerpo
sobre las sábanas del final del día,
abriéndose en recodos,
inmenso cuando tiembla,
multitudinario en ventanas
cuando destraba sus postigos.

Por eso si abandonas
el universo de esta cama
(tienes que irte a no-se-donde, dices)
y, de manera imprudente,
te pones la ropa,

es igual,
igual que si la ciudad se apagara.

CRÓNICO

Lo normal es que el agua no se pueda beber.

En el recodo de la calle,
quién sabe qué le espera.

Unas casas están en pie y otras no.

Y el mar, que debiera ser atardecer sobre la arena,
allí es continuación incontestable del muro asesino.

Lo normal es el sobresalto en plena noche.

En el horario laboral, los disparos.

Lo habitual es la emergencia.

Habitual como el viento de verano.

Habitual como los indicios de desesperanza
bajo los que nacieron.

PATRICIA FERNÁNDEZ-PACHECO ESTRADA nace en Madrid en 1978, aunque creció en Alicante. Es licenciada en Derecho por la Universidad de Alicante, especializándose en Derechos Humanos en Italia y Grecia, y posteriormente desarrolla su trabajo en Costa Rica y Ecuador. Desde 2007 vive en Nueva York donde trabaja en Naciones Unidas. Ha obtenido el Premio de Poesía de la Universidad de Alicante en tres años consecutivos; el Cafetín Croché (El Escorial) y el Premio Colegio Miguel Hernández de Elda. Fue incluida en la XXI Selección de Voces Nuevas (Torremozas, 2008) y en la antología "El tejedor en Nueva York" (LUPI, 2011). Tiene publicado el poemario "Casa de Citas" (Torremozas, 2010).

VITRAL DE VOZ, DE CARLOS FERNÁNDEZ LÓPEZ

2011-12-04T08:45:00.000-08:00

Esta semana se presenta "Vitral de voz" del poeta gallego Carlos Fernández López. Un texto potente, atrevido, que no dejará indiferentes a quienes deseen acercarse a sus páginas. El próximo viernes 9 de diciembre a las 20:30 en La Casa Encendida podremos disfrutar de su autor. Vaya aquí un adelanto de su trabajo poético.

entra en el lecho blanco y
desnudo roza con los miembros
el frío lienzo de sombra que nos niega.
traza el camino justo hasta el centro,
como quien sabe fingir que todo está quieto,
que no corta el frío y mancha lo de fuera,
ese hueco hasta nosotros entra.
deja los brazos dispuestos, de modo preciso,
rodea el cuerpo
que acude en sombra
y grita.

*

hotel dios.

arriba, latido de piedra en silencio
abajo, el mar inquieto.

el árbol mudo diluía su savia en mi boca.

*

animal que se busca a sí mismo en la altura,
desasido de sí, sumergido en el óxido,
maniatado por el color de la piedra.

la línea, con decisión, la línea, que no cae canción.
en otro idioma dices tus nombres: boca, axilas, rostro.
antídoto del vuelo.

*

de pétalos la mirada
busca bebida en los cristales
grita en sombra
liquen del ángel contra el
cuerpo, venero,
y en el umbral del fuego
el tránsito:
labio, animal, mancha.

Carlos Fernández López (Santiago de Compostela, 1981) es Mater of Arts in Comparative Literature (University College London) y licenciado en Teoría de la Literatura (Complutense de Madrid). Finalista del XXIV premio de poesía Isabel de España, en 2007 obtuvo el premio de La Voz + Joven. En los últimos años, ha tomado parte en varios proyectos en los que su poesía dialoga con la música, la danza y la performance; ha publicado en prensa y desarrollado una intensa actividad investigadora, recogida en César Vallejo: textos rescatados (Lima, 2009).

ES BRIZNA, DE MARCOS CANTELI

2011-11-26T02:15:00.000-08:00

la casa la casa que esencialmente no tenemos

los ojos claros su propio aislante me dicen
muerre el canto el ojo aquí de mañana

aquel parche pájaros maderas crujientes aquí

no era ni es vestigio porque viene
largos de agua árboles escritos a su calor

*

lo que penetra en tu carácter tiene corazón
mi memoria no

nos entumecemos

masticamos lentejas para desaparecer

crujen las cervicales con la crudeza de la nieve

*

los pasos que van atrás algo que vibra
torturado te anudan rumia lo que no flota

en la propia piel la locura del cuerpo los ciclos
que me dices

los pasos que van atrás algo que vibra
torturado en la otra parte del mundo

los ciclos de esta hierba

*

salgo de noche con mi memoria

dependo de mis pies pelvis ingle
del cielo del paladar
de un horizonte
de briznas

la piel todavía el útero del mundo
o de mi perrita muerta

aunque todos nuestros poemas traen pájaros
de poca cabeza

para que no te alcance algo se borra

Marcos Canteli (Bimenes, Asturias, 1974) ha publicado los siguientes libros de poesía: Reunión (Barcelona, Icaria, 1999), enjambre (Madrid, Bartleby, 2003), su sombrío (Barcelona, DVD, 2005), libro por el que obtuvo el XXXI Premio de Poesía Ciudad de Burgos, y catálogo de incesantes (Madrid, Bartleby, 2008). Ha traducido el libro Pedazos del poeta norteamericano Robert Creely (Madrid, Bartleby, 2005) y el Libro de jaikus de Jack Kerouac (Madrid, Bartleby, 2007). Fue miembro del consejo de redacción de la revista Solaria y de la colección Nómadas de poesía. Dirige la revista electrónica de escritura & poéticas www.7de7.net.

TRES RECOMENDACIONES: SARA MESA, ANTONIO CRESPO MASSIEU Y BENITO DEL PLIEGO

2011-11-14T10:49:00.001-08:00

"El día es deseo y la noche es sueño. El paisaje desfila a ambos lados, inclemente y reseco. Por ningún lado hay sombras. Y qué seremos entonces sin sombras, musita Tejada.
La tierra nos parece roma y yerma. Plana y desnuda, sin sombras. There are no shadows.
Esto es Vado: la ciudad sin sombras.
Tejada piensa, escoge las palabras precisas para pensar. Piensa bajo guión, lentamente, constreñido en su asiento.
He venido hasta aquí para no esconderme. Donde no hay sombras uno no puede guarecerse. He venido hasta aquí, y sin embargo no estoy todavía. El interior del coche arde. Sudo, pero no lo siento. Todavía, por suerte, no siento nada. Es esto lo que estaba buscando.
No un lugar donde esconderme, sino un lugar en el que no sentir. Porque siempre, donde se siente, es en la sombras." (pág. 9)

SARA MESA (Madrid, 1976). Reside desde niña en Sevilla. Ha publicado los libros de relatos La sobriedad del galápago (Diputación de Badajoz, 2008) y No es fácil ser verde (Everest, 2009). Aparece en la antología Pequeñas resistencias 5: nuevas voces del cuento español (Páginas de Espuma 2010). También es autora del poemario Este jilguero agenda (Devenir, 2007) que fue galardonado con el Premio Nacional de Poesía Miguel Hernández.

Fragmento del poema "ESTA EXTRAÑA FIDELIDAD TAN PERRUNA Y NUESTRA"

Avanza por la historia
con su enigma de imposible fidelidad,
recibe piedras, desprecio, cuerdas, llagas,
migajas y se aleja o acompasa el paso
mendigando pan, cariño, como exigencia,
interpelación al viajero que tirita en la noche
y tiembla también y posa su mano sobre el lomo,
y el mundo (la esperanza
de un camino, un abierto horizonte)
se reconstruye bajo las estrellas.
Allí un aullido casi humano
y una palabra casi aullido.

Se reconocen en el temblor,
en la carne, caminan por el tiempo,
parten con la misma desesperanza
comparten
fidelidad, silencio, heridas,
lo incomprensible: distancia abolida
por un jadeo, orejas o rabo tieso.
Límite que tensa el viaje,
la veloz carrera, el apremio,
límite que sella un destino:
¿dónde la distancia
si el salto es encuentro?
¿dónde lo no decible
si jadeo y palabra
se llaman silencio?

Y siempre
el misterio, la mirada, la interrogación
ya como una costumbre, juntos,
partiendo de la historia,
lamiendo heridas,
viajeros los dos en busca de reconocimiento.

Y nos deja
(al acompañarnos)
la simplicidad de su enigma:
lo insondable
caer como sonda en el abismo,
entrar
en su estar en el mundo,
habitar un espacio sin conciencia,
como ir al interior
de quien no está vuelto sobre sí mismo,
quien no tiene envés
quien no mira hacia atrás
y ni la muerte, ni lo profundo, ni el ocaso,
le rodea y camina siempre en la eternidad.
Así el animal, así lo vio, lo escribe
Rilke en la silenciosa,
como si el verso fuera la suave melancolía de su huella.

Como si pudiéramos entrar en lo que es fuera,
está y se acomoda y no es acción
sino instinto, muda aceptación de vida
y se acompasa a la tierra,
acoge el sol y teme las tormentas.

¿Qué ve su mirada?
¿Tan sólo lo que circunda, lo que cerca?
Y nosotros
¿acaso vemos sólo nuestro reflejo?

[...]

ANTONIO CRESPO MASSIEU(Madrid, 1951) es licenciado en Filosofía y Letras (Filología Hispánica) por la Universidad Complutense y Diplomado en Estudios Portugueses por la Universidad de Lisboa. Profesor de literatura española en Enseñanza Secundaria. Ha publicado la antología comentada Una mano tomó la otra. Poemas para construir sueños (Comunidad de Madrid, 2002), en coautoría con Pedro Hilario, Roberto Bravo y Fernando Cañamares. Desde 1997 es responsable de las páginas literarias de la revista "Viento Sur", de cuya redacción forma parte. Ha escrito los poemarios: Acaso revelación, En este lugar (Fundación Kutxa, Donostia- San Sebastián, 2004) que obtuvo en 2004 el “Premio de Poesía Kutxa. Ciudad de Irún” en su XXXV edición, Orilla del tiempo (Germania, Valencia, 2005) y Elegía en Portbou. Ha publicado trabajos de investigación y de creación literaria en revistas como Anthropos, Revista da Faculdade de Letras-Universidade de Lisboa, Asparkía, La ortiga, Dossiers feministes, Diálogo de la lengua, El cielo de Salamanca, Riff-Raff y Viento Sur. Poemas suyos han sido incluidos en las antologías poéticas: La paz y la palabra, Letras contra la guerra (edición de Manuel Francisco Reina, Odisea Editorial, Madrid, 2003), Una mirada hacia la poesía española actual (revista Luna Nueva, Colombia, 2003), Voces del extremo V. Poesía y Realidad (Fundación Juan Ramón Jiménez, Moguer, 2003), Agua. Símbolo y memoria (Slovento, Madrid, 2006), Vida de perros (Editorial Buscarini. Logroño, 2007), Calendario de la poesía española. Antología poética (Alambra Publishing, Bertem, Belgium, 2007), Calendario de la poesía en español. Antología poética (Alambra Publishing, Bertem, Belgium, 2008), Voces del extremo IX-X. Poesía y capitalismo (Fundación Juan Ramón Jiménez, Moguer, 2008) y Los centros de la calle. Antología pequeña (Germania, Valencia, 2008).

1.
El agua pasa, y sobre el agua, el brillo del sol detenido.

2.
Con un trazo invariable lo imprevisible se concreta.

3.
Y no se cansa de mirar: el ojo bebe su saber del río.

[Pág. 57]

BENITO DEL PLIEGO (Madrid, 1970) es autor de los poemarios Fisiones (1997) reeditado como Muesca (Amargord, 2010); Alcance de la mano (1998), reeditado como Merma (Baile del Sol, 2009); y la plaquette Zodiaco (Bogotá, 2007). Junto a Andrés Fisher, ha editado la antología poética de José Viñals Caballo en el Umbral (Editora Regional de Extremadura, 2010).

PEDRO NUÑEZ (Santiago de Chile, 1958). Artista plástico y gráfico. Afincado en Madrid desde 1987, su obra toca el dibujo, el grabado, la escultura, la acción y las instalaciones basadas en una técnica original de "origami". Una muestra de su obra gráfica puede verse en www.pedronunez.com

CONTRA LA POSTMODERNIDAD, DE ERNESTO CASTRO

2011-10-12T20:30:00.000-07:00

Voz emergente. Pensamiento insurrecto. Búsqueda teórica, sin complejos ni miedos. Ernesto Castro irrumpe en el panorama literario con un texto más que interesante. Un ajuste de cuentas con una parte de la Postmodernidad, aquella plegada descaradamente a la dominación neoliberal. Una prosa afilada, incisiva. Con independencia de compartir o no el conjunto de sus afirmaciones (en mi caso, muchas las firmo y otras no), me gustaría destacar de este pequeño libro varias cosas. En primer lugar su descaro, la ambición conceptual, la huida de todo facilismo. Leía hace poco un papelito anónimo que decía: “La comodidad es enemiga de la creatividad”. Pues bien, frente a esa comodidad superflua y despotenciadora, Ernesto Castro reacciona y lo hace con vocación de polémica. Frente a un mainstream arraigado en nuestras concepciones estéticas y analíticas, apuesta por desnudar sus contradicciones y someterlas a un nuevo escrutinio. Los tiempos están cambiando. Los últimos acontecimientos sociopolíticos mundiales nos imponen una nueva mirada. En este sentido, filosofía, economía política, crítica cultural, se mezclan irremediablemente sin solución de continuidad: aire fresco, vaya. En segundo lugar un empeño por contribuir activamente a los debates sociales del instante, insertar su trabajo como “aprendiz de mago” dentro de las coordenadas de los conflictos que atraviesan nuestras comunidades. Pensamiento entrometido. Metodología discursiva al servicio de la lucha social. Y acabo. Se difuminan en este texto los límites entre la filosofía, la literatura, el panfleto, la crítica, el arte, la economía... Frente a realidades y agencias, toca inventarse nuevos artefactos capaces de interpelar esas mismas realidades. No vale la segmentación del conocimiento, las cátedras especializadas que observan lo real solamente desde un prisma hegemómico. Cruzar fronteras, trenzar disciplinas, volver a reunir aquello que nunca debió ser desunido. Ernesto Castro, a mi juicio, lo hace y por eso recomiendo vivamente su lectura. Dejo a continuación algunos párrafos así como una parte del texto de contraportada:

“La tesis principal del libro afirma que la postmodernidad hace tiempo que llegó a su fin, sus categorías no son aplicables a un tiempo como el nuestro, marcado por una grave crisis económica, ecológica y social. Asistimos al regreso de la lucha de clases, la geopolítica, las estrategias neocoloniales, el populismo y el fundamentalismo étnico, cultural y religioso. En este contexto de grandes transformaciones, la apuesta normativa del postmodernismo resulta intelectualmente muy pobre y políticamente inútil. El afán por las cuestiones culturales e identitarias lleva a que muchos de sus autores olviden deliberadamente el análisis económico del sistema. Por este motivo, el postmodernismo resulta ser, en la mayor parte de los casos, una réplica exacta de la ideología neoliberal” (Contraportada)

*

“La postmodernidad es la transcripción cultural, política y filosófica de un capitalismo sin fronteras que, además de meterle la mano en el bolsillo, ha inscrito sus ideas en el imaginario de la gente.” (Pág. 11)

*

“[…] o bien optamos por la expertocracia, una forma de democracia en que no gobiernan los elegidos en las urnas sino una casta de expertos que toman decisiones sin consultar con el pueblo; o el populismo, en que una persona se autodesigna dirigente simbólico de un movimiento con amplias bases populares. Inmersas en una grave crisis de legitimidad, la democracia dialógica y las políticas del consenso se hallan atenazadas por esta pinza: u optan por un sujeto sin conciencia, el populismo, o bien por una conciencia sin sujeto –y por tanto sin responsabilidad, la expertocracia. (Pág. 33)

*

“En este contexto, el pensamiento de la diferencia deviene apología de la falsa situación; la adoración mística de la alteridad radical se traduce en la celebración del exotismo y la incomunicación; la apuesta por el nomadismo, al no establecer distingos, se solapa con la ideología neoliberal de la libre circulación de personas; la llamada a romper con la propia identidad, si no se precisa, es el reflejo poético-metafísico de aquella exigencia capitalista que impone al ciudadano desdoblarse en múltiples consumidores, tantos como mercancías.” (Pág. 52)

LA MONTAÑA EFÍMERA, DE JOAN DE LA VEGA

2011-10-03T07:52:00.000-07:00

Son pocos los poetas españoles de las últimas promociones que se han aventurado a poematizar la naturaleza, o mejor dicho, a hacer de la naturaleza un territorio complejo donde insertar el diálogo existencial. La ciudad, la aventura del cronotopo afincado en las tensiones que las grandes conurbaciones mundiales parecen contener a modo de habitus hegemónico, ha invadido buena parte de la poesía hispana de las últimas décadas. Por eso este "La montaña efímera" del poeta Joan de la Vega tiene una doble intensidad. Se introduce, por un lado, en el paisaje de la lengua, mientras que al mismo tiempo levanta una posibilidad de (inter)(auto)pelación a partir de la mirada al entorno. Las comarcas del Pirineo catalán y andorrano se convierten, así, en el humus sobre el cual poetizar un estado crítico de reflexión, de indagación filosófica, hermanado con la propia evolución de nuestro contexto matérico más inmediato, es decir, el territorio. Origen y consecuencia de nuestra acción cultural. Pero me gustaría antes de dar paso a varios poemas del libro proponer una idea en relación a este texto. En un periodo de crisis sistémica, de revitalización de una cierta conciencia insurgente, de vulnerabilidad social, del "terror" como lugar común (como propusiera el antropólogo Michael Taussing), en definitiva, de fascismo societario según la denominación de Boaventura de Sousa Santos, cualquier aspiración para una globalización contrahegemónica que permita nuevas pautas de redistribución local pasa, entre otras necesidades, por una definición de nuevas formas de subjetividad, y esas formas no pueden erigirse sin la presencia de la naturaleza. Lo real (entendido en su sentido más complejo y moriniano) bebe de ella. Aspira a ella. Se cruza con ella. Estos poemas, a mi juicio, tienen la enorme virtud de intentar sondear esa posibilidad y lo hacen con honestidad, belleza e intensidad emocional y de pensamiento. Les dejo con algunos ejemplos. Disfrútenlos:

*

Hombres retorcidos como gusanos.
Hombres echados como lombrices fluorescentes.

Afuera la noche solemne mide su temperatura, explora la conjunción de los astros. Dentro, los lechos precarios dan cobijo a pulsos disonantes, a voces apátridas.

Aún creo en los rostros convalecientes que presumen olor a tierra.

Fieles a su destino de fuego.

*

Cumbres sostenidas por un cielo raso.
Veredas negadas que reafirman.

Este bullir puro de los colores, el contraste áspero de la tierra, la luz consumiéndose entre hoscas lenguas de magnesio, la honda certeza que gravita en silencio, la insistente permanencia de los neveros, la generosidad del agua ¿a quién pertenecen? ¿cuál será el nombre real (el que no posee) de todas las cosas? ¿por qué los circos glaciares olvidaron su nomenclatura de hielo, su registro de nieve, su código de muerte?

Aún creo en los ojos de esta montaña sin nombre que, quieta, respira.

Cumbre que circunda la voracidad de lo eterno.

*

VALL D´INCLES

y allá en la cima el templo, guía y razón del viaje
Jordi Doce

Cuando
dé comienzo
la noche
y haya
culminado
nuestra voz
en su techo,
en su pavimento
de espinos
y silencio,
recuerda
la luz presente
de este valle
(no su nombre),
el pulso firme
de este río
(no el poema),
que tome
tu mano
enlutada
y te regrese
a un lugar
más digno
que amar.

PRESENTACIÓN DE RITUAL EN NUEVA YORK 2

2011-09-26T10:22:00.000-07:00

El pasado 14 de septiembre tuve la enorme fortuna de poder presentar RITUAL en el marco del ciclo de la editorial PEN PRESS. El acto se celebró en la sede que la New York Public Library tiene en el Soho, en la calle Mulberry. Me acompañaron la editoria de Pen Press, Mercedes Roffé; la directora de la revista Galerna, Marta López Luaces y, sobre todo, la poeta Isabel Cadeñas Cañón quién generosamente se brindó para hacer el texto de la presentación. Además de estas personas se acercaron alguna gente estupenda, buenos poetas la mayoría, con quiénes disfruté mucho la lectura y el coloquio posterior. Quiero a todos ellos agradecerles el cariño y el interés.

Para todos aquellos y aquellas que no pudieron estar me gustaría acercarles el texto elaborado por Isabel, aquí va, espero que lo disfruten tanto como yo...

Cercar el vacío
Por ISABEL CADEÑAS CAÑÓN

Creo que Ritual es un libro del vacío. O, mejor, un libro de vacíos que se van superponiendo. Ritual es también eso, un libro de superposiciones, de añadiduras, un libro que se va desplegando de a poco, a medida que aumenta.

La primera parte del libro, “Monotipos”, se abre con el primer vacío, el de la escritura:

¿Cuando todo se empoza qué escribir? Soledumbre. Paso
vencido— Comprender no significa nada.

“Comprender no significa nada” no es un juego de palabras o un guiño artificioso que el poeta use para inaugurar el libro con un golpe de efecto. Es más bien un anuncio de lo que va a seguir: Ritual no busca comprender – el vacío es inaprensible. Busca certificarlo, primero, sondearlo. Después confronta. Pero eso será después. Por eso, ese primer “monotipo” es una constatación del vacío de la escritura, o de lo vacío de la escritura ante tal vacío, pero, no caigamos en la tentación, no lo es del vacío de escribir. En este libro, el poeta tira piedras contra muchos tejados, pero nunca contra el suyo: sabe que, en el aparente vacío de lo escrito, está presente el gesto que empujó a escribir, esa chispa que bien puede ser amor o rabia o soledad. Esa presencia agitadora es tal vez la primera coartada de lo que está escrito:
La máscara mantiene el calor del rostro que habitó.

He dicho ya que Ritual es un libro que crece. Gradualmente, a lo largo de sus cinco partes, va tomando cuerpo, y tomando cuerpos: cada una de las partes añade una dimensión nueva a lo ya dicho, y esto tanto en lo que se dice como en cómo se dice. En el plano formal, el libro empieza siendo una especie de balbuceo individual, construido a partes iguales de silencio (ese otro vacío) y de palabra.

El lenguaje desintegra su mecánica. Tienta al silencio tanto
como yo lo tiento a él.

El lenguaje está fragmentado; pero la palabra, no. La palabra es tal vez el único anclaje que se manifiesta estable desde el principio del libro. Tal vez precisamente para hacer ese vacío aún más explícito, Ernesto García López elige vocablos con peso, arraigados, elige insania, desolladero, soledumbre.

Pero si las palabras son firmes, el lenguaje vacila, como si no encontrara asiento, como si lo que se va a contar –digo contar: evocar, convocar– no pudiera caber en una sola forma. Y esto es precisamente lo que quedará confirmado a lo largo del libro: que una forma no basta, y mucho menos una forma ya dada, formas fosilizadas que empujen a la inmovilidad, que ahonden, o sedimenten, en el vacío. Así, en la parte primera del libro todo es brevísimo, y conviven formas netamente coloquiales con otras donde la liricidad lo puede todo, y esto, a veces, en páginas contiguas. No es que el poeta no pueda decidirse por una sola voz; no es que la voz se muestre errante por la imposibilidad de decir de otra manera. García López decide comenzar con una estética del balbuceo para establecer una clara metáfora del yo en quiebre, de esa voz unívoca que duda entre decir y el silencio, pero que, con la mera expresión de la duda, ya ha tomado la decisión: va hablar.

La segunda parte del libro anuncia, ya desde el epígrafe, el ejercicio de encuentro con el otro que llevará a cabo. Se abre con una cita de Juan Ramón Jiménez:

Hay que salir
y ser en otro ser el otro ser.

Ser otro, pero sobre todo el otro ser, y sobre todo el imperativo a salir. Una vez constatada la propia voz, hay que salir. La forma empieza desde entonces a salir también de su ensimismamiento errático: en la segunda parte, los versos son breves, pero son más compactos y forman una unidad –aunque esté dividida en 21 partes. El yo ha encontrado al otro. No parece un encuentro buscado, sino un encuentro inevitable, uno que “penetra por las fisuras”:

Ese que, evidentemente, me ciñe
en asfixia viva
en desencanto vivo,

vi
en tantas alucinaciones
sin materia
aunque penetra por las fisuras
del movimiento.

En la tercera parte, el verso continúa ese proceso de hacerse cada vez más firme, es decir, cada vez más resistente: lo componen poemas en prosa de mayor longitud, y un poema en verso libre que anuncia la forma de las dos últimas partes del libro. También lo que antes era unicidad y después fue encuentro con el otro, pasa paulatinamente a ser un encuentro con la multiplicidad, con lo colectivo. No es casualidad que ese encuentro con lo colectivo se encuentre precisamente en la mitad del libro, como estableciendo una separación entre la soledad que lo abre y la “casi soledad” que lo cierra.

Así, si El desvío del otro, su anterior poemario, se abría con una nota introductoria,

Los poemas vienen de las calles. En ellas encuentran, más que en uno mismo, el veneno que los anima a escapar de ese cuerpo donde están encerrados. Saltan, se escabullen como animales delirantes que acabaran de recobrar su libertad. Incluso los poemas más intimistas, más singulares de la propia existencia, beben del afuera, de la constancia errática del flâneur.

en Ritual, Ernesto García López no necesita palabras previas. El encuentro con el otro no es un acto metafísico: es un acto político. Igual que el otro se cuela por las fisuras, la calle se va haciendo explícita gradualmente, sin necesidad de anunciarla:

Del mismo modo que en la Inglaterra del diecisiete los Cavadores cultivaban sin consentimiento las tierras ociosas de los nobles, algunos gritos invaden hoy el parterre del poema.

Con esos gritos, con esa colectividad, la voz poética no sólo ya no duda, sino que exhorta a emprender una “marcha lunar”. Exhorta, pero no olvida el vacío: no promete que la marcha lunar vaya a llegar a la luna. Ni siquiera la pide.

¿Que duele? Nadie dijo que fuera indoloro. ¿Que ensombrece? Nadie dijo que fuera la claridad.

Marchas lunares que otros iniciaron sobre la tierra, junto a los brazos caudalosos de África o al pie de las montañas desgastadas de Europa.

La marcha ha sido emprendida ya por otros y, como el grito, es un movimiento inacabado que hay que continuar. La marcha como algo parecido a lo que Walter Benjamin llamaría la historia a contrapelo, una manera de rehacer nuestra historia y reivindicar la de los perdedores, la historia soterrada por un poder que, sobre ella, no construye, sino que erige, precisamente, el vacío.

Ése es el vacío que cerca García López. Su poemario no trata el vacío de manera ociosa; si se detiene tanto ante él, si lo observa, es precisamente para confrontarlo con su ritual. Éste quedará confirmado sobre todo por la última parte del libro, que lleva el mismo título.

No olvidar por qué las palabras ardieron. Ruinosas
y violentas. y por qué luego la otra vida, la que se anula en
su descreerse, siguió encegueciendo
los depósitos

“No olvidar”, nos repite la voz, que primero duda, luego exhorta y ahora ordena. El ritual aquí no es un acto folklórico, no es una representación mediatizada del otro – no es el ritual que nos ofrece el capitalismo. No es ese retrato procesado de lo distante, que nos hace creer que lo comprendemos –comprender no significa nada– y que, sin embargo, nos sirve para mantener la amenaza de lo otro a distancia, mediatizada por esa imagen prefabricada. El ritual de Ernesto García López se sitúa en la tradición platónica del rechazo filosófico del dinero: la palabra no sirve para adquirir bienes, es decir, para llenar ese vacío que el libro ha ido sitiando. La palabra, en este ritual, sirve para establecer vínculos de reconocimiento. No para comprendernos a nosotros mismos y ver al otro desde nuestro interior. Sirve para reconocerlo. Y, una vez reconocido, escuchar el propio grito más allá, escucharlo como colectivo, escucharlo más fuerte. Eso es lo que el poeta se lleva consigo, la certeza de que el latir es sólo casi solitario:

Todo eso llevo conmigo
Velado por un manojo de fracturas que hoy me recomponen
Abisal
en el latir casi solitario

Parecía soledad, pero es resonancia de todas las voces. Porque, al fin y al cabo, dónde resuena más un grito que en el vacío.

Tal vez, bien pensado, este libro de Ernesto García López no sea, en realidad, un libro del vacío, sino un libro del eco. Un eco que llega hasta nosotros desde antiguo, desde lejos, y que ahora está aquí, y nos interpela.

Nueva York, 14 de septiembre de 2011.

TRES POETAS LEÍDAS EN NUEVA YORK

2011-09-21T08:13:00.000-07:00

Estos días en Nueva York estoy aprovechando para pasear, leer y escribir. Son varios los compañeros de viaje que me acompañan(Dos Passos, por supuesto). Aunque espero en los próximos días poder colgar en este blog el texto de presentación y alguna imagen de la lectura de RITUAL en el ciclo de Pen Press, me gustaría hoy acercarles tres poéticas muy disímiles entre sí que, sin embargo, se han entremezclado en mis ojos estos días. Se trata de las poetas Joumana Haddad, Isabel Cadenas Cañón y Patricia Fernández-Pachecho. La primera de ellas, libanesa, vive en Viena (y no la conozco personalmente). Las dos restantes, españolas, viven en Nueva York (y sí he tenido el placer de encontrarme con ellas).

Gracias a la recomendación de las escritoras Mercedes Roffé y Marta López-Luaces llegué a la obra de Joumana Haddad. Este espléndido "Espejos de las fugaces" ha sido una de esas lecturas que dejan huella. Inesperado, el libro ha ido creciendo en mí a medida que los días pasaban y guardo en mi memoria lectora un zarpazo emocionante. Me gustaría acercarles un poema de la primera sección del libro titulada ESPEJOS.

9

El muerto sabe que la muerte no es una partida, sino un retorno. Sabe que el alejamiento de la muerte es más rápido que su aparición. Que en cuanto llega no se queda mucho tiempo y cuando permanece se cumple sin razón. El muerto sabe que es él su propio huérfano. A diario sale de la cama hacia los brazos del sol, y los brazos del sol hacia su polvo. El muerto se levanta seguido por su muerte y por manchas de una nube que sangra sobre la nieve. El muerto se levanta, se viste, abre la puerta que da al campo, cava un hoyo y extraer agua de un peñasco como si sacara un conejo del sombrero de un mago. Del agua saca un espejo para las almas de los cobardes. El conejo se mira siendo conejo y huye aterrado. El muerto muere cuando es hora de levantarse, en cuanto llega la hora de la muerte, si no, él mismo no llega.
Así la muerte se levanta para conocer al muerto, y el muerto se levanta para conocer la muerte.

Llega el turno para dos jóvenes poetas españolas afincadas en Nueva York desde hace algún tiempo. Hablamos de Isabel Cadenas Cañón (1982) y su poemario "Irse" (III Premio de poesía Caja Guadalajara-Fundación Siglo Futuro) editado en Vitruvio (y de la que ya adjunté una nota biobibliográfica en el post anterior), y de Patricia Fernández-Pacheco y su "Casa de citas", editado en Torremozas (2010). Para quién no la conozca digamos que Patricia Fernández-Pacheco (1978) es licenciada en Derecho por la Universidad de Alicante, especializada en Derechos Humanos en Italia y Grecia. Posteriormente trabajó en Costa Rica y Ecuador. Actualmente vive en Nueva York, donde trabaja en las Naciones Unidas. Ha obtenido el Premio de Poesía de la Universidad de Alicante durante 3 años consecutivos, el Cafetín Croché (El Escorial) y el Premio Miguel Hernández (Elda). Fue incluida en la XXI Selección de Voces Nuevas (Torremozas, 2008). Ha publicado Casa de Citas (Torremozas, 2010) y su segundo libro de poesía será publicado este año también en la misma editorial.

Empecemos con Isabel Cadenas Cañón...

Irse. Tríptico

I

como quien enciende un fuego
a media tarde
y lo mira arder
despacito
sin prisa
seguro de que las brasas
incipientes
acabarán tiñendo
el cielo de chispas naranjas

más o menos así
me estoy yendo.

II

hasta qué punto irse es sinónimo de adiós

me he sentido propia en tantos sitios
que marcharse es cada vez un desgarro nuevo
en una parte de mi cuerpo

que sin embargo antes no existía.

III

no quiero que el mío sea un no lugar
que Nora piense en mí
como esa prima que viene de visita
una vez por año
y siempre se olvida de traer regalos
no tener silla definida a la hora de comer
que mi sola presencia implique
repetir conversaciones
aclarar nombres

no quiero que mi espacio sea
un no estar en ningún sitio
que mis coordinadas sean irme

pero cómo permanecer
dónde
ai aún queda tanto por mirarme
y los ojos que me asumen Isabel
mutilan.

El turno para Patricia Fernández-Pacheco...

Antes que nada me tomé las armas. Estaba todo descolocado, francamente mal, un supremo amasijo de riquezas mal repartidas, un sedimento grueso de cal, una larga fila de estirpes de esclavos.

Después quise, con ávidas posturas de flor de loto, entender el Mundo, auscultarlo delicadamente como hacen las avionetas que planean, a la hora de la siesta, la caudalosa arteria aorta que podría llamarse Aguarico o Chagres o Atrato.

Más tarde intenté echarme a la mala vida, hacerme llamar bucanero, estiércol, montaraz, comunista, vil borracho.
Entonces puse precio a mi cuerpo y después me conseguí un empleo en el que las aves de carroña pasaban picoteándome las manos.

Un día alunizó en mi cara estupefacta el amor.
Fue como un gran batacazo de adrelanina y efectos especiales del que, al rato, emergió, muy despeinada pero decidida a quedarse, la felicidad en persona.

Y lo uno llevó a lo otro -qué cosas- de repente me dio por volver a leer libros apolillados, manifiestos, declaraciones del milenio, textos así.
Me dio por aprender los lenguajes casi extintos de la piedra, la madera y el esparto. Y aprendí a escuchar la lluvia con cuidado.

Si no hubiera intentado tantas vidas, no contaría lo que cuento.

Soy ese viento leve que, en otoño, mece los interrogantes.

Y ya no necesito saber
a dónde es que hay que llegar
o en qué será que va a desembocar este relato.

PRESENTACIÓN DE RITUAL EN NUEVA YORK 1

2011-09-02T06:38:00.001-07:00

Pen Press Plaquettes de Poesía & Pen Press Reading Series 2011-2012

en colaboración con la NYPL Mulberry Branch

tienen el agrado de invitar a la presentación de

Ritual de Ernesto García López (Madrid, Amargord, 2011)

a cargo de Isabel Cadenas Cañón

a realizarse el miércoles 14 de septiembre de 2011 a las 6:00 p.m. (¡en punto!) en la New York Public Library Mulberry Branch, 10 Jersey St, SOHO, NYC.

ISABEL CADENAS CAÑÓN (Basauri, Bizkaia, 1982). Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad de Deusto, máster en Estudios teatrales por la Universidad París 3 Sorbonne Nouvelle, y MFA en Creación literaria por la New York University. En la actualidad realiza su doctorado en esa misma universidad. Cursó estudios de posgrado en la Universidad de California, San Diego, y trabajó como gestora cultural en Buenos Aires. Su libro de poemas Irse (Vitruvio, 2010) fue el ganador del III Certamen de poesía joven Caja de Guadalajara – Fundación Siglo futuro. Textos suyos se han publicado en varias revistas estadounidenses, españolas y latinoamericanas y han sido traducidos al inglés. Se dedica a la fotografía y a la traducción. Su obra fotográfica se ha expuesto en galerías de España y Estados Unidos. Ha traducido a varios poetas estadounidenses y latinoamericanos al euskera, al castellano y al francés. Es Insigne Vaivodesa del Longevo Instituto de Altos Estudios Patafísicos de Buenos Aires (LIAEPBA). Vive en Brooklyn, Nueva York.

www.edicionespenpress.com

MARABUNTA SUMMER POETRY FESTIVAL

2011-08-21T02:29:00.000-07:00

Queridos, queridas,

El pasado viernes 26 de agosto a las 22:00 en LA MARABUNTA (C/ Torrecilla del leal, 32 - Lavapiés), y dentro del festival que organiza este café-librería y Alberto García Teresa titulado SUMMER POETRY FESTIVAL, tuve la oportunidad de leer algunos textos inéditos junto al poeta Gonzalo Escarpa. Quiero agradecer a todo el público que asistió la generosidad de su presencia y la emoción de la escucha/palabra. Para aquellos que no pudieron acudir dejo un par de vídeos con algunos de los momentos...

ZURITA

2011-08-11T07:56:00.000-07:00

Si algún convencimiento tengo es que los tiempos que nos están tocando vivir nos imponen una reflexión sobre nuestra literatura, nuestra mirada en la escritura. La crisis actual, las contradicciones habitadas, los mundos y atmósferas sociopolíticas que a todos nos están golpeando estos meses, las reivindicaciones comunitarias, la génesis de una nueva voz colectiva, tozuda, poderosa, ladrando en medio del ruido financiero, interpela (lo queramos o no) a todos. No es posible seguir dictando los mismos textos que antes. No es posible seguir aceptando sin más la misma hendidura semántica y sonora de nuestras palabras. No es posible seguir realizando las mismas muecas post-literarias en recitales, semanas del libro y la lectura, premios… O sí. Se seguirán haciendo. Durante mucho tiempo se continuará escribiendo del mismo modo, con los mismos utensilios, los mismos tics. Pero se tratará de una literatura estancada, feudal, casi muerta, exquisita, refugio de bibliófilos y eruditos, pero incapaz de encarnarse en la herida contemporánea. Porque nuestra llaga, nuestro dolor íntimo y social, presenta relieves inciertos. Urge una literatura contaminada de lo vivo, huidora del facilismo, la claridad, que no tema las disparidades y zonas de sombra que nos movilizan. Este mundo que nos ha tocado habitar es complejo, heterogéneo, incomprensible, absurdo, plagado de instantes hermosos, bellísimo en su lucha y constancia, multicultural, ancho, insistente, inaprensible… En definitiva, una literatura instalada en la duda y la incertidumbre. Menos mal que tenemos ejemplos en los que refugiarnos. Voces que hace tiempo comprendieron la dimensión del desastre y la resistencia y no temieron ponerle nombre, arañazo, aluvión. Para mí uno de esos ejemplos es Raúl Zurita. Su poesía sigue golpeándome, noche a noche, desde que la descubrí. Observo los periódicos, entreveo la televisión, salgo a la calle, participo en manifestaciones, viajo por el mundo, y a cada rato y en cada lugar vuelven sobre mí sus poemas, como si supieran captar la esencia de esa atmósfera global, violenta, atrapada en sus contradicciones, genésica y material en sus nervaduras. La obra de Raúl Zurita se levanta como un nuevo Dante sobre nuestro paisaje. Su cordillera de los Andes, su desierto de Atacama, su costa chilena largísima, desnutrida, son la misma cordillera, el mismo desierto, la misma costa que a todos parece atraparnos. Acaba de publicarse el que considero un libro esencial, invadeable. Se titula “Zurita” y ha sido editado por Ediciones Universidad Diego Portales en Chile (2011). Gentilmente este verano me llegó de manos de su autor y mi sensación fue de gozo y escalofrío a un mismo tiempo. Gozo por su lucidez. Zarpazo de sus golpes. Que hablen por sí mismos…

Y EL CIELO NOS DIRÁ MIRA

Están las flores vivas de luz y del Pacífico. Están
las flores y las flores rotas de un sueño. Están
los nombres de nuestros nombres muertos y las
flores adhiriéndose igual que otro océano al
cielo vivo. Igual que otra nieve viva a las nieves
muertas cuando para siempre las cordilleras
muertas y vivas repitieron nuestros nombres
llamándonos porque todo el cielo canta sobre la
tierra viva en que nos mataron. Nosotros muertos
y vivos. Nosotros muertos y vivos ascendiendo
como pedazos de nieves para siempre y el cielo.

Están las flores, está el Pacífico para siempre y
arriba los párpados del cielo.

Cuando los párpados del cielo abriéndose nos
mostraron nuestros ojos blancos y como en un
sueño donde nadie muere escuchamos el canto
de los muertos que seguían llamándonos por
nuestros nombres vivos. Por el amor vivo que
nos grita “mira”. Y está el cielo vivo mirándonos.

PARA DESCOLONIZAR OCCIDENTE

2011-07-29T04:37:00.000-07:00

Hacía mucho tiempo que un libro no impugnaba de forma tan radical muchas de las bases del pensamiento occidental tal y como nos llega hoy en día. La obra del sociólogo portugués Boaventura de Sousa Santos figura entre las más significativas dentro del análisis crítico orientado a la emancipación social. En esta ocasión nos propone un viaje cognitivo en tres tiempos encaminado a “Descolonizar Occidente” (Buenos Aires, CLACSO, Prometeo Libros, 2010) de su propio monstruo, de sus ataduras ideacionales que lo han transformado desde el Renacimiento en una maquinaria-sistema empujada hacia el colonialismo y el capitalismo global. Boaventura nos propondrá varios territorios analíticos de primer orden: la necesidad de cuestionar el pensamiento occidental moderno “abismal”, es decir, aquel que niega la posibilidad de existencia de otros saberes y modos de pensamiento distintos al suyo (la imposibilidad de la copresencia), de tal modo que se pueda construir una “ecología de saberes” donde co-participen diferentes epistemologías del Sur y del Norte; el rescate de algunos autores occidentales que fueron arrojados a la cuneta de la historia oficial de la filosofía por lo heterodoxo de su posicionamiento y, sobre todo, por su cuestionamiento de los principios mismos de ese pensamiento “abismal” (como son los casos de Luciano de Samósata, Nicolás de Cusa y Blaise Pascal); y por último la impugnación de la concepción liberal de los Derechos Humanos entendidos como un instrumento universalista de validez global, de espaldas a la diversidad cultural y sin tomar en cuenta en su gestación la multiplicidad de experiencias humanas que habitan el planeta y que subyacen a su contenido conceptual. No es cuestión de desgranar aquí las ideas centrales del libro (que sería un mero palimpsesto), sino invitar a su lectura porque propone algunos de los desafíos intelectuales más atractivos para quiénes se sienten llamados a repensar los fundamentos de la comprensión humana, así como de la acción emancipatoria en tiempos de afrenta. De todos modos no me resisto a transcribir un par de párrafos aislados de este magnífico libro:

«El pensamiento occidental moderno es un pensamiento abismal. Éste consiste en un sistema de distinciones visibles e invisibles, las invisibles constituyen el fundamento de las visibles. Las distinciones invisibles son establecidas a través de líneas radicales que dividen la realidad social en dos universos, el universo de “este lado de la línea” y el universo del “otro lado de la línea”. La división es tal que “el otro lado de la línea” desaparece como realidad, se convierte en no existente, y de hecho es producido como no existente. No existente significa no existir en ninguna forma relevante o comprensible de ser. Lo que es producido como no existente es radicalmente excluido porque se encuentra más allá del universo de lo que la concepción aceptada de inclusión considera es su otro. Fundamentalmente lo que más caracteriza al pensamiento abismal es pues la imposibilidad de la copresencia de los dos lados de la línea. Este lado de la línea prevalece en la medida en que angosta el campo de la realidad relevante. Más allá de esto, sólo está la no existencia, la invisibilidad, la ausencia no dialéctica.»

*

«El pensamiento moderno occidental avanza operando sobre líneas abismales que dividen lo humano de lo subhumano de tal modo que los principios humanos no quedan comprometidos por prácticas inhumanas. Las colonias proveyeron un modelo de exclusión radical que prevalece hoy en día en el pensamiento y práctica occidental moderna como lo hicieron durante el ciclo colonial. Hoy como entonces, la creación y la negación del otro lado de la línea son constitutivas de los principios y prácticas hegemónicas. Hoy como entonces, la imposibilidad de la copresencia entre los dos lados de la línea se convierte en suprema. Hoy como entonces, la civilidad legal y política en este lado de la línea se presupone sobre la existencia de una completa incivilidad en el otro lado de la línea.»

MAIAKOVSKI Y PASOLINI EN NUEVA YORK

2011-07-18T07:30:00.000-07:00

Una forma de preparar los viajes consiste en indagar las voces de otros viajeros. En septiembre estaré en Nueva York y desde ya mismo me veo empujado en el acecho de otras referencias, tránsitos realizados por escritores que admiro. Resulta que dos editoriales pequeñas y excelentes me han dado la oportunidad de simplificar dicha búsqueda. Los sellos "Gato Nero" y "Errata Naturae" han publicado recientemente dos libros poco conocidos pero de enorme interés: "América" de Vladimir Maiakoski (cuya foto inaugura esta entrada), y "Nueva York" de Pier Paolo Pasolini. Desgranemos brevemente cada uno de ellos.

Maiakovski viajó a La Habana, México y EEUU en 1925. Fueron apenas tres meses (de julio a octubre)de periplo. Formaba parte de una delegación del gobierno soviético y pronunció varias conferencias gracias al apoyo de las formaciones obreras del país norteameicano. Esta edición viene a recoger el libro de notas que fue gestando durante dicho viaje. Para quién haya leído la poesía de este autor sin duda encontrará un libro sorprendente, poliédrico, rico en detalles y matices. Se trata de una prosa seca, cortante, extremadamente lúcida, donde se entrecruzan las impresiones paisajísticas con las intuiciones sociológicas. La mirada de Maiakovski se fija tanto en grandes contornos culturales, como en detalles matéricos que reconstruyen la existencia en México DF y en Nueva York de manera admirable. Su lectura es una delicia y permite reconstruir el trayecto vital, ético, estético que el escritor ruso (desconocedor del inglés y, por tanto, doblemente extranjero en ese país) realizara por tierras americanas. Me gustaría transcribir sólo algunos párrafos a modo de invitación a su lectura:

[México, págs. 25-26]: "El ejército mexicano es curioso. Nadie, ni siquiera el secretario de Guerra, sabe cuántos soldados hay en México. Los soldados obedecen a los generales. Si un general que apoya al presidente tiene mil soldados, se jacta de disponer de diez mil. Y cuando recibe recursos para diez mil, vende la comida y los pertechos de los nueve mil que no existen. Si el mismo general está en contra del presidente, exhibe las estadísticas de un millar y, en el momento oportuno, saca a diez mil a combatir. Por esta razón, si le preguntan al secretario de Guerra sobre el número de las tropas, responde:

-Quién sabe, quién sabe. Tal vez treinta mil, o tal vez cien.

El ejército vive como antaño: en unas tiendas con sus enseres, esposas e hijos.

Durante las guerras internas, los enseres, las esposas y los hijos forman una especie de bandas anárquicas. Si un ejército carece de cartuchos pero tiene maíz y otro carece de maíz pero tiene cartuchos, paran el combate, las familias se dedican al comercio de trueque, unos se atiborran de maíz, otros llenan sus bolsas con los cartuchos, y vuelven a empezar la batalla."

[Nueva York, pág. 78]: "Negros, chinos, alemanes, judíos y rusos viven en sus barrios, con sus costumbres e idiomas, sin mezclas étnicas durante decenios.

En la ciudad de Nueva York, sin contar los suburbios, hay 1.700.000 judíos (aproximadamente),
1.000.000 italianos,
500.000 alemanes,
300.000 irlandeses,
300.000 rusos,
250.000 negros,
150.000 polacos,
300.000 hispanos, chinos y finlandeses.

Al final es un enigma: ¿quiénes son los estadounidenses propiamente dichos, y cuántos son cien por cien estadounidenses?

Al principio hacía un esfuerzo bestial para hablar inglés en un mes, y cuando mis esfuerzos empezaron a dar frutos, la gente a mi alrededor -el tendero, el lechero, el lavandero e incluso el policía- se puso a hablarme en ruso."

[Detroit, pág. 127]: "Me hizo mucha ilusión visitar la fábrica de Ford. La tirada de su libro publicado en 1923 en Leningrado ya ha alcanzado cuarenta y cinco mil ejemplares. El fordismo es el concepto favorito de los gestores de trabajo: hablan de la empresa de Ford como si fuera algo que se pudiese trasladar al socialismo prácticamente sin cambios."

[La partida, pág. 139]: "Los Estados Unidos se convertirán en un país exclusivamente financiero, usurero. Los antiguos trabajadores que tienen aún deudas por el automóvil comprado a plazos y una casa microscópica, tan regada con el sudor que no es extraño que haya crecido hasta la segunda planta, esos antiguos trabajadores pueden creer que su tarea consiste en vigilar que su dinero papal no desaparezca."

¿No me negarán que, de pronto, 1925 y Maiakovski parece que hubieran regresado a nuestros días?

Y ahora toca el turno al genio italiano. Este volumen recoge tres materiales bien distintos aunque conectados. Un extenso y completo prólogo hecho por Luigi Fontanella en torno a la figura de Pasolini, sus búsquedas estéticas y políticas y la vinculación de éstas con las dos visitas que realizara a Nueva York (en 1966 y 1969), la transcripción de la entrevista grabada que le hiciera en 1969 Giuseppe Cardillo en el Instituto de Cultura Italiana de Nueva York, y que ha permanecida dormida durante todo este tiempo, y las notas que el propio autor hiciera del segundo viaje tituladas "Nueva York es una guerra". Créanme, se trata de un libro excelente, plagado de elementos reflexivos de primer nivel. A lo largo de estas páginas nos encontramos con un Pier Paolo Pasolini que repasa toda su trayectoria, sus distintos deseos, sus marcos téoricos, sus obsesiones, su compromiso político. El nueva York que se encuentra en 1969 está atravesado por las luchas por los derechos civiles y viene a reencarnar parte del discurso de la izquierda de posguerra europea. Se trata de un viaje moral apasionante y debemos felicitar a este sello editorial por poner a disposición del público en español este trabajo. Al igual que hiciera con Maiakovski permítanme traer algunos párrafos:

[Págs. 59-61] "Antes me preguntaba usted por las lecturas que me han llevado a interesarme por los pobres, y adoro utilizar esta terminología: pobres, porque durante mucho tiempo -durante veinte años, desde el final de la II Guerra Mundial hasta hace pocos años- se ha hecho retórica sobre la clase obrera. Se ha establecido esta distinción: hablar de la clase obrera significaba ser comunista ortodoxo, digamos que perfecto; hablar de los pobres significaba ser populista. Pero yo siempre he hablado de los pobres de verdad, y la izquierda siempre me ha acusado de ser populista, humanitario. En cambio, ahora acepto esta terminología y, en el fondo, incluso la historia me ha dado la razón, porque ahora todo el mundo habla de los pobres, incluso los comunistas. Antes uested intentaba poner en relación el hecho de que yo me interese por los pobres y mis posibles lecturas poéticas, y también el uso del dialecto. Pues tengo que desmentirle también esto. Para ser sincero, el dialecto, no lo utilizaba de manera realista; es decir, no implicaba de ninguna manera la presencia del hablante y, por tanto, de su condición social de pobre o de perteneciente a otra clase social. Yo usaba el dialecto friulano por razones puramente estéticas, prescindiendo por compleo de quienes lo hablaban. [...] Y fue en ese momento cuando leí mi primera obra fundamental; es decir, un poco antes, con catorce años, había leído a Dostoievski y a Shakespeare, pero hacia los diecisiete años tuve una revelación fundamental en el instituto cuando descubrí la obra de Rimbaud, la de los simbolistas franceses y la de Ungaretti, en particular, Sentimiento del tiempo de Ungaretti. ¿Qué significió para mí? Esta lectura traumática, que representa una de las claves de mi vida, tuvo dos consecuencias distintas y, en cierto sentido, contradictorias.

En primer lugar, me hizo ser antifascista. La lectura de Rimbaud y de la poesía simbolista y decadentista hizo qe, no sólo mecánicamente, sino automáticamente, tomase conciencia de que era antifascista, así que diría que tuvo una función política positiva en mí.

En cambio, la segunda consecuencia fue puramente literaria y estética, lo cual parece contradictorio, pues, como usted sabe, los simbolistas postulaban una lengua de la poesía. [...] En resumen, los simbolistas basaban su poética en dos puntos: la poesía es el contenido de la poesía y la poesía tiene una lengua que le es propia; una lengua que no es ni decorativa ni referencial, sino la conciencia misma del lenguaje poético."

[Pág. 105] "En Estados Unidos, pese a mi brevísima estancia, he vivido muchas horas en un clima clandestino, de lucha, de urgencia revolucionaria, de esperanza, típico de la Europa del 44 y del 45. En Europa todo esto ya no existe: en Estados Unidos da la impresión de que está a punto de empezar. No quiero decir que en Estados Unidos haya una guerra civil ni nada que se le parezca, y tampoco quiero vaticinarla: sin embargo, se vive así, como en vísperas de grandes cosas. Los que pertenecen a la Nueva Izquierda (que no existe, tan sólo es un ideal) se reconocen a primera vista, e inmediatamente nace entre ellos esa especie de amor que unía a los partisanos. Hay héroes, caídos, Andrew, James y Micky -y muchos otros-, y grandres movimientos, grandes etapas de un enorme movimiento popular comprometido con el problema de la liberación de los negros y, ahora, con la Guerra de Vietnam."

No quiero acabar sin mostrar la imagen y la voz del propio Pasolini. Y como de Estados Unidos estamos hablando, aunque esté en italiano, aquí les entrego un fragmento de la entrevista que el propio Pasolini hiciera a Ezra Pound, uno de los maestros de la poesía del siglo XX. Que lo disfruten.

LA SOCIEDAD SIN RELATO, DE NÉSTOR GARCÍA CANCLINI

2011-07-13T07:31:00.001-07:00

La última entrega editorial del antropólogo argentino afincado en México DF, Néstor García Canclini, nos acerca una reflexión en torno al arte contemporáneo visto desde los ojos de las ciencias sociales. El padre de la teoría de la "Hibridez cultural" bucea, en esta ocasión, en el sentido de lo que denomina "Antropología y estética de la inminencia" (Katz Editores, 2010). Lo considero un texto extremadamente interesante, útil para cualquiera que en estos momentos se esté interrogando sobre la práctica artística y sus cruces con un mundo en proceso de recomposición crítica. Como se indica en la contraportada: "Este libro parte del vacío que dejó el agotamiento de las estéticas modernas. Critica también la idealización de obras fragmentarias y nomádicas, su fugaz prestigio en el canon posmoderno, y busca un marco analítico que, para examinar el arte contemporáneo, se ocupe de él junto con las condiciones culturales y sociales en las que se hace posible su condición postautónoma, como un modo de comprender, no sólo el mundo del arte, sino también los complejos procesos sociales en los que éste adquiere sentido." Y para mostrar la potencia de su trabajo analítico me gustaría transcribir algunos párrafos correspondientes a la apertura del libro: "El arte fuera de sí":

"Son posibles otras explicaciones vinculadas a los logros y a los fracasos de la globalización: las artes dramatizan la agonía de las utopías emancipadoras, renuevan experiencias sensibles comunes en un mundo tan interconectado como dividido y el deseo de vivir esas experiencias en pactos no catastróficos con la ficción." (Pág. 10).

*

"[...] el arte es el lugar de la inminencia. Su atractivo procede, en parte, de que anuncia algo que puede suceder, promete el sentido o lo modifica con insinuaciones. No compromete fatalmente con hechos duros. Deja lo que dice en suspenso. La exposición de Dora García en Santiago de Compostela, a fines de 2009, titulada ¿Dónde van los personajes cuando termina la novela?, propone esta guía de lectura para sus obras: Una pregunta debe evitar a toda costa una respuesta." (Pág. 12)

*

"Al decir que el arte se sitúa en la inminencia, postulamos una relación posible con lo real tan oblicua o indirecta como en la música o en las pinturas abstractas. Las obras no simplemente suspenden la realidad; se sitúan en un momento previo, cuando lo real es posible, cuando todavía no se malogró. Tratan los hechos como acontecimientos que están a punto de ser." (Pág. 12)

*

"Los entrelazamientos de las prácticas artísticas con las demás hacen dudar de los instrumentos teóricos y de los métodos con los que se intenta comprenderlas en las sociologías modernas y las estéticas posmodernas. ¿Sirve para algo las nociones de mundo del arte (Becker)y de campo del arte (Bourdieu) cuando sobran signos de la interdependencia de los museos, las subastas y los artistas con los grandes actores económicos, políticos y mediáticos? ¿Ayudan los análisis de Bourriaud sobre la estética relacional o son más productivas las propuestas críticas de Rancière cuando distingue entre estéticas del consenso y del disenso?" (Pág. 15)

*

"Tal vez las respuestasa este interrogante no surjan del campo artístico, sino de lo que le está ocurriendo al intersectarse con otros y volverse postautónomo. Con esta palabra me refiero al proceso de las últimas décadas en el cual aumentan los desplazamientos de las prácticas artísticas basadas en objetos a prácticas basadas en contextos hasta llegar a insertar las obras en medios de comunicación, espacios urbanos, redes digitales y formas de participación social donde parece diluirse la diferencia estética. [...] Más que los esfuerzos de los artistas o de los críticos por perforar el caparazón, son las nuevas ubicaciones dadas a lo que llamamos arte lo que está arrancándolo de su experiencia paradójica de encapsulamiento-transgresión." (Pág. 17).

GRAMOS, DE JOSÉ MARÍA CASTRILLÓN

2011-07-10T07:39:00.001-07:00

La editorial asturiana TREA viene, desde hace años, construyendo una de las colecciones de poesía más interesantes y exigentes del país. Nombres como Esther Ramón, María do Cebreiro, Luis Muñiz, Eli Tolaretxipi, han visto aparecer sus libros en este sello junto a nombres internacionales de la altura de Philippe Jaccottet, Józef Baran o el mismísimo Hart Crane (cuya recuperación de "El puente" fue, sin duda, uno de los hechos editoriales más sugerentes de los últimos años). En esta ocasión me gustaría proponer el trabajo del poeta asturiano José María Castrillón y su "gramos" (2010). Nos encontramos ante un libro fértil, desnudo, condensado en poemas breves que, sin embargo, acumulan una intensísima carga emocional. Se trata de una poesía que parece nacer del espacio más secreto, casi sordina, pero que enraíza el dolor y la fragilidad de lo vivo de manera esencial. Podrían aplicársele muchos adjetivos a su trabajo, mas para no aburrirles con mis comentarios casi prefiero que hablen los poemas por sí mismos. No obstante, quisiera antes acercarles el texto de la contracubierta que resume de forma muy acertada lo que gramos implica:

"Si hay suerte y uno apuesta por la vida, se puede transformar el dolor en un canto. El canto dice: la sangre apostada a un diente de leche. El canto dice: has dejado caer la cabeza en el agua. gramos no es tanto un acontecimiento doloroso como su atmósfera. No la cosa en sí sino lo que desaloja. Las imágenes que los ojos absorben en él nos devuelven nuestro mundo primigenio de carne y piel. Los estímulos que capta el ojo actúan en defensa del propio ser. Gramos separan la vida de la muerte. Pero gramos es un libro que abriga, que te ampara desde su lenguaje privado."

Y ahora algunos espléndidos poemas...

MARCAS

su sien venosa era lo que yo no había visto
azulada
marca
feraz
cielo donde crecer a solas

*

la asolación en torno a su sexo tiene el apremio del ave del recién llegado

*

una puesta diminuta de huevas negras en sus uñas
joven cavador
cachorro descreído

*

no puedo seguirte espíritu nicño por el camino del cazador que entierra su propia carne
para atraer a la pieza mejor la más sagaz

ni sangre ni ceniza especian los sueños
si has abandonado los rituales de la muerte
a un surco de tristeza
al calendario de las lluvias
a un pulmón de acero
y no sé hijo cómo llevarte los dedos por la arena
tu muerte
dibujando
no sé cómo entregarte
nuestra incierta forma de
vivir

PIDGIN

nunca has bajado a los puertos
donde luz no vale al peso más que insomnio
y sueño se pronuncia entre las manos

comienza por ellas
por su impudicia
de entarimado viejo
por el saqueo de gramos que abrasarán tu lengua

después vendrá la voz
sonámbula
ensalivada de alcoholes nuevos

ve
porque eres el amor en lo que dejas
y confía

alguien dará con tu casa tu boca y tu dolor

CITA

en algún extremo de mi vida sigue esperándome el animal al que sujetan quieto y clavan al suelo quieto así para que no llore yo sobre su grupa

AMANECER

la sencillez del sueño
su leche furtiva
dejó las huellas del cojitranco
vivir

si no se hicieron oración
aún queda arena por tu cuerpo
y algo de su consuelo infértil
te atará los pies a lo que fuiste
ayer

y en eso
otro día

UMBRAL

el hombre que abre la puerta y todo lo confía
a su insaciable perdón
las huchas tristes de este instante
cortado de su mano
al cerrar

José María Castrillón (Avilés, 1966) es doctor en filología hispánica por la Universidad de Oviedo. Ha publicado los poemarios La sonrisa de un delfín (1991), Animal de compañía (1998), La vieja munición (2005), Aún por recorrer (2006) y el círculo y la piedra (2006). Ha formado parte del consejo editorial de la colección "Nómadas" y de la revista Solaria, y actualmente de la bitácora digital Las razones del aviador.

Movilización Pacífica contra la Privatización de la Gestión de las Actividades Culturales de las Bibliotecas Públicas Municipales

2011-07-05T02:45:00.001-07:00

La gestión de los recursos públicos ha de ser pública. Movilización contra la Privatización de las Actividades Culturales en la Red de Bibliotecas Municipales.
Viernes 8 de julio a las 10:00 h frente al Área de Gobierno de Las Artes del
Ayuntamiento de Madrid (C/ Montalbán 1).

Si estás en contra de la privatización de las actividades culturales de las bibliotecas municipales, únete en una protesta pacífica donde realizaremos cuentacuentos, club de lectura, talleres literarios, etc. Las actividades culturales de la Red de Bibliotecas Municipales pasarán a privatizarse a partir del
curso 2011-12. Estas actividades (cuentacuentos, talleres de poesía, escritura creativa, clubs de lectura, tertulias filosóficas, inglés, informática, cursos de cine, etc) eran gratuitas para los usuarios y venían siendo gestionadas por el Ayuntamiento de Madrid, quien contrataban directamente al profesorado (sin intermediarios ni subcontratas). Con la privatización de dichas actividades las
condiciones cambiarán drásticamente, tanto para profesores como para usuarios.

Por una cultura sostenible, plural, de acceso libre y no vinculada al estricto beneficio.

(POE)DIVERSIDAD: RAFAEL SARAVIA, MARIO MARTÍN GIJÓN Y MERCEDES ROFFÉ

2011-07-04T07:14:00.000-07:00

Seguimos celebrando la llegada de nuevos libros. Mi dirección postal es un ir y venir de ejemplares que insisten en quedarse y se quedan. Sólo puedo agradecer a los diferentes autores su gesto y enriquecerme como lector con su trabajo. Es un auténtico lujo. En esta ocasión quiero dar cuenta de un libro de 2009 y dos recién aparecidos.

Empezamos con el poeta leonés Rafael Saravia (Málaga, 1978). Fotógrafo y poeta. Ha participado en diversos proyectos editoriales y en varias exposiciones colectivas. Entre sus exposiciones individuales: “Nos queda la memoria” (2004) y "Ramblas" (2005). Como poeta, ha publicado "Pequeñas conversaciones"(2009), además de numerosas colaboraciones en diferentes revistas y antologías. Este año acaba de publicar "Llorar lo alegre" en Bartleby Editores. Me gustaría transcribir dos poemas de su libro "Pequeñas conversaciones".

"De todas las aberraciones sexuales, la más singular es la castidad"
Gourmont

V

Lo de nuestros cuerpos
era y sigue siendo una excepción.

Yo pienso que nunca fueron nuestros,
eran de noche y de nadie, amables.
Sólo se acariciaban para besarse
a tientas de todo;
el resto, eran discordias entre imanes.

"Nos prohíbes las lágrimas ahora.
No nos queda otro remedio que ser hombres"
Jaime Sabines

VI

Sabemos a qué atenernos,
sabemos a qué sabernos por separado.
Tú anuncias tu libertad,
yo la amontono en las esquinas
y no consigo diferenciarla
de todas las libertades mías.

Tal vez me pese demasiado
darme cuenta de que hoy,
como hace tantos milenios,
te resuelva en el vaso de ningún lugar en concreto,
te absuelva en el hueco de nadie, en efecto.

Proseguimos con otro escritor que nos desvela su primer poemario. Se trata del cacereño Mario Martín Gijón (Villanueva de la Serena, 1979). Actualmente vive en Cáceres, donde es profesor en la Universidad de Extremadura. Doctor en Filología Hispánica, hace crítica literaria, y es autor del libro "Una poesía de la presencia. José Herrera Petere en el surrealismo, la guerra y el destierro", con el que obtuvo el premio Gerardo Diego de Investigación Literaria. Recientemente acaba de recibir el Premio Internacional de la Crítica Literaria Amado Alonso por su trabajo "La patria imaginada de Máximo José Kahn. La obra de un escritor de tres exilios.". Con este "Latidos y desplantes" inaugura su trabajo poético. Quisiera traer tres poemas de este libro poliédrico, lleno de hallazgos, donde conviven distintas voces a modo de cántico híbrido. Aquí van:

creí que no se abriría
trasplantada en tierra extraña

para siempre sus pistilos
empuñados como puñales
rencorosos contra el ser

creí que no se abriría

pero se abrió la orquídea

*

el encuentro

encendido descendí
apartando las cenizas
pendiente de tu sed

definíamos los confines
de la noche y el deseo
en la víspera del gozo

dibujamos una puerta
y escondidos
nos dimos a lo abierto

*

del insomnio

noches desoladas
desojadas
a fuerza de ver
toda la oscuridad
tan clara

Y cerramos este tríptico con la poeta argentina Mercedes Roffé. Una de las voces imprescindibles del panorama latinoamericano. Mercedes Roffé (Buenos Aires, 1954) ha publicado Poemas (Síntesis, 1977), El tapiz (bajo el heterónimo Ferdinand Oziel; Tierra Baldía, 1983), Cámara baja (Último Reino, 1987), La noche y las palabras (Bajo la luna, 1996); Definiciones mayas (plaquette, Pen Press, 1999), Antología poética (Pequeña Venecia, 2000), Canto errante (tsé-tsé, 2002), Memorial de agravios (Alción, 2002), Milenios caen de su vuelo. Poemas 1977-2003 (Colección Atlántica de Poesía, 2005), La ópera fantasma (Bajo la luna, 2005) y Las linternas flotantes (Bajo la luna, 2010). Desde 1998 dirige el sello Ediciones Pen Press. Entre otras distinciones, recibió una Beca de la Fundación John Simon Guggenheim (2001). En esta ocasión quiero traer unos poemas de la reedición en España de un volumen con los títulos "Canto errante" y "Memorial de agravios" (Amargord, 2011). Espero que los disfruten:

La metáfora ha muerto.
Nada se parece a nada.
La más mínima fracción de cada átomo absorbida en la tarea de cumplir su ínfimo mandamiento. Sostenerse en el ser, cada mañana, no importa qué. La anatomía exhausta del ciprés...La terquedad crispada de los pinos... El blanco inocuo del hielo en el dintel.
El orín del perro del vecino traza un surco en la nieve.
Minúsculo. No menos
que todo lo demás. No menos
que esta arrebatada voluntad, la inanidad segura de este intento.

*

Cada vez más ceñido el horizonte. Y cada vez más amplio. Difusión. Diferencia. Como se dice, una proyección diferida (una toma de mando, un evento, un juego...) Una hora que no es. Que fue y se verifica, se simula y acepta, como un rito. Una repetición/terapéutica. Monumentos. Memorias. Construcciones. Historia o mito original. Puesta en escena de un ayer que explica, da a entender, funda, da razón (de ser) a un presente más o menos fallido, imperturbable.

*

Un irse como quien cierra la puerta para dormir la siesta (piyama y orinal). Algo como un ritual privado, intrascendente. Una caja china o una babushka. Cerrar la puerta de un cuarto de una casa vacía, en un edificio vacío, en la desierta capital de un país abandonado. Imperfección lograda-diferencia.

MANUEL DELGADO Y MARTIN BUBER

2011-06-30T04:23:00.000-07:00

El movimiento 15M ha irrumpido en las conciencias de muchos. Y en las plazas. Y en las calles. Y en el tiempo histórico que nos ha tocado vivir. Con independencia de las valoraciones que cada quién haga sobre este fenómeno, nadie podrá negarle el estatuto de “nuevo actor social” con capacidad para intentar vertebrar diferentes tendencias y visiones críticas. A mi juicio (y habrá voces que lo cuestionen) este movimiento se inscribe, esencialmente, dentro del espectro de la Izquierda y en cierta medida, más allá de su rechazo a los aparatos ideológicos de un Estado claudicante frente al poder financiero, a quién interpela más es (creo) a la llamada “izquierda institucional”, aferrada tras una cultura política plagada de desconexiones y dogmatismos. En este sentido, mi particular mirada sobre el 15M (en el que trato de participar activamente) pasa por identificar aquellos aspectos que lo convierten en “espacio de resistencia”, en promotor de una nueva agenda política para todos aquellos que sienten un profundo rechazo hacia el status quo vigente. En este sentido, el 15M ha puesto encima de la mesa muchos elementos interesantes de los cuales me gustaría destacar dos: el papel del espacio público como territorio de visibilización y disputa de distintos proyectos políticos (co)existentes en nuestro país, y una revisión/impugnación de las prácticas discursivas y organizacionales de la izquierda tradicional de filiación marxista-leninista. Sobre estos dos aspectos me gustaría proponer sendos libros recientemente leídos por mí que, creo, pueden interesar a todos aquellos preocupados por (re)pensar esta clase de fenómenos.

Sobre el debate vinculado al papel del espacio público, me gustaría recomendar el último libro publicado por el antropólogo Manuel Delgado titulado “El espacio público como ideología” (Madrid, Los Libros de la Catarata, 2011). En este texto se nos ofrecen variados argumentos problematizadores sobre esta cuestión. Pero el más interesante a mi juicio (y que conecta directamente con lo que estábamos hablando sobre el 15M) es el desenmascaramiento de lo que este investigador denomina el proyecto ciudadanista (socialdemócrata) de paz social y de reforma ética del capitalismo, que impone un modo de entender el espacio público (la calle, la plaza, el parque, etc.) como “vacío de conflicto”, desanclado de los procesos de pauperización y dualización económica. Desde esta óptica «[…] el ciudadanismo es también el dogma de referencia de un conjunto de movimientos de reforma ética del capitalismo, que aspiran a aliviar sus consecuencias mediante una agudización de los valores democráticos abstractos y un aumento en las competencias estatales que la hagan posible, entendiendo de algún modo que la exclusión social y el abuso no son factores estructurales, sino meros accidentes o contingencias de un sistema de dominación al que se cree posible mejorar éticamente.» (Pág. 22). De ahí que: «[…] el concepto de espacio público no se limita a expresar hoy una mera voluntad descriptiva, sino que vehicula una fuerte connotación política. Como concepto político, espacio público se supone que quiere decir esfera de coexistencia pacífica y armoniosa de lo heterogéneo de la sociedad, evidencia de que lo que nos permite hacer sociedad es que nos ponemos de acuerdo en un conjunto de postulados programáticos en el seno de los cuales las diferencias se ven superadas, sin quedar olvidadas ni negadas del todo, sino definidas aparte, en ese otro escenario al que llamamos privado, como ámbito de y para el libre acuerdo entre seres autónomos y emancipados que viven, en tanto se encuadran en él, una experiencia masiva de desafiliación.» (Pág. 20) Esta (re)lectura en clave ideológica me parece fundamental porque si el 15M nos ha enseñado algo, ha sido volver a comprender la morfología urbana como proyección física constituyente del conflicto social. Buen ejemplo de ello lo tenemos en el empeño por parte de las instituciones y medios de comunicación de masas por imponer una modalidad de protesta “buonista”, pacífica, de baja intensidad, que “invisibilice” la rabia y el sufrimiento social en aras del consenso y el respeto a unos valores ciudadanos abstractos y pretendidamente universales. Les aconsejo vivamente la lectura de este libro porque encontrarán un descarnado y lúcido cuestionamiento de semejante operación ideológica.

El segundo de los aspectos señalados guarda relación con el carácter asambleario del movimiento 15M y su rechazo de la praxis doctrinal política de los partidos institucionales. Dejando a un lado la Derecha, para quién la lógica de las “oligarquías de hierro de los partidos” (como Robert Mitchell ya señalaba) constituye su humus natural, este movimiento ha venido a cuestionar, de raíz, la pesada herencia del centralismo democrático, el protagonismo de las élites y/o vanguardias revolucionarias como auténticas mediadoras entre el sujeto y el proceso político, así como la representatividad entendida como única forma de canalización de la acción política. Tanto el PSOE como IU, así como los sindicatos mayoritarios, beben de unas tradiciones fuertemente ancladas a las concepciones durkheinianas y weberianas (para el caso de la socialdemocracia) y/o marxistas-leninistas (para el caso de los partidos comunistas), donde la “organicidad” se entiende en clave de centralidad y liderazgo, frente a la tradición utopista y anarquista que postula la vertebración social a partir de un autonomismo federalista vigoroso. Con independencia de la elección organizativa que cada quién elija, me gustaría proponer la lectura del libro “Caminos de utopía” del filósofo Martín Buber (Fondo de Cultura Económica, 2006) porque contextualiza de forma brillante estas diferencias e intenta establecer puentes de comunicación. En este texto se hace un repaso por el socialismo utópico, el anarquismo, las experiencias cooperativas del siglo XIX, y sobre todo se intenta dibujar dónde, cómo y por qué, el marxismo-leninismo estigmatizó y separó del proceso de la revolución las tesis defendidas por Proudhome, Kropotkin, Landauer, Robert Owen, etc. Se trata de un libro especialmente turbador porque fue escrito en 1950, en pleno dominio del stalinismo en la antigua URSS, y se gestó en un intento de (re)pensar las prácticas de la izquierda tras la observación que ese “centralismo democrático” había llevado al socialismo al callejón sin salida de la burocratización y el Gulag. Resulta inquietante su lectura hoy, y de una actualidad rabiosa, pues nos ayuda a comprender los distintos modos de entender la izquierda y cómo su (re)formulación pasa por someter a un escrutinio autocrítico las prácticas que la llevaron a la hipertrofia y el estancamiento conceptual. Me gustaría a continuación transcribir unos párrafos de este libro donde podremos encontrar ecos de muchas de las sensaciones vividas este último mes en las asambleas populares del 15M. Aquí van:

«Frente a esa amalgama de conocimientos verdaderos y conclusiones erróneas, me pronuncio por el renacimiento de la comuna. Renacimiento, no recuperación. De hecho no cabe recuperarla, aunque se me antoja que todo asomo de fraternidad en los edificios de apartamentos, toda ola de camaradería cálida en las pausas de la fábrica, significan un crecimiento del contenido de comunidad del mundo. […] Pero considero que la suerte del género humano depende de la posibilidad de que la comuna renazca de las aguas y del espíritu de la inminente transformación de la sociedad. Un ente comunitario orgánico —y sólo ésos pueden formar una humanidad configurada y articulada— no se integrará nunca a base de individuos, sino de comunidades pequeñas e ínfimas: una nación es comunidad en la medida en que tiene contenido comunitario. […] Qué cantidad de autonomía económica y política —puesto que necesariamente serán a la vez unidades políticas y económicas— habrá que concederles, es una cuestión técnica que habrá que plantear y resolver siempre de nuevo, pero partiendo del conocimiento (que está por encima de la técnica) de que la potencia interna de una comunidad depende al propio tiempo de su potencia externa. […] Centralización, sí, pero nunca más de lo que sea preciso según las condiciones de lugar y tiempo. […] En la estructura de sociedad que yo imagino, deberá haber también un sistema de representación; pero no se traducirá, como los actuales, en pseudo representantes de masas amorfas de electores, sino en los representantes acreditados en el trabajo de las comunidades explotadas. Los representantes estarán unidos con sus representantes, no como hoy en vacua abstracción, mediante la fraseología de un programa de partido, sino concretamente, mediante la actuación común y la experiencia común.»

(POE)DIVERSIDAD: EDUARDO REZZANO, YAIZA MARTÍNEZ, CRISTINA MORANO, EVA CHINCHILLA, MARTA AZPARREN Y JOSÉ LUIS GÓMEZ TORÉ

2011-06-27T01:32:00.001-07:00

Este mes de junio está siendo enormemente revelador. No paran de llegarme libros espléndidos de autores que, allá y acá, insisten en ensanchar la geografía de la poesía en español. Me gustaría comenzar con el argentino Eduardo Rezzano y su "no fábulas" (editado en 2010 en Ediciones Vox). Un libro de poemas con ilustraciones de Peca. A Rezzano le tuvimos varios años entre nosotros, en Barcelona, y ahora desde su ciudad natal, La Plata, nos sigue aproximando a sus particulares bestiarios. Aquí os dejo con un poema del libro y una ilustración de las que componen este diálogo a dos voces.

Mitología

El esturión visita sus
huevos dos veces al año

La primera en la factoría
iraní
la segunda en un banquete
al que se lo invita

El padre de la novia
le habla al oído y lo convence
de probar el caviar

a fin de iniciarlo
en un ritual pagano
que liberaría de Edipo
a la descendencia

Continuamos con la poeta murciana Cristina Morano. En esta ocasión, también de 2010, nos trae su "El ritual de lo habitual" (Amargord, colección Candela) donde a través de mujeres reales e imaginarias, como bien se nos indica en la contracubierta, se intenta promover una reflexión sobre el poder y la obediencia y el cuerpo como lugar donde se configura esa dialéctica. Transcribo a continuación un poema:

Geometrías, cisne

-...Pero también al agacharte
o al trepar por el marco de la puerta
describías espacios, los nombrabas:
rincones, sillas, chimeneas,
cosas colgando dentro de una casa,
que te servía de ensayo para mundos mayores.
Ah, pero al salir fuera, no era igual:
se te ve tímida en las fotos
de otros, apoyándote en tu amiga,
o muy sola en aquella exposición
en Providence. Pareces un cachorro
agazapado y sin embargo
no eres un animal,
eres un vector escalable,
esas coordenadas geométricas
que Ballard intentaba en sus piscinas
para normalizar el mundo.
Sí, en esa diagonal que la luz forma
con tu pared está la cifra.
En el ángulo donde los techos
cortan la intersección de ambas paredes
está la fuga para el cisne.

Una de las lecturas que más me han sorprendido de los últimos meses ha sido este poemario de la poeta canaria afincada primero en Madrid y luego en Córdoba, Yaiza Martínez. Su "Siete-Los perros del cielo" (León, Ediciones Leteo, 2010) constituye, a mi juicio, uno de los ejemplos más acendrados de las nuevas búsquedas, los nuevos rumbos, que ciertas voces están tratando de rastrear en la poesía española. Se trata de un libro complejo, lleno de aristas, pero incansable en su desborde. Les dejaré con el poema que cierra el libro para que puedan acercarse hasta los límites de su trabajo creativo:

La verdad del alma es metafórica

En un instante, los siete colores vuelven al haz.
Abres los ojos, abandonas los sueños y a los perros del cielo.

Miras tu vida pequeña, escuchas tu respiración: desciendes al mundo

Reúnes en un solo rayo los siete colores, dejas al perro blanco suspirando, paciente, en la cabecera de tu lecho.

Conoces ahora la trampa de la luz o la verdad del alma es metafórica

Lo pronuncias lentamente: tiene la forma de un número. Sólo bajo este lenguaje, que es repetición en tu lengua, la trama vuelve a empezar

Te miras al espejo: una mujer pequeña está reparando tu loza. Mencionas su alma en el libro. Ella se acuna en tu voz.

Digamos que por el hijo hemos repetido todos nuestros versos. Nos entregamos, de nuevo, a los secretos caracteres del mundo.

Ahora: la historia sigue su veredita. Sustancia y gracia sobre el sendero de los caballos.

*

Ahora: la ciudad dentro de un círculo y el círculo en el hijo. Mira hacia atrás, para cerrar la letra.
O, más blanca, dispone el inicio: sabia en el arte del lanzamiento,
encogida siempre de hombros

mira al cielo, bajo sus pies

Después de varios años sin publicar, la poeta madrileña Eva Chinchilla regresa "a los escenarios" con su "años abisinos, seguido de canciones yemeníes" (Amargord, Colección Transatlántica-Portbou, 2011). Bajo la atenta memoria de Rimbaud, este texto nos sumerge en la reflexión metapoética desde la perplejidad y la multiplicación de voces y capas textuales. Estamos ante un libro extraño, tozudamente-cruce, que como colofón incorpora algunas traducciones inéditas en castellano de la filóloga árabe Laura Sisniega en torno a una serie de canciones yemeníes (poesía humayni y canto sanaani). Les dejo un poema para que lo disfruten tanto como yo:

Rimbaud el aire

el sueño recurrente de ella no es anagrama sino
paronomasia

de Baudelaire Rimbaud
a

Rimbaud el aire

Un escaso nosotros

un polifacético, poliédrico, polinómico relato de nosotros mismos

un cada uno
qué pérdida común del tiempo

un sin y un con, un todavía, cuando, ya verás

un no conoceré ni querré conocer más sobre el dictador

y un escribir al dictado, por lo tanto

aunque de estos dos últimos versos nunca está segura

Se trata

(¿un iglú, una casa con la herida, una ciudad soportable, un puto iglú?)

de dejar a la canción sin su canción

Y acabamos como empezamos. Con una conversación a dos voces entre una artista plástica y un poeta. Se trata de los españoles Marta Azparren y José Luis Gómez Toré. En esta ocasión (dentro también de la magnífica colección dirigida por Juan Soros "Transatlántica-Porbou, 2011) nos proponen el diálogo de un diálogo. Su título: "Claroscuro del bosque". La (re)recreación poético-visual del encuentro que mantuvieron Paul Celan y Martin Heidegger en la cabaña del segundo en Todtnauberg (Selva Negra, 1967). Este libro sobrecoge. Sólo imaginar ese (des)encuentro entre dos de la voces más poderosas del siglo, unidas, a la vez, por la cultura y la barbarie nazi. Por una doble mirada entre víctimas y victimarios. Poesía y dimensión histórica. Dibujos y reflexión existencial. Dado que no se trata de un libro ilustrado sino de una obra colectiva donde el texto se imbrica en los dibujos, les voy a dejar en esta ocasión con una de las páginas del poemario. Espero que después de este recorrido plural nadie albergue la insípida esperanza de normalizar la escritura poética en nuestro país.

RESEÑA DE "RITUAL" POR PARTE DE JUAN SOROS EN EL NÚMERO 15 DE LA REVISTA NAYAGUA

2011-06-22T08:39:00.000-07:00

Acaba de publicarse en el número quince de la revista "Nayagua" (ISSN: 1889-206X), perteneciente al Centro de Poesía "José Hierro" de Getafe (http://www.cpoesiajosehierro.org/) una reseña de mi libro "Ritual" por parte del poeta chileno Juan Soros. Quiero desde aquí agradecerle su texto y transcribo a continuación el contenido del mismo.

Ernesto García López
Ritual
Prólogo de Mercedes Roffé
Amargord, Madrid, 2011
93 Págs.

Cuando ya no queda nada, nos queda la voz. Cuando vemos el mundo fracturado, disociado, disgregado. Nos queda el canto. De las múltiples funciones del canto, clásicas y modernas, la de dar cuerpo (voz) al ritual, es la más antigua y la más persistente. Sin embargo, en esta época de recelo y degradación de la experiencia del otro (del que hablan Levinas o Buber, por ejemplo), el ritual parece ausente de la vida cotidiana o, al menos, de manera convencional. La antropóloga Martine Segalen, quien ha actualizado los clásicos estudios de Van Gennep sobre Ritos de paso, constata la aparición de nuevos esquemas rituales de interacción social contemporáneos, en especial en comunidades marginales o marginadas que sólo hace muy poco han alcanzado un estatuto social tal que les permite estas manifestaciones. En ausencia de grandes relatos que justifiquen e impongan el ritual conservador, ambivalente como cultura y barbarie (según ve toda cultura Walter Benjamin), surgen nuevos ritos en los márgenes del lenguaje y la experiencia, conscientes y por tanto críticos de esta situación. No se trata de un regreso conservador, un ritual nuevo (en sentido moderno), ni de una parodia o pastiche ritual (en sentido posmoderno). Es un paso más allá, paso oblicuo o lateral, fuera de la lógica dialéctica hacia la constelación de sentidos y espacios donde habitar. Como nos propone Ernesto García López (Madrid, 1973) lo que está en juego en el rito es “No olvidar”.

Sin una jerarquía, sin un imperativo, el autor ofrece su palabra, su canto ritual, al lector. La palabra cincelada, precisa, cortante, que nos es cedida. No leemos un relato de poeta, nos apropiamos de un ritual de palabras que se nos ofrece como un hecho de lenguaje. Así podemos decir: “Por las calles, sin merecerlo, sigo”. Si el rito convencional se asocia al templo o la cima de la montaña donde se ofrece el sacrificio, García López lo descentra doblemente. Lo trae al espacio urbano pero sin carnavalizarlo ya que lo lleva al margen de la ciudad. Sin pretender ningún aspecto religioso, su Ritual sí re-liga al llevarnos al campo de lo social. Sin sermón ni iglesia, sin los códigos de la poesía política, con desengaño y solidaridad. Sobre todo, con esperanza, esa palabra desacreditada entre el trasnochado cinismo de un supuesto posmodernismo retrasado treinta años pero “a la moda”.

“Declarando al vacío cuánta estirpe fue necesaria para / reinventar un hombre // Habrá liturgias y responsos // No olvidar” ¿Principio esperanza? ¿Bloch? ¿Utopía? No. Los proyectos de utopía han demostrado su incapacidad para evitar la tentación de poder y los abusos del totalitarismo. Sin embargo, el pensamiento utópico no pierde por esto un ápice de su importancia, de su urgencia, en un mundo cada día más disociado de lo humano. No es extraño que tanto los espacios como el habla y las letras de Latinoamérica impregnen Ritual. A pesar de la renuncia de buena parte del pensamiento occidental ante el fracaso de la utopías devenidas distopías a finales del XX, críticos como Fernando Aínsa han defendido la vigencia de la utopía, del pensamiento utópico, en una región donde las diferencias sociales, la injusticia y lo “por hacer”, son más evidentes que en otras y no permiten acomodarse en el descreimiento fácil sino que impone el compromiso. Sin totalizar, sin hacer programa, el Ritual de García López nos invita a seguir. No es baladí que haya elegido, como cierre del poema y del libro, la última frase de un texto clave de un autor clave. Quizás en Samuel Beckett (y en Celan) se sintetice el final del impulso moderno, su agotamiento y el comienzo de otro momento, post Auschwitz (pensando en Adorno), para la creación, para ese canto que, contra toda esperanza, no se calla. En El innombrable Beckett se rebela ante su propia imposibilidad y ante los límites del lenguaje: “tienes que seguir, no puedo seguir, voy a seguir.” Lo que está en juego es no olvidar. El trabajo del duelo, la memoria de los que no tienen nombre que nos legó Benjamin como tarea de futuro, a pesar de todo.

Ritual es el cuarto libro de García López, si no tomamos en cuenta dos plaquettes que también ha publicado. En este camino ha elegido el riesgo de la búsqueda a diferencia de otros arraigados en una voz, a veces, ineludible. Recuerda la riqueza formal, la búsqueda y la investigación crítica que sólo un José-Miguel Ullán o un Aníbal Núñez han mostrado en la tradición española. También en su disposición interna el libro propone diversas búsquedas en sus cinco secciones o poemas fragmentados. Desde la prosa al poema breve, cercano a la lógica epigramática, y poemas espacializados en la página. En lo formal hay una plena conciencia de la integración de los procedimientos de vanguardia que, como recuerda Miguel Casado, debería ser parte de una tradición que no se asume. Sin embargo, dentro de las lógicas de producción de cada campo textual García López conserva una prosodia característica. Seca, penetrante, dura, pero al mismo tiempo abierta y que en su solidez y sobriedad nos resulta cercana, fiable, asequible. No nos seduce con belleza amarga sino con una dulzura de sol y nieve que recuerda a las grandes poetas rusas y, con ellas, la palabra precisa, luminosa, cargada de futuro, de Olvido García Valdés. Una poesía que se sitúa después del descreimiento. Donde el hombre y su dolor siguen siendo el centro del canto sin que esto signifique regreso ni derrota. “No hemos sido felices, es posible que esa sea la única frase que podamos sacar en limpio de la historia y la única razón del por qué se escribe, del por qué de la literatura.” nos dice Raúl Zurita en su ensayo Los poemas muertos. Como ha dicho Esther Ramón, “de lo vivo a lo muerto, el poemario rinde cuentas antes de pedirlas.” En sus momentos de fulgor los poemas de García López tienen esa rotundidad y certeza. Palabras duras, ritmadas pero duras, sin concesiones a las formas codificadas por la tradición. Y sin embargo, si hay ensimismamiento, es el del yo dislocado, descentrado, de los márgenes de la ciudad. Experiencia de los límites, abisal, la palabra poética, como la quería Valente, y esta palabra puesta en zona de riesgo, en el margen, impregnada de experiencia, de ciudad, de ciudades. No es la ciudad moderna, la de las chimeneas, contrapuesta al locus amoenus. Es el espacio periurbano, el extrarradio como no-lugar, en términos de Marc Augé. El concepto es construido por el antropólogo en antítesis a los “lugares de la memoria” del historiador Pierre Nora. Estos lugares, institucionales, centrales y monumentales, han perdido su función y han sido reemplazados por lugares de paso, sin identidad ni memoria. Pero esto es mentira. El extrarradio tiene identidad. En el Londres que habita García López y que incide en buena parte del libro se llama Brixton y no tiene relación con el imaginario urbano que tiene el turista ocasional de la City. Por lo mismo es crucial que sea ahí donde se despliegue el trabajo de la memoria: “No olvidar”. El Ritual de Ernesto García López es un acto de lenguaje con todas sus consecuencias. Un texto performativo, que nos mueve, conmueve y perturba. No somos los mismos después del rito de paso de su lectura, después de su ritual.

JUAN SOROS

31 POEMAS, DE MARÍA SALGADO

2011-06-19T10:53:00.000-07:00

Hace unos días llegó a mí "31 poemas" de la escritora madrileña María Salgado. Obra experimental, valiente, buena conocedora de nuestros linajes menos "representados" en los cánones oficiales. Pertinaz "rescatadora" de otros modos de canto. Activista social libertaria en su pensamiento y en su poemática. Para quienes no lo conozcan, se trata de un libro publicado por la Diputación Provincial de Málaga en su excelente colección "Puerta del Mar" (2010). Me gustaría transcribir tres poemas. Disfrútenlos:

textiles / tres / Anúnciase

zurcido invisible para vestido
limítrofe,
media de cristal,
mallot de agua que hace piel
en la piel y la despliega
hasta el borde.
Se arreglan telas sin gota,
se desvisten prendas de ocasión, no dude,
no,

ninguno de nosotros estamos hechos sin ropa.

textiles / cuatro / cuerda de tender

En el tendal se cuelga gente y su cansancio
para pesar costuras, puntillas, envergaduras,
para buscar adentro de la hechura
el sentido de
la historia.

Verás en el teatro de la ropa
unas veces la farsa y otras, la tragedia. Nuestros
cuerpos al revés, contra las cuerdas,
son más sabios
son más limpios,
son más cuerpos.

Entre las bocamangas hay un dicho, se dice, no, ninguno
de nosotros estamos hechos sin.

6
artes de la despedida

y se despiden mediante el viejo truco de alejarse
todo a lo largo,
todo su amor al horizonte o a, digamos,
mitre con san san martín

ningún pañuelo ondea, no aplaude un taco,
más bien hay mera
merísima dolencia, digamos,
distancia
del punto y su ojo, el ojo y la mirada, la ciudad y lo lejos,
el colectivo, el parque, la baldosa,
la niña con valijas, el empedrado roto,
la luz con sus señuelos, las ganas con la boca
y Buenos Aires obvia (por ya extrañada)

desazón de un idioma según se aleja

POE-DIVERSIDAD: MARTÍN RODRÍGUEZ-GAONA, PILAR FRAILE AMADOR, MIGUEL PÉREZ ALVARADO E IKER MARTÍNEZ

2011-06-15T09:08:00.000-07:00

La poesía en España atraviesa un momento, a mi juicio, vigoroso. La diversidad, la heterogeneidad, el desborde de patrones y cierres normativos no parece haberse acabado, a pesar de ciertas intentonas atemporales y espurias. La muestra de poéticas que quiero traer hoy reflejan con generosidad esta "poe-diversidad" de la que hablaba. Se trata de cuatro escritores muy distintos, con anhelos y búsquedas bien diferentes, pero en todos ellos anida el impulso por ensanchar las posibilidades del canto, la reflexión poemática, la interconexión con los viajes interiores y exteriores.

Y quiero comenzar con este "Codex de los poderes y los encantos" (Olifante, 2011) del peruano-español Martín Rodríguez-Gaona, libro escrito en Soria en el marco de la III Beca Internacional Antonio Machado y del que su prologuista, Manuel Rico, ha señalado que "tiene mucho de mosaico, de palimpsesto en el que conviven tiempos distintos, ciudades situadas en las antípodas, ambientes urbanos del presente y espacios rurales del pasado, realidades políticas y realidades íntimas". Les dejo un fragmento del poema III. EL VIAJE DE LOS MITIMAES (disculpen porque el formato del blog no me permite traducir, de forma literal, la disposición física de los versos), que va precedido de la siguiente cita: Cuando la católica fe, desterrada de Inglaterra y del septentrión, se va de un polo a otro a residir con las antípodas.

Dispuesto el objetivo a capturar un gesto alegre,
la música se pierde en lo profundo del mar.
Hace calor y no es necesariamente el respeto
a la vida animal lo que ha guiado mi patrón alimenticio.
¿Cómo se supone que he de hablar de aquello
que no se descubrió?

Seres y objetos están en movimiento, mezclándose y cambiando,
apareciendo y desapareciendo, plegándose,
despegando. Las frases se funden, viajan
y se pierden unas de otras.
El amor es un intercambio de lenguas.
¿Quién busca quedarse inmóvil
si puede alcanzar los límites, tocar el horizonte,
su barco ebrio, explorar las líneas de la costa?

1987, verano, hemisfero norte:
Estás en el jardín de tu
familia-inglesa-de-clase-obrera,
es un día soleado y te sientes deportiva.

La cabellera al viento
y los ojos clavados en el vacío.
El atuendo escogido es una combinación
de celeste y rosado,
pero las extremidades son fuertes,
hechas para saltar vallas
y dejar huellas.

Una nube te transporta
a un punto sin retorno:
Piensas en el futuro.

LAS FIESTAS EN BATH
LAS NOCHES EN PARÍS
LA LLUVIA EN AMSTERDAM

Allí donde al fin no importe tu belleza,
la feroz necesidad de amar.

Qué poco tengo para contar, Pies
viajeros,
o que alguien quiera oír
hoy en día-

Ese aroma
imposible de nombrar:
espero pronto te abandone
y amanezcas varada como un trapo sucio.

[...]

Continuamos con la poeta madrileña Pilar Fraile. Estamos ante una de las voces más desasosegantes del panorama. Una voz herida que profundiza (como señala el propio título) en los abismos subterráneos, desoyendo cualquier advertencia de contención, problematizando los símbolos colectivos a modo de placebo. Antonio Méndez Rubio, prologuista del libro, ya nos pone sobre aviso: "Pilar Fraile nos ayuda a saberlo: que vivimos de signos desconocidos, con ellos, que dormimos en ellos porque nos dan la confianza que el conocimiento no ha podido, o no ha sabido darnos en todo este tiempo. El tiempo de los vivos, pero no solamente el tiempo." A continuación transcribiré dos poemas de su "La Pecera Subterránea" (Amargord, 2011).

6

Debajo de las uñas, entre el vello más oculto tengo
memorias microscópicas. Como si fuera de goma estiro mis
muslos, hablo con sonidos desconocidos, me esfuerzo,
imito una sonrisa. Para ocultar mis minúsculas
memorias trinchera
memorias paritorios a la intemperie
memorias marcas de la soga en la cerviz
memorias madre amasando pan
madre tosiendo bajo las sábanas oscuras
madre no rezando.

28

Una carretera helada donde los mosquitos petrificados
duermen entre burbujas resplandecientes

somos los pétalos grises

un grito continuo como el grito de los animales que nacen
el enjambre que no ha dejado nunca de buscar cobijo
las roderas de un carro en el lodo congelado de febrero y
un perro que ladra bajo las ruedas.

Y acabamos con dos escritores (uno canario y otro vasco), Miguel Pérez Alvarado (de quién recientemente ya hemos hablado en este blog) e Iker Martínez. En esta ocasión nos ofrecen un diálogo a dos voces: "Abordajes" (del primero) seguido de "Ritmo" (del segundo), ambos en la excelente editorial canaria Idea (2011). Nos encontramos ante un coloquio poemático, conceptual, de gran intensidad y emoción. El propio ejercicio de la escritura y sus tensiones con el contexto humano, con la propia fragilidad del decir y el pensar. Copiaré a continuación apenas un par de fragmentos de cada uno. Espero que los disfruten tanto como yo.

De "Abordajes":

15. La palabra poética despliega la tensión entre la palabra necesaria y la palabra derrotada. Es un estar en fruición con ellas a un tiempo, es decir, hacia afuera del tiempo.

39. Pregunta central en medio del impulso del viaje: ¿nombrar, sentir, visualizar el hogar es mirar hacia atrás o hacia delante?

De "Ritmo":

Tampoco la poesía y filosofía pueden vincularse en esencia al pensamiento o a la razón. ¿Por qué pensamiento? Ni poesía ni filosofía se dignifican asimilándolas al pensamiento acaparador, monopolizador, siempre en busca de una verdad unitaria, inamovible, completa. Él sí disfruta con esta asimilación, rebosa poder, pero abrasa la mirada poética. La despoja de la verdad -fragmento que todo territorio expresa rítmicamente.

(...)

Poesía y filosofía son aliento para la mirada poética: acuden siempre nuevamente para percibir lo originario que ésta encierra. Y en el regreso son capaces de captar con precisión un ritmo, núcleo activo de la vivencia. Vinculadas de esta forma con la necesidad, filosofía y poesía expresan la verdad de la vivencia, la máxima intensidad de la sagrada oración que transcurre entre sus límites.

LAURA GIORDANI Y ARTURO BORRA

2011-06-13T07:33:00.000-07:00

Siguen llegando libros. Interpelando el tiempo. Zarandeando la mirada. En esta ocasión dos poetas argentinos afincados en Valencia, España. Laura Giordani y Arturo Borra. Y a medida que leo sus textos y observo mi alrededor, más comprendo la capacidad de la escritura para vertebrar el grito, para expandir las potencialidades de la herida. Decía Mallarmé que sólo dos vías están abiertas a la investigación mental: la economía política y la estética. Un cruce con "mala reputación" en nuestra tradición peninsular. Menos mal que libros como los que hoy convoco han sabido retroalimentar ambos mundos, han sabido estar atentos a las fragilidades interiores sin menoscabo de las insuficiencias exteriores.

Quiero comenzar transcribiendo tres poemas de Laura Giordani. Forman parte de la sección "Donde el mundo tiembla y se desploma" de su excelente Materia oscura (Baile del Sol, 2010).

Esta palabra deberá volverse contra sí misma,
malherirse en la aspereza
de las lenguas, hacerse topo,
niño, cobrar tu estatura,
volverse raquítica,
lesa, abrir aún más sus vocales
para recibir de lleno la indigencia.

Esta palabra deberá aprender a desaparecer,
volverse transparente y
diáfana como vientre
para decir el desplome inaudible de tus bosques,
la alegría maltratada de los patios,
tu primavera que viene
con las rodillas lastimadas.

Decir cómo tiembla la hierba
antes de recibir tu sombra.

Decirte al menos con la misma
constancia del olvido
para que se escuche alto tu caída:
todos los huesos
que se desploman para vertebrar este poema.

*

El mundo todo es una barcaza
que expulsa polizones por los costados
sangrando por las orillas
-siempre por las orillas-
donde desmayan las olas
a puro ajuste de arena y vientre.

*

Dame esa palabra que haga brotar calostro de las piedras
mientras tanto no decir nada
seguir en penumbra
hasta que alguien me llore dentro y tenga que escribir
para darle consuelo.

Laura Giordani (1964, Córdoba, Argentina). Ha escrito los siguientes poemarios: Apurando la copa (2001), Celebración del brote (2003), Cartografía de lo blando (2005), Noche sin clausura (2006), Sudestada (2009) y la plaquette Celebración del brote (2009). Sus poemas han sido incluidos en diversas antologías: Cuadernos Caudales de Poesía (2007), Los centros de la calle (2008). Asimismo, ha colaborado con algunas publicaciones en revistas de Argentina, Brasil, Alemania y España.

De Arturo Borra tres poemas de su Umbrales del naufragio (Baile del Sol, 2010):

EXPERIENZA

Esta experienza nace de los matorrales,
es el filo desafilado de la tristeza
no dicha,
aquella sombra
sin vocablo para pronunciarse, lloviendo
en una casa
que fue otoño, noche rabiosa
extendida por una esperanza que se oculta
cuando más la llamo.

Se asoma en las experiencias
que cayeron
-caída no libre,
caída de lo que no tuvo altura,
como la piedra que no soy,
como este no ser que se hunde
y se hace experienza
cuando más desespera.

Sus obreros alzados en la palestra del amor
reiventan las manos, vociferan para que el dolor viejo calle.

Una promesa respira sobre mis párpados.

*

LUGAR VACÍO

Y la mísitca remota y la tregua fraguada en el rellano y las historias inconquistables/ brillantes como las cosas solas/ no sé si rescatadas del naufragio/ sin más que una población de instantes/ un aluvión de cercanía
y
la apertura de la noche
y este lugar vacío
que te deja llegar.

*

OTRA ESCALA

¿Me dejaré
caer?

¿Qué otra playa
rescatará este naufragio
que llevo a bordo?

Detrás, la estela de lo vivido
tiembla.

Arturo Borra (Argentina, 1972) se licenció en Argentina en la carrera de comunicación social (UNER) y en la actualidad está realizando un doctorado en estudios interdisciplinarios de la comunicación en la Universidad de Valencia. Ha participado en las antologías poéticas Aldaba (2003), Cuadernos Caudales de Poesía (2007) y Los centros de la calle (2008). Es autor de los poemarios La vigilia del deseo (1998), La sombra del mediodía (2001), Esplendores vulnerados (2004), Figuras de la asfixia (2007) y Umbrales del naufragio (Baile del Sol, 2010), así como de la prosa poética Anotaciones en el margen (2005), la plaquette Cielo partido (2009) y el libro de cuentos La reinvención del mundo (2008). Colabora regularmente con publicaciones literarias y comunicacionales en revistas de Argentina, México y España.

SALES, DE ESTHER RAMÓN

2011-06-12T04:06:00.000-07:00

TRES MOVIMIENTOS PARA SALES DE ESTHER RAMÓN

Presentar a Esther Ramón y su Sales implica aceptar la difícil tarea de adentrarnos en lo genésico y vicario, lo por suceder. No la destemplanza de lo incierto (que también), sino la consciencia lúcida de hollar un territorio para el que nuestro lenguaje aún sigue buscando palabras. El poeta canario Miguel Pérez Alvarado nos dice que «La poesía consiste siempre en un nuevo decir. Su combate primero es con la palabra usada, y su destino inmediato es otra palabra que la sustituya. No deberíamos aspirar a decir lo que nos complace, sino lo que nos inquieta. No llenar huecos; entrar en ellos. Aunque todo esto no sea más que una opción personal». Y aquí, precisamente aquí, delante de la siempre difícil “opción personal” es donde Esther Ramón se juega su poética, donde Esther Ramón nos propone su herida. Me gustaría sugerir tres movimientos a modo de lecturas. Ninguno de ellos agota las posibilidades estéticas y/o heurísticas de Sales. Carecen de aliento alguno de totalidad. Muy al contrario, se proyectan como avalanchas que hacen de la observación un nido para el replanteo, vuelta al inicio, como si en cada repaso de lo escrito se configurara una piel inédita. Aquí van.

Primer movimiento o Sales como sistema de complejidad. Un libro de poemas también se comporta como un sistema. Una suerte de microorganismo capaz de dialogar con su entorno y sus carencias. Independiente de la autoría que lo produjo, en interacción con un tiempo y una época que lo acoge. Pero a diferencia de las lógicas causales, binarias, que nos ordenan codificar la realidad (o, mejor dicho, eso que llamamos «realidad») como un hecho externo a nuestra subjetividad, la articulación poemática de estos textos guarda más la forma de un sistema complejo (que no complicado) sometido a su propia criticalidad, al límite mismo de su bifurcación. La lectura de Cicatriz carbón y Casetas (las dos partes constituyentes de esta obra) reflejan una sistémica dominada por la conectividad, la retroalimentación simbólica, la emoción, la autonomía y la fragilidad entre lo fragmentario y lo global. Como si de una lombriz se tratara, la enunciación que habita tras estas palabras (escritura mineral como reclamaba el poeta brasileño Cabral de Melo, señalado en la contraportada a modo de insinuación), se erige en agente epistémico capaz de construir su propio nicho, su propio devenir. Un «gusano de arena invertebrada» que excava y excava hasta producir las regularidades que lo posibilitan. Un decurso auto(eco)organizado que pugna con el tiempo, la materia, la desigualdad de los procesos humanos hasta hacerse densidad, fenómeno, órgano completo en su hacinamiento. Si la escritura de Cabral de Melo es la escritura que permite a la voz generar sus propias condiciones de existencia, entonces Sales, en tanto que raíz ofrecida para su propia auto-constitución, también es escritura mineral.

Segundo movimiento o Sales como paisaje. No existe la naturaleza. Repito. No existe la naturaleza. Lo que existe es el paisaje. No hay relación con el mundo natural de manera de-socializada, a-culturizada. La construcción de lo natural, como entorno, está (como nos reclama la antropóloga Eugenia Ramírez Goicoechea) «inextricablemente unida a la construcción propia de lo social y viceversa». Para los humanos toda naturaleza es una naturaleza semantizada, recreada interiormente como escenario de exterioridad. Paisaje, lo llamamos. Pues bien, Sales, y más en concreto, Casetas (la segunda de las secciones del libro), reconstruye un modo de ejercitar el espacio desde esta concepción sociocultural. La palabra poética se transforma en potencia capaz de redefinir los espacios, atravesándolos en el tiempo y en la forma, hasta volverlos territorios del habla, desórdenes del pensamiento. Como dirá la propia autora: «No dormir ahora / en ese asiento, / sostener todavía / el cansancio / del hacha incesante / con los ojos, / contemplar exhaustos / la cuadrícula azul, / un óvalo, una marca / de luz en la frente / del tejado».

Tercer movimiento o Sales como impugnación de falsos dualismos. Ya saben. Nos hemos criado con ellos. Cuerpo versus Mente. Razón versus Emoción. Reflexión versus Acción. Tesis, antísesis y síntesis. Dualismos y/ tríadas que fijan (esquizofrénicamente) nuestras posibilidades de modular y decir. Un camino histórico dentro del cual muchos de nosotros hemos tenido que acomodar nuestras sensaciones. Menos mal que las humanidades (también las llamadas ciencias duras) vienen insistiendo desde hace tiempo ya en la sinrazón que supone separar esos dominios. El conocimiento implica lo corporal. La razón se interrelaciona con la emoción de manera inseparable, del mismo modo que el sistema límbico interactúa estructuralmente con el neocórtex. No hay conocimiento si no está unido a la praxis, a la propia experiencia. En definitiva: los dualismos en los que hemos crecido son, simple y llanamente, un espejismo. Pero es preciso también reclamar desde el canto su impugnación. Y Sales, desde la intuición panorámica que implica la palabra poética, parece apostar por deconstruir estas categorías obsoletas. El cuerpo, la fisicidad, se esparce por sus poemas del mismo modo que el pensamiento abstracto. La razón y sus sombras se miden junto a las emociones. El puro discurrir, la introspección, se ovilla junto al trabajo y el hundimiento. Sales nos invita a la rebelión. Sales nos empuja hacia lo inexplorado.

Déjenme acabar con un último apunte. En la contraportada se nos dice: Sales de plata, quemadas por el sol. Salir de la mina, al aire. Cruzar el umbral. Salir del cuerpo. Añadiría las palabras de la poeta norteamericana Emily Dickinson (muy querida por la propia Esther Ramón): Hallar descanso en lo inseguro. Pues eso, que ustedes hallen descanso en la inseguridad maravillosa de este libro.

ESTHER RAMÓN Y EVA CHINCHILLA, DOS POETAS IMPRESCINDIBLES

2011-06-07T09:02:00.000-07:00

El próximo jueves 9 de juniocoinciden a la misma hora (20:00) sendas presentaciones de dos libros y dos poetas imprescindibles dentro del panorama madrileño. Esther Ramón y Eva Chinchilla. Dos libros que comparten una misma colección: Portbou (en Amargord Ediciones). Dos libros que continúan la senda de apertura y pluralidad estética que alimenta estos tiempos. Será difícil optar por la presencia, pero aquí dejo todos los datos para aquellos y aquellas que quieran disfrutar de buena poesía y de la búsqueda arriesgada en el lenguaje.

Empecemos por la primera:

Presentación del libro Sales de Esther Ramón con fotografías de Mark Bentley.

Participan Pilar Fraile, Ernesto García López, Juan Soros, director de la colección
y Esther Ramón, autora.

Jueves, 9 de junio, 20 h en el Centro de Arte Moderno (Galileo, 52 28015 Madrid). Etrada libre y gratuita

Sales de plata, quemadas por el sol. Salir de la mina, al aire. Cruzar el umbral. Salir del cuerpo. De la muerte. Un texto que profundiza en la condición mineral de la escritura como decía Cabral de Melo. Las sales de plata reaccionan a la luz, forman el negativo. La palabra impresa, negro sobre blanco, como negativo de la experiencia. Concavidad, huella de un vacío. Como la caja Homenaje a Mallarmé de Oteiza, da forma al vacío. Sale. Del interior de la mina, del interior de la caseta, cerrada a cal y canto. Los poemas de Esther Ramón, acompañados por fotografías de Mark Bentley, cuestionan la ausencia y la escritura. Ni son ilustrados por las imágenes ni las describen. Fotografía y poema son dos medios usados con una misma conciencia crítica, como explica la poeta en la nota final: "Se trata de fotografías de un tiempo que no sucedió, que fue creado a posteriori, puesto que Mark ensambla diferentes imágenes para crear un solo individuo o Frankenstein que evidencia y muestra –como el poema– sus cortes y cicatrices para señalar, tal vez, las nuestras. O para brindarnos un espacio intacto, inexplorado y un tiempo paralelo y no medido donde existir. Detrás." Ambos procedimientos dicen el esto ha sido de Barthes. En el afuera los poemas musitan, no se sabe si estos espacios están ocupados. Habitados. Nos dicen: Esto ha sido habitado.

Esther Ramón es doctora en Teoría de la Literatura y Literatura comparada por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha publicado los poemarios Tundra (Igitur, 2002), Reses (Trea, Premio Ojo crítico 2008) y grisú (Trea, 2009). Ha escrito artículos para diversas publicaciones como Cuadernos Hispanoamericanos, Revista de Libros, Archipiélago o El Crítico y varios de sus poemas han sido publicados en diferentes revistas y suplementos culturales como ABC Cultural, La alegría de los naufragios, La hamaca de lona, Salamandra o Anémona. Algunos de sus poemas han quedado recogidos en antologías como Poetas en blanco y negro (Abada, 2006), Poetas a orillas de Machado (Abada, 2010), o Pájaros raíces, en torno a José Ángel Valente (Abada, 2010). Ha sido profesora de poesía española y coordinadora de un taller de poesía en Bates College (Lewiston, Maine, USA), con una beca de la Mellon Foundation. En la actualidad trabaja como coordinadora de redacción de la revista Minerva (Círculo de Bellas Artes de Madrid), coordina el taller Poesía en el límite, en los talleres de escritura creativa Fuentetaja, es profesora de poesía española en el programa en Madrid de la New York University y codirige el programa de poesía de Radio Círculo Definición de savia.

Y ahora continuamos con Eva Chinchilla:

Presentación de "Años abisinios seguido de canciones yemeníes", de Eva Chinchilla. Editorial Amargord (Serie Portbou)

9 de Junio en el Centro de Poesía José Hierro. C) José Hierro 7, 28905 Getafe (Madrid) Tel. 91 696 82 18 / info@cpoesiajosehierro.org
www.cpoesiajosehierro.org
Ciclo Panorama Literario
Auditorio del Centro, 20.00 h

Eva Chinchilla ha publicado verbo rea (2003)y ha participado en antologías como Hilanderas (2006) y Diosloscría (2008). Forma parte del consejo editorial de la revista de poesía Nayagua que edita la Fundación Centro de Poesía José Hierro y de Ophelia, revista de teatro y otras artes. Desde 2002 prueba y disfruta -siempre en colaboración con otros artistas y a menudo bajo el sobrenombre de evachin- con el vínculo entre poesía y otras artes: Solo hay un hombre/que lava su cuerpo (proyecto Fedón, Madrid, 2007-2010), La voz dentro y fuera del Círculo, ZCTZ 1 (Madrid, 2008), Diosloscría (Barcelona y Arnedo, 2008), 2kilitos (Madrid, 2009). Es integrante de ZCTZ, zírculo inestable de tiza, que a través de encuentros y no sólo, trata de hacer investigación poética. Combina escritura con algo parecido a la docencia: talleres de poesía, escritura creativa, arte y palabra. Nació en Madrid (1971).

Años abisinios seguido de canciones yemeníes es su segundo poemario, que ve la luz en la recién inaugurada serie Portbou de la colección Trasatlántica, ediciones Amargord, con prólogo de Julieta Valero. Para su presentación contaremos con la presencia de los editores y de Laura Sisniega, traductora de las canciones yemeníes, que se define como filóloga árabe de vocación casual; Laura se embarcó en el mundo de la dialectología en 2007 y tras realizar un proyecto de investigación de año y medio en Yemen, regresó de la Arabia Felix para emprender un incierto viaje a través de las Relaciones Internacionales.

CARTA ABIERTA EN DEFENSA DE LA PLURALIDAD Y CONVIVENCIA DE POÉTICAS

2011-06-01T11:09:00.000-07:00

La realidad no es legible de manera evidente. Las ideas y teorías no reflejan sino que traducen la realidad, pudiendo traducirla de manera errónea. Nuestra realidad no es otra cosa que nuestra idea de la realidad. Del mismo modo, importa no ser realista en un sentido trivial (adaptarse a lo inmediato), ni irrealista en el mismo sentido (sustraerse de las coacciones de la realidad); lo que conviene es ser realista en el sentido complejo del término: comprender la incertidumbre de lo real, saber que existe una porción de lo posible aún invisible en lo real.Edgar Morin

El lenguaje poético es un patrimonio colectivo. Una urdimbre tejida en la arena de la diversidad. Nuestras tradiciones literarias siempre se han visto atravesadas por múltiples mutaciones que han ayudado a componer y descomponer el ovillado paisaje de la palabra. No en vano la palabra recoge la complejidad genésica de nuestra existencia. Así ha sido en el caso de la lengua española. Las literatura(s) panhispánica(s) (de acá y allá, en diálogo unas veces, aisladas otras) siempre han manifestado en su devenir histórico la riqueza de lo plural, el desborde de lo conectivo. No existe una deriva única de lo poético. Nunca se produjo una voz homogénea para toda nuestra tradición. Las tentativas de encerrar el lenguaje literario dentro de límites inamovibles han dado como resultado estructuras cerradas de pensamiento que trabajan en contra de la propia y esencial condición de la palabra.

Las personas que firmamos esta carta creemos firmemente en esta pluralidad poética heredada –a la que hemos tratado de contribuir activamente con nuestro propio trabajo– y por eso nos mostramos resistentes a cualquier forma de cierre normativo. Creemos necesario alzar un muro de contención ante actitudes que pretenden reproducir debates que «ya» no son legítimos –que, en realidad, nunca lo fueron– porque representan en sí mismos una agresión a esa misma pluralidad conquistada, al trabajo y legado creativo, teórico y vital de muchas poéticas y poetas precedentes y que recogen de manera natural el legado incuestionable de los padres de la modernidad poética: del romanticismo inglés y alemán al surrealismo pasando por Baudelaire, Rimbaud y Mallarmé. Ha costado mucho desterrar de nuestro campo literario el cainismo y la exclusión. No vamos a consentir ahora que vuelvan a reproducirse estrategias envenenadas similares. El debate de poéticas es necesario, útil el contraste filosófico, intelectual, en torno a la creación, pero siempre en el marco de un respeto escrupuloso a la diversidad y el disenso.

Por todo ello queremos reivindicar como legítimo y propio de la(s) poética(s) panhispánica(s) actual(es) los siguientes elementos:

Escritura(s). En plural. Modos del lenguaje que se encuentran. Ningún programa prescriptivo. Huellas. Rescoldos a modo de conceptos, de cruces, de intuiciones. Ninguna tabla de la ley. No sabemos. Quizá sean un modo de operar, de practicar la literatura. Ese acontecimiento ignoto. No sabemos. Disparan la semilla de lo por hacer y de lo hecho. No sabemos. Mueven a la acción.

Tradicion(es). En plural. Linajes incrustados, desde siempre, en nuestra modernidad, en nuestra memoria literaria. Linajes que se activan y se iluminan desde el presente y de los que debemos hacernos merecedores. Como afirmó Eliot, la tradición «no se puede heredar, y si la deseas debes obtenerla con gran esfuerzo». Cada poeta se forja y construye su tradición, su propia cadena de ejemplos y magisterios, y este esfuerzo es en sí mismo un acto poético, una intervención en el mundo. Puede ocurrir –y de hecho ocurre– que este esfuerzo ponga a prueba nuestra capacidad de asunción cognitiva o de mera comprensión, incluso a lo largo de toda una vida de esfuerzo. La dignidad e inteligencia vitales consiste entonces en asumir esta discapacidad en vez de darle el formato autoexculpatorio de lo incomprensible, lo hermético, lo bárbaro y despreciable. Imposible simplificarla, esencializarla, despotenciarla a través de marbetes o etiquetas reductoras. Imposible normativizarla en interés propio, mediante operaciones espurias de exclusión o ninguneo. Voces habitadas para nuestro presente y nuestro futuro.

Heterodoxia(s). En plural. Nunca una lectura unívoca de lo poético, no podemos aceptar como obvio ni la desaparición del habla ni el habla homogeneizada. La palabra poética implica desborde, intersubjetividad, entramado conectivo, intersticio, complejidad. Y significa todo ello porque dialoga con lo humano.

Poética(s). En plural. No hay una poética una que convierta a las demás en otras. No hay norma, no hay centro natural o tácito. Queremos (re)afirmar y defender el deseo y la probada capacidad de convivencia de poéticas diversas que han demostrado en los últimos años su resistencia a la codificación. No precisamos para construir o apuntalar una identidad la negación del Otro. No vivimos la alteridad como amenaza, sino como nutriente y condición necesaria para la construcción de nuestra posible identidad colectiva y personal.

Hibridez y Diversidad(es). En plural. Creemos que la poesía no es mercancía, no es hija de la rentabilidad económica. Tampoco de las ideologías. La poesía es una multiplicidad de pájaros, aves raris, aves migratorias, que ponen su nido en lo alto, alejado del manoseo y voracidad de las alimañas y carroñeros. No podemos, por tanto, hablar de «una» poesía, sino de «poe-diversidad», en constante vuelo, en constante cruce, en constante mestizaje. Y no enjaulada, sino libre, puede ser del mundo, desde el mundo, con el mundo. Pero siempre «haciendo mundo».

Pensamiento(s). En plural. Desconfiamos de los falsos dualismos (razón y emoción, realismo e irracionalismo, público y privado, naturaleza y cultura…) en los que se ha querido encerrar lo poético. Se trataría, como dice Miguel Casado, de «ampliar la noción de pensamiento, extenderla a todos los movimientos de la mente, a uno y otro lado de la conciencia, a todos los movimientos interiores del lenguaje que de modo constante nos recorren y atraviesan». En definitiva: destacar el carácter desestabilizador y genésico de la palabra poética como apertura del pensamiento.

Realidad(es). En plural. La relación de lenguaje y realidad es compleja, porque ambas son complejas de por sí y más cuando se relacionan, influyen, comunican. Es simplista y equívoco detenerse en un estilo o propuesta, en una sola manera de abordar esa difícil exploración de la materia (humana y no humana) que llegará a ser poema.

Subjetividad(es). En plural. Sin menoscabo de que cada uno/a pueda o quiera llevar la voz poética adonde crea conveniente. Todas las formas de enunciación tienen sentido y no seremos nosotros quienes juzguemos la pertinencia de lo que cabe o de lo que debe desaparecer.

Emoción(es). En plural. No codificadas, no predeterminadas en un calculado ejercicio de causa-efecto practicado desde las inevitables limitaciones del poeta sino trascendidas y reveladas junto a él en un proceso que hermana escritura y lectura, que convierte al lector en agente activo y co-productor de sentido.

Lector(es). Recepciones. Por todo lo anterior reivindicamos el respeto a la inteligencia y creatividad lectoras, a la libérrima capacidad de sorprenderse y sorprendernos de aquel que generosamente se acerca a un texto para darle vida; a su derecho inalienable de que nada ni nadie se haga garante ni faro de sus emociones, su criterio, su infinita libertad.

Así, queremos reivindicar la convivencia de poéticas, la pertinencia del debate crítico, la belleza de la pluralidad como alimento de lo creativo. Y rechazamos de manera frontal cualquier estrategia de apropiación, simplificación o reduccionismo literario.

Y para que así conste lo firmamos en Madrid a 17 de mayo de 2011.

ADHESION A LA CARTA POR E-MAIL: Los que deseen adherirse a la Carta abierta en defensa de las pluralidades y convivencia poéticas, pueden enviar un correo indicando su nombre y apellidos, lugar de residencia (ciudad-país) y profesión ú ocupación o si lo prefiere sencillamente "lector" a: firmas.cartabierta@gmail.com

En estos momentos 245 personas (escritores, docentes, lectores) ya se han adherido. Ver en: http://cartabiertapluralidadespoeticas.blogspot.com/

KAYAC Y OTROS POEMAS, DE JORGE OLIVERA

2011-05-27T08:07:00.000-07:00

La temporada poética continua. Se acerca casi a su fin entre la Feria del Libro y la inminencia de las vacaciones. Pero siguen llegando libros excelentes. Textos que demoran la venida del sosiego. En esta ocasión, el 31 de mayo a las 20 h en el Centro de Arte Moderno (Galileo, 52, 28015 Madrid) se presentó el libro Kayac y otros poemas del uruguayo Jorge Olivera (Amargord, 2011). El poemario cuenta con un prólogo de Eduardo Milán. Participaron, además del autor, Marcos Canteli, escritor, y Juan Soros, director de la colección Transatlántica en cuyo sello ha sido editado el libro.

Para todos aquellos que quieran acercarse a este libro les dejo un fragmento del prólogo de Milán y algunos poemas:

El problema es con el lugar. De ahí que lo imaginario ocupe un papel fundamental en la escritura de Olivera. Un lugar que no hay. Como en un efecto de rebote, elástico, resorteado, lo que no hay pasa al dominio del mito, protector de los no haberes. Olivera escribe desde un no haber. La presencia de su lenguaje es un efecto de memoria, una huella que no se pierde nunca. ¿Qué encarna ese no haber? Lenguaje del no haber, hay: es el lenguaje de la poesía desde la perspectiva del mito dominante de la moder-nidad: el mito de la ausencia. ¿Dónde está el mundo al que re-fiere ese lenguaje que debe dar cuenta de la ausencia? Está a caballo entre la imaginación y la realidad. Hombre de dos realidades es el hombre del exilio, una imaginaria. El lenguaje que atañe a esa realidad es el problema, el problema en tanto trabajo problemático, trabajo poético, tarea de adelantar o replegar el límite, la frontera

Eduardo Milán

Así,
el alba deja
un rastro que se pierde
un espejo que devuelve
el rostro desconocido,
ausente.

Así,
el sueño parece
un viaje que oxida la mano
dirige una plegaria
al dios esquivo
de los cines de barrio.

Remo en estrecha corriente
huelo el miesterio
hielo y carne,
sacudo las sienes.

Ahora,
desde una frontera lejana
una voz llega. Extremo del sueño
destino del kayac.

*

Río de hielo, kayac
que moldea el aire
símil fuego arde
brea encendida
agua en llamas.

Témpano de hueso
alimento natural
come carne mineral
cava savia núcleo.

Habló el ángel, cayó en llamas,
ceguera repentina, dobló las manos
rompió el aire, apagó historias.

En la azotea sonaron voces
enemigas en el sueño, desperté,
voces en bruma,
viento en papel
piel restante de kayac
que bebe por lo bajo
el cuerpo centímetro a piel,
río del orbe humano,
mapa de lo posible.

Corriente de agua entre hielo
rápidos del sentido, resuello
roca choca bloquea,
agua hielo carne.

Sonaron voces enemigas
helada ya, el agua de la conciencia
aún rema.

El kayac golpea, bracea enloquecido
cuerpo convertido en proyectil humano.

Un niño observa arder una casa.
Un hombre atraviesa en kayac el río de hielo.
Hemisferios públicos
líquido misterio del día.

*

cada noche muriendo lentamente frente a las pantallas
a los hospitales
a los balazos de una nueve milímetros
en la reunión cotidiana del ágora doméstica
ignorando cualquier alusión al areté herida
de guerreros cotidianos
sandokanes de todos los días
todos ellos
reconquistando mompracem

Jorge Olivera (Uruguay) es autor de Poemas del desierto de Mojave (1994), poemario que obtuvo el Premio Gerardo Diego, Labios del Poniente (2000), premio municipal de poesía de Montevideo y Mompracem (2002). Tiene editado un volumen de relatos titulado: La expedición al Dorado y otros cuentos (Montevideo, 1997). Sus textos han sido incluidos en las siguientes publicaciones: Antología de jóvenes poetas uruguayos (Montevideo, 2002), Salida de emergencia (Madrid, 2004), Nada es igual después de la poesía (Montevideo, 2005) y El amplio jardín (Antología de poesía uruguayo-colombiana, 2005). Ha publicado los ensayos: La cultura en el periodismo y el periodismo en la cultura (Montevideo, 2007, coautor) y su trabajo de tesis doctoral: Intrusismos de lo real en la narrativa de Mario Levrero (Madrid, 2009).

ENTREVISTA A ANTONIO GAMONEDA

2011-05-26T05:23:00.000-07:00

28010, DE MARTA AGUDO

2011-05-23T07:30:00.000-07:00

Esta primavera sigue siendo un territorio fértil para la poesía. Nuevos poemarios hacen su aparición. Nuevas propuestas continúan expandiendo la pluralidad y diversidad de poéticas. En esta ocasión nos detenemos en el excelente libro de Marta Agudo titulado "28010" (editado en Calambur). Poemas en prosa que disparan reflexiones y nos ubican en los límites mismos de la palabra, en la articulación del pensamiento como materia y lugar. Serían muchos los poemas que podríamos escoger de este libro, pero me gustaría presentar tres de ellos a modo de invitación a su lectura. Espero que os interpelen tanto como lo han hecho a mí:

I.

La sintaxis, la herencia, variaciones del tiempo... ¿Se hereda la estructura mental de lo escuchado? ¿Hacia dónde, pues, trazar la fuga?

II.

Y en el origen qué fue: ¿el verbo o el nombre? El primero hizo al segundo y éste para afirmarse empleó un procedimiento negativo: si "no planta", si "no perro", si "no ojo"...; expectativa hasta que el adverbio "sí" pudo ser enunciado. Después el resto de partículas: "antes", "hasta", "no obstante", "todavía". Repetición tras repetición para ir creando oraciones: llanura...

III.

...en la que tenderse a balbucir. La cortesía verbal o dejar que me comprendan. No condenaré, pero tendré que hablar, y tras la voz y mis gestos el juicio ajeno. Brújulas, miradas que repercuten en círculos ascendentes. Te aíslas o cedes, te retraes y letras que te defiendan. No hay tensión más continua que los otros.

Para quién no la conozca digamos que Marta Agudo (Madrid, 1971) es licenciada y doctora en Filología Hispánica. Ha publicado el libro de poemas Fragmento (Celya, 2004). Coeditora junto a Carlos Jiménez Arribas de Campo abierto. Antología del poema en prosa en España (1990-2005) (DVD, 2005), ha coordinado con Jordi Doce el volumen Pájaros raíces. En torno a José Ángel Valente (Abada, 2010). Imparte clases de poesía en Hotel Kafka y es miembro del consejo de redacción de la revista Nayagua. Entre 2004 y 2008 dirigió la colección de poesía y pintura "El Lotófago" de la Galería Luis Burgos.

ASAMBLEAS POPULARES PARA CONTINUAR CON EL MOVIMIENTO 15 DE MAYO

2011-05-22T03:55:00.000-07:00

Las vecinas y vecinos de Acampada Sol, proponemos que el sábado 28 de mayo, a las 12:00 horas, se organice en cada barrio, pueblo o región de la Comunidad de Madrid una asamblea vecinal con el fin de crear un espacio local de propuestas, convivencia y reflexión. Ver en: http://madrid.tomalaplaza.net

Todas las conclusiones que se extraigan en cada barrio se compartirán en la Asamblea Popular de Madrid, el día 29 de mayo.

Os sugerimos el orden del día para comenzar a trabajar:

Evolución de recursos
Necesidades
Propuestas de actuación

Estos son los lugares que ya tienen la convocatoria confirmada, si falta tu barrio/pueblo, envía un mail para que se añada la convocatoria.

Alcobendas: Plaza del Ayuntamiento
Alcorcón: Ayuntamiento
Aluche: Plaza delante del Carrefour
Aranjuez: Plaza de la Constitución
Arganzuela: Parque de Arganzuela
Barajas: La Calabaza
Batán: Plaza de Rosario
Bº de la Concepción: Plaza de la virgen del Puerto
Bº del Pilar: Teatro Madrid
Bº Prosperidad: Plaza de Prosperidad
Carabanchel: Plaza de Oporto.
Chamberí: Plaza del 2 de Mayo
Chueca: Vázquez de Mella
Colmenar Viejo: Plaza del Pueblo
Elipa: Plaza del Dragón
Getafe: Plaza de España
Guindalera: Plaza de toros
Hortaleza: Auditorio de Hortaleza
Lavapiés: Plaza de Agustín Lara
Leganés: Plaza de España
Madrid de los Austrias (La Latina): Plaza Puerta de Moros
Majadahonda: Plaza de la Constitución
Manzanares el Real: Plaza del Ayuntamiento
Moncloa-Aravaca: Templo de Debod
Moratalaz: Plaza del Encuentro
Móstoles: Plaza Pradillo
Pozuelo: Plaza del Ayuntamiento
Retiro: Mariano de Cavia
Rivas-Vaciamadrid: Plaza del Ayuntamiento (Rivas Centro)
S.L. Escorial: Parque Terreras
Salamanca: Plaza Felipe II
San Blas: Salida Metro Las Rosas
Tetuán: Plaza de la Remonta
Torrejón: Plaza de España
Usera: Junta del Ayuntamiento
Vallecas: Paseo Federico García Lorca
Vallecas Puente: Plaza de Pedro Laborde
Vicálvaro: ____________
Villaverde Alto: Paseo Alberto Palacio
Villaverde Bajo: C/Berrocal

asambleas populares

¡DEMOCRACIA REAL YA!

2011-05-16T12:00:00.000-07:00

Vivimos tiempos de afrenta, de necesaria rebelión. La poesía no puede sentirse ajena a este contexto. Por eso quiero animar a todo el mundo a visitar la web del movimiento ¡DEMOCRACIA REAL YA! que desde ayer, 15 de mayo, se ha instalado en nuestras vidas de manera esperanzadadora. Aquí tenéis su web: http://democraciarealya.es/

Pero para los despistados o, simplemente, perezosos me gustaría recoger el listado de propuestas y medidas que esta plataforma de la sociedad civil ha puesto encima de la mesa. Se trata de un desafío que nos afecta a todos. Son las siguientes:

Estas son algunas de las medidas que, en cuanto ciudadanos, consideramos esenciales para la regeneración de nuestro sistema político y económico. ¡Opina sobre las mismas y propón las tuyas en el foro!

1. ELIMINACIÓN DE LOS PRIVILEGIOS DE LA CLASE POLÍTICA:

- Control estricto del absentismo de los cargos electos en sus respectivos puestos. - Sanciones específicas por dejación de funciones.
- Supresión de los privilegios en el pago de impuestos, los años de cotización y el monto de las pensiones. Equiparación del salario de los representantes electos al salario medio español más las dietas necesarias indispensables para el ejercicio de sus funciones.
- Eliminación de la inmunidad asociada al cargo. Imprescriptibilidad de los delitos de corrupción.
- Publicación obligatoria del patrimonio de todos los cargos públicos.
- Reducción de los cargos de libre designación.

2. CONTRA EL DESEMPLEO:

- Reparto del trabajo fomentando las reducciones de jornada y la conciliación laboral hasta acabar con el desempleo estructural (es decir, hasta que el desempleo descienda por debajo del 5%).
- Jubilación a los 65 y ningún aumento de la edad de jubilación hasta acabar con el desempleo juvenil.
- Bonificaciones para aquellas empresas con menos de un 10% de contratación temporal.
- Seguridad en el empleo: imposibilidad de despidos colectivos o por causas objetivas en las grandes empresas mientras haya beneficios, fiscalización a las grandes empresas para asegurar que no cubren con trabajadores temporales empleos que podrían ser fijos.
- Restablecimiento del subsidio de 426€ para todos los parados de larga duración.

3. DERECHO A LA VIVIENDA:

- Expropiación por el Estado de las viviendas construidas en stock que no se han vendido para colocarlas en el mercado en régimen de alquiler protegido.
- Ayudas al alquiler para jóvenes y todas aquellas personas de bajos recursos.
- Que se permita la dación en pago de las viviendas para cancelar las hipotecas.

4. SERVICIOS PÚBLICOS DE CALIDAD:

- Supresión de gastos inútiles en las Administraciones Públicas y establecimiento de un control independiente de presupuestos y gastos.
- Contratación de personal sanitario hasta acabar con las listas de espera.
- Contratación de profesorado para garantizar la ratio de alumnos por aula, los grupos de desdoble y los grupos de apoyo.
- Reducción del coste de matrícula en toda la educación universitaria, equiparando el precio de los posgrados al de los grados.
- Financiación pública de la investigación para garantizar su independencia.
- Transporte público barato, de calidad y ecológicamente sostenible: restablecimiento de los trenes que se están sustituyendo por el AVE con los precios originarios, abaratamiento de los abonos de transporte, restricción del tráfico rodado privado en el centro de las ciudades, construcción de carriles bici.
- Recursos sociales locales: aplicación efectiva de la Ley de Dependencia, redes de cuidadores locales municipales, servicios locales de mediación y tutelaje.

5. CONTROL DE LAS ENTIDADES BANCARIAS:

- Prohibición de cualquier tipo de rescate o inyección de capital a entidades bancarias: aquellas entidades en dificultades deben quebrar o ser nacionalizadas para constituir una banca pública bajo control social.
- Elevación de los impuestos a la banca de manera directamente proporcional al gasto social ocasionado por la crisis generada por su mala gestión.
- Devolución a las arcas públicas por parte de los bancos de todo capital público aportado.
- Prohibición de inversión de bancos españoles en paraísos fiscales.
- Regulación de sanciones a los movimientos especulativos y a la mala praxis bancaria.

6. FISCALIDAD:

- Aumento del tipo impositivo a las grandes fortunas y entidades bancarias.
- Eliminación de las SICAV.
- Recuperación del Impuesto sobre el Patrimonio.
- Control real y efectivo del fraude fiscal y de la fuga de capitales a paraísos fiscales.
- Promoción a nivel internacional de la adopción de una tasa a las transacciones internacionales (tasa Tobin).

7. LIBERTADES CIUDADANAS Y DEMOCRACIA PARTICIPATIVA:

- No al control de internet. Abolición de la Ley Sinde.
- Protección de la libertad de información y del periodismo de investigación.
- Referéndums obligatorios y vinculantes para las cuestiones de gran calado que modifican las condiciones de vida de los ciudadanos.
- Referéndums obligatorios para toda introducción de medidas dictadas desde la Unión Europea.
- Modificación de la Ley Electoral para garantizar un sistema auténticamente representativo y proporcional que no discrimine a ninguna fuerza política ni voluntad social, donde el voto en blanco y el voto nulo también tengan su representación en el legislativo.
- Independencia del Poder Judicial: reforma de la figura del Ministerio Fiscal para garantizar su independencia, no al nombramiento de miembros del Tribunal Constitucional y del Consejo General del Poder Judicial por parte del Poder Ejecutivo.
- Establecimiento de mecanismos efectivos que garanticen la democracia interna en los partidos políticos.

8. REDUCCIÓN DEL GASTO MILITAR

HOMENAJE POÉTICO A LAS BRIGADAS INTERNACIONALES

2011-05-15T12:57:00.000-07:00

DIVERSIDADES: ANTONIO MÉNDEZ RUBIO, RAMÓN ANDRÉS Y JUAN MANUEL MACÍAS

2011-05-10T09:51:00.001-07:00

Mayo nos sigue regalando libros espléndidos. Demostraciones de hasta qué punto la poesía española última es heterogénea, rica, diversa. Alejada de dogmáticos cerramientos estéticos. Me gustaría traer hoy tres poemarios interesantes, tres muescas en este camino plagado de hibridez, subversión, desborde y experimentación.

De ANTONIO MÉNDEZ RUBIO un poema de su último libro Siempre y cuando (Madrid, Abada, 2011):

SOBRE LA MUERTE DE OTROS

Sobre la muerte de otros
ponemos nuestras sombras nuevas,
flores de azahar, el agua
que dejó el cuenco vacío
porque sí, canela molida, brusca,
de la que ya no pende
-¿dónde la han puesto?...

Se habla del fin. Y poco más:
la última condición y la primera
piedra
vuelta hacia el mundo

Antonio Méndez Rubio nació en Fuente del Arco, Badajoz, en 1967. Ha participado en diversos espacios de acción colectiva como Cultura y Revolución, CGT o el Foro Social de las Artes. Sus libros de poesía, desde El fin del mundo (Premio Hiperión 1995) a Por más señas (Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España 2005), se recogen en Todo en el aire (Mérida, Editora Regional de Extremadura, 2008). Ha publicado diversas antologías. Es autor de ensayos sobre poética y sociedad, destacando entre los últimos La desaparación del exterior (2011).

De RAMÓN DE ANDRES algunos aforismos de su libro Los extremos (Lumen, 2011):

Los antiguos concibieron la escritura como un fármaco de la memoria. Escribir para recordar que acaso nunca fuimos.

*

La autoconciencia es un confinamiento.

*

La idea de eternidad sólo puede concebirla un pensamiento tiránico, reacio a la vida.

*

El cerebro tiene un margen de error; el corazón, no.

*

El temor a ser suplantados nos asegura un lugar en el mundo.

*

Tener la duda como forma de razón.

*

Cuando no encuentro el hogar, vivo en el interior de mi intemperie.

Ramón Andrés (Pamplona, 1955) es autor de numerosos escritos musicales y literarios. Entre sus libros sobre música están el Diccionario de instrumentos musicales. Desde la Antigüedad a J. S. Bach [prólogo de John Eliot Gardiner] (1995/2001/2009), W. A. Mozart (2003/2006), Johann Sebastian Bach. Los días, las ideas y los libros (2005), El oyente infinito. Reflexiones y sentencias sobre música (De Nietzsche a nuestros días) (2007), y El mundo en el oído. El nacimiento de la música en la cultura (2008). Pertenecen a un terreno literario y ensayístico Tiempo y caída. Temas de la poesía barroca [2 vols.] (1994), Historia del suicidio en Occidente (2003), y No sufrir compañía. Escritos místicos sobre el silencio (siglos XVI y XVII) (2010). Entre los libros de poemas cabe citar La línea de las cosas (1994) y La amplitud del límite (2000), además de la obra aforística Los extremos (2011). Asimismo, ha dedicado su labor a ediciones de autores como Gabriel Bocángel (Sonetos completos, 1986), Diego de Torres Villarroel (A la cola del mundo, 2004) y Juan Eusebio Nieremberg (Oculta filosofía. Razones de la música en el hombre y la naturaleza, 2004). A este mismo apartado pertenece la Antología poética del romanticismo español (1987). Ha traducido a escritores muy diversos, como Dylan Thomas (Bajo el bosque lácteo, 1997) y Jean de La Bruyère (Los caracteres (2004). En su relación de títulos se halla también el cuento infantil La comba mágica (2010). Algunos de sus escritos, a modo de ensayos, han formado parte de catálogos de arte, literatura y música, caso de Los luthiers españoles (1988) y Visiones del Quijote (2005).

Y de JUAN MANUEL MACÍAS, un poema de su libro Tránsito (DVD, 2011):

CADENCIA

Vinieron los desiertos
gritando
para besar el filo de los párpados.

Pudiera ser la sangre
una partitura en blanco.
Y el corazón vagaba por sus márgenes
arrancándose las tardes una a una.

O tal vez la esperanza
un tardío paso de baile
desarbolado sobre el calendario.

Pudiera ser el miedo
la habitación de un hotel
momentos antes de mudar de ángel.

Era tanta la cólera o el llanto
que todas las agujas solidarias
marchaban como un sueño
a clavarse en los ojos del piano.

Juan Manuel Macías (Cartagena, 1970) es filólogo, helenista, traductor y tipógrafo. Colabora en diversos medios escritos relacionados con el mundo clásico con artículos y traducciones de poesía griega. Tiene publicados la traducción y edición de las poesías de Safo (DVD Ediciones, 2007) y los libros de poemas Azul de enero (Vitruvio, 2003) y Tránsito (DVD Ediciones 2011). Mantiene la página web de DVD Ediciones y coordina su sección de firmas invitadas.

RITUAL EN VALENCIA: VÍKTOR GÓMEZ Y ENRIQUE FALCÓN

2011-05-07T03:32:00.000-07:00

El pasado 5 de mayo presenté en Valencia RITUAL. Lo hice junto a Óscar Curieses que también presentaba su excelente y desasosegante DENTRO. Nos acompañaron Víktor Gómez y Enrique Falcón. También Miguel Morata, librero de PRIMADO y Miguel Ángel Curiel, que andaba por allá visitando a los amigos. Es difícil resumir dos días tan intensos. Generosidad, complicidad poética, discusiones apasionadas sobre el sentido de la escritura en tiempos de afrenta. Y un modo de entender la creación desde la herida.

A propósito de estos días (horas, en realidad) el poeta Víktor Gómez (cuyo blog recomiendo de forma encendida: http://viktorgomez.blogspot.com/) ha escrito un texto que me gustaría transcribir aquí. Dice así:

POBREZA (XXXIII)

se abre noche: Reyno
Óscar Curieses

¿a qué llegaste desde el golpe póstumo de tu escritura?
Ernesto García

La lentitud es su fuerza, no buscan más de lo que no se busca
Miguel Ángel Curiel

es hermoso dormir sobre el libro
respira -expira- lo visual
el amor es una espada su reflejo
no puede retenernos
al vivo sobre el muerto al muerto
sobre los muertos
espalda del mundo no puede sostenerte
las verdades callan
hay claridad no un camino de regreso
-cuántas piedras- al corazón
mi ojo está sucio
no ha descansado en la lentitud
nada le retiene en la libertad

desde lo frágil, canto
dentro de un adentro exiliado
una oscuridad alumbra

Víktor Gómez
(Del libro work in progress, Pobreza)

Me gusta pensar que los libros de poética lejos de buscar respuestas, intentan formular preguntas insistentes, proyectivas, capaces de desestabilizar un sistema de pensamiento y llevarlo hasta sus límites. A fin de cuentas la escritura poética, por encima de otras consideraciones, implica (activa o pasivamente) una cierta tensión del lenguaje, una (re)semantización de sus posibilidades expresivas. Pues bien, con este texto el poeta valenciano Enrique Falcón dibuja una de esas preguntas esenciales que, de vez en cuando, golpean el panorama intelectual de un país: ¿es factible pensar y hacer posible, desde estrategias divergentes, la constitución de producciones culturales —en concreto, literarias— que resulten ser inasimilables para la constelación ideológica que hoy diseñan culturalmente nuestras modernas sociedades de control? Difícil respuesta. Este volumen planea sobre sus claves, sus inconsistencias, sobre la ramificación de cuestiones secundarias que acompañan, ineludiblemente, esta gran duda. Las prácticas literarias del conflicto comprometen al lector en una toma de postura, un (auto)cuestionamiento íntimo y subjetivo de las concepciones desde donde se lee o escribe. No existe este texto fuera del juego social y fuera del campo literario entendido en su acepción bourdoniana. Pero vayamos más despacio. Considero que el alcance de estas propuestas (prácticas) ha de buscarse en el corazón mismo del discurso en torno al Poder. A nadie se le escapa que, como muy bien nos recuerda el antropólogo político Ted C. Lewellen siguiendo las enseñanzas de Foucault: «El poder no es un asunto de intención consciente o toma de decisiones. Foucault busca conocer cómo funcionan las cosas en el nivel corriente de subyugación, en el nivel de aquellos procesos continuos e ininterrumpidos que someten nuestros cuerpos, gobiernan nuestros gestos, dictan nuestros comportamientos, etc.» Este poder dominante es inherente al discurso en sí mismo, porque el discurso determina lo que es o no verdad. Así, el verdadero poder no reside en la presidencia, la policía o los burócratas, sino en el sistema escolar dentro del cual somos socializados, la profesión médica que controla nuestra salud, la profesión psiquiátrica que determina lo que es ser psicológicamente normal. El Poder es un asunto de mayor envergadura y sutilidad que contamina seminalmente casi todas las parcelas de la vida privada y pública, del mundo artístico y político. De ahí que, a pesar del escaso aprecio que el propio Falcón parece sentir por ciertas veleidades posmodernas (llega, incluso, a concluir: La llamada «cuestión posmoderna» no existe, salvo como anécdota en la historia de las estrategias de distracción del logos capitalista. Seguimos siendo, enteramente, modernos”), su engranaje ideacional participa, creo yo, de esta visión plural y multiforme de lo coercitivo, y por extensión afecta a sus estrategias de resistencia. En sus “Siete calas sobre poesía política” asistimos a la problematización de las caras del binomio poder capitalista vs. estéticas resistentes. La voz de Falcón se presenta de un modo desencializador, fuertemente crítica respecto a la tradición hispana de poesía social (como, por ejemplo, en las Cuatro Tesis de Mayo, reivindicando lo íntimo, su no orientación hacia los pobres, su rechazo de la figuración normativizada, y su carácter no de transformación inmediata, sino como semillero de un humus conceptual contrahegemónico en su sentido gramsciano). La voz de Falcón entremezcla el acento ensayístico con el quehacer puramente simbólico (literario) e, incluso, la proclama activista. La voz de Falcón se muestra (inter)penetrada por los golpes de la historia social, desdibujando las distancias entre la realidad y la ficción. Y avanza. En las secciones En este tiempo y No doblar las rodillas (1991-2006) va desgranando una serie de acontecimientos transustanciados en materia textual. No hay distancias entre la realidad y la literatura, entre la vida y la metáfora. Ahora bien, no se trata de una visión objetivista, materialista, sino a la manera de Edgar Morin: «De este modo importa no ser realista en un sentido trivial (adaptarse a lo inmediato), ni irrealista en el mismo sentido (sustraerse de las coacciones de la realidad); lo que conviene es ser realista en el sentido complejo del término: comprender la incertidumbre de lo real, saber que existe una porción de lo posible aún invisible en lo real.» Y para transformar esta porción invisible de lo real se apoya en la musculosa poesía latinoamericana del siglo XX, en aquella que directamente desciende de las barbas de Whitman (Roque Daltón, Ernesto Cardenal, algunos pasajes de Roberto Juarroz…), también en las vanguardias históricas, en Celan, en la literatura escrita desde el abismo.

Enrique Falcón es un teórico furioso e incesante. No renuncia a nada. No sacrifica nada. Todo está sujeto a impugnación. Y al arbitrio de la consciencia, sabedor que ésta tampoco permite identificar “verdades absolutas”. La literatura para él es un ejercicio de desborde. Frente a poéticas falsas e ingenuamente realistas, más proclives a la mansedumbre que a la resistencia. Frente a los discursos metalingüísticos, enroscados en el lenguaje como objeto, desmaterializado, desconectado del pulso de la historia. Frente a las poéticas políticas que renuncian a la estética y se apoyan en lo puramente informativo. Frente a las concepciones impresionistas y autónomas del texto, (des)hilachadas de la coyuntura social... Todo cabe en la palabra de la herida, desde donde es posible también hablar la palabra de los vínculos.

Tanto la foto de entrada como este montaje es obra de Alejandro, que estuvo en la presentación. Muchas gracias a su trabajo e interés.

SOAP&SKIN

2011-05-07T03:28:00.000-07:00

RECORDANDO A CAMUS DE LA MANO DE JORDI DOCE

2011-05-04T10:24:00.000-07:00

Una de las lecturas en las que ando metido ahora es "Perros en la playa" del poeta, crítico y traductor Jordi Doce. No me voy a extender hablando de este libro porque tengo intención, más adelante, de escribir una reseña que, espero, vea la luz en alguno de los espacios donde colaboro. Simplemente avanzaré que este texto constituye una creación fragmentaria donde (como se nos dice en el dorso) notas, poemas y aforismos se cruzan de manera intrincada, estableciendo un diálogo proyectivo, espontáneo, poco visto hasta ahora en nuestra literatura más reciente. Y a medida que uno va leyendo se va encontrando con sorpresas, instantes de desborde que le dejan a uno nervioso, sometido a los vaivenes de ciertas obsesiones. Esto mismo me ocurrió cuando llegué al siguiente fragmento:

"Volvía a casa a la hora de comer y era como si hubiera ingresado de pronto en las páginas de El Extranjero: la calle casi desierta, con solo algunos paseantes encogidos, la luz negra y violenta, el calor espeso que moja los párpados y la nuca. Esa atmósfera irreal en la que cualquier acto parece posible y todo adquiere el aura de una premonición, una inminencia. Iba por la margen de sombra, ofuscado por el cansancio, y cada cruce con un extraño -ese momento en que dos cuerpos se apartan sutilmente aun cuando hay espacio entre ellos- se erizaba de posibilidades. Fueron cuatro, cinco minutos, lo que tardé en llegar a mi portal desde el parque. Una especie de alucinación privada provocada por el extraño y ominoso silencio de las calles. Sin multitudes que la estorbaran, la mente se sintió con fuerzas para plantar sus fantasmas y jugar con ellos, ignorante de que pronto se pasarían al bando de la luz de mediodía. Cuando quiso corregir su error de cálculo ya era tarde."

Y entonces regresé a la obra de Albert Camus, uno de mis autores fundamentales. Y lo es no porque su escritura tenga una influencia en la mía (que también, espero), sino porque sus libros forman parte de mi formación como lector, como sujeto asombrado, al igual que me ocurriera (como ya he dicho en este blog) con el recientemente fallecido Ernesto Sábato. No sé. Quizá sea esa desnudez áspera de la prosa camusiana, plagada de fantasmas que, sin embargo, apenas parecen reflejarse en la superficie del texto. Quizá su "escritura blanca", su "rebelión contra el orden que impone el lenguaje" tal y como señalara Roland Barthes. O su decidida participación en el absurdo, resistiendo, luchando cualquier forma de opresión. Desesperanza y esperanza juntas. Desolación amoral y ética ramificada en cada palabra. Igual el texto de Jordi Doce. Aparentemente "blanco", pero cargado de sobrevidas y sobresombras que atenazan, absorben, hieren. Eso es para mí la poesía, la literatura. Tener la capacidad de rastrear el dolor que se transmuta por encima de lo cotidiano. Rebelarse al lenguaje hegemónico. Y utilizar, para ello, las armas de la palabra en desborde.

RETALES, DE SONIA BUENO

2011-05-02T12:48:00.000-07:00

re cortes
retales
hebras
retales (r)
(desierto)rueca
veladuras (epílogo)

Así estructura su libro la poeta Sonia Bueno. Estamos ante un extrañamiento del lenguaje. Una reconstrucción del habla precisa, problematizadora, por medio de la cual se nos da cuenta de las fragilidades del ser y su conciencia.

Pero este texto nos dispara hacia nuevos territorios. Otras posibilidades de lectura.

Me explicaré.

El biólogo y epistemólogo chileno Humberto Maturana, al reseñar las características de su paradigma autopoético, es decir, la autonomía operacional del ser vivo, nos insiste en comprender los sistemas como entidades relativamente autónomas y autoorganizadas donde no hace falta principio ni causa primera. Los sistemas autopoiéticos (como nos recuerda la antropóloga Eugenia Ramírez Goicoechea) “crean/seleccionan, dentro de ciertas constricciones, sus propias condiciones de existencia, un dominio de significación/determinación específico, su (s) entorno (s)”. El sistema existe sólo en virtud de su entorno, como extensión externa y resultado de secuencias de acción, como el contexto construido/seleccionado por el propio sistema para su desarrollo y devenir futuro posible. Pues bien, la poética de Sonia Bueno se comporta de manera parecida. A través de una reescritura en tensión, siguiendo los pasos de la estirpe mallarmeana, a mitad de camino entre el murmullo y el balbuceo, transpiradas las conquistas de la postvanguardia, se nos proyectan las posibilidades del decir en un proceso autoconstitutivo. La palabra de Sonia Bueno es un verso entrópico, aparentemente austero que, sin embargo, atesora la capacidad recursiva del desborde. No finalizan los versos donde supuestamente finalizan. No acaban los poemas en el silencio. Muy al contrario, se deslizan hacia nuevas fuentes del decir que retroalimentan el habla y la contextualizan. El viaje interior (introspectivo) es contaminado por el viaje exterior (la realidad). El pensamiento se amalgama con la emoción. De este modo lo que una cierta postmodernidad se ha empeñado en cronificar, es decir, el individuo agonístico como único sujeto histórico, en la poesía de Sonia Bueno queda transformado en nuevo agente epistémico, nuevo actor por medio del lenguaje que restituye las posibilidades de la intersubjetividad. Los retales, el hilo de Ariadna, las hebras quedan consignadas como posibilidades de alteridad, recursos indestructibles contra la simplificación del mundo.

Pero vayamos directamente a los poemas. Rescato aquí algunos para quién quiera acercarse a este magnífico libro:

callejón del aire. la luz tiembla (des)asistida —entiendo su duda. enciende a tientas / mi certeza

*

La voz reverbera — en la campana sin afinar / del ojo

*

agujas. Cansadas. Tan cansadas (…) deshacen los nombres antes de enhebrarlos

*

al espejo
regresa
el índice
donde su trazo
es
vibración
:vive
en
lo que agrieta

*

des-anuda islas

vetea con óxido sus canales
blandos

la memoria emerge

*

pesado. mal tejido —un velo. un velo que no es un velo. es una piedra. lisa. pesado. un velo mal tejido duele. pesa. pesan sus hilos. sueltos. delante de los ojos. pesan dentro de la cabeza. pesan. duelen. pesan.

y nada pesa
la aguja
b/aja/da
por la memoria

duele

Sonia Bueno (Melilla, 1976) estudió Filología Inglesa en la Universidad Complutense de Madrid, arte dramático, danza y producción audiovisual, y se licenció en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada. Forma parte del colectivo itinerante de poesía Lavarca Ebria. Retales será su primer libro publicado.

TRÁNSITO Y TRANSATLÁNTICA

2011-05-02T11:59:00.000-07:00

Mayo arranca con tres lecturas de alto voltaje. Libros y autores que, a buen seguro, harán las delicias de los amantes de la poesía. Textos turbadores, heterodoxos, de la mano de dos editoriales que mantienen la búsqueda y el riesgo.

Comenzamos este Martes, 3 de mayo de 2011, a las 19:00 h.
Librería Rafael Alberti (c/ Tutor, 57. Madrid)

TRÁNSITO de Juan Manuel Macías.

Presentación a cargo de José Luis Gómez Toré. Al finalizar el autor realizará una lectura de poemas del libro.

Editado por DVD ediciones.

Juan Manuel Macías (Cartagena, 1970) es filólogo, helenista y traductor. Colabora en diversos medios especializados en el mundo clásico, como la Revista de la Sociedad Española de Estudios Clásicos, con artículos y traducciones de poesía griega. Poemas suyos y artículos de crítica literaria han aparecido en diversas revistas de poesía. Tiene publicados el poemario Azul de enero (Madrid, 2003) y la edición y traducción de las poesías de Safo (DVD Ediciones, 2007).

Continuamos el mismo Martes 3 de mayo, de 18:00 a 19:30. En la Biblioteca Histórica Marqués de Valdecilla (C/ Noviciado 3, Madrid.

Lectura Transatlántica, con la presencia del poeta Jorge Olivera y la participación vía conferencia de Raúl Zurita, Mercedes Roffé, Roger Santivanez, Andrés Fisher y José Kozer (confirmados hasta ahora) en la Biblioteca Histórica Marqués de Valdecilla, Noviciado 3, casi esquina de San Bernardo. Se leerán textos de todos los autores de la colección y estarán todos los libros editados hasta ahora en venta.

Contaremos con los siete autores que ya han publicado en la colección (http://amargordtransatlantica.blogspot.com/) y con tres nuevos:

T8 - Mercedes Roffé - Canto errante seguido de Memorial de agravios
T9 - Jorge Olivera - Kayac y otros poemas
T10 - José Kozer - Tokonoma

Estos títulos saldrán de prensa en breve.

También próximamente aparecerán los libros de la serie Portbou con títulos de Esther Ramón, Silvia Guerra, José Luis Gómez Toré (en colaboración con la artista Marta Azparren)y Eva Chinchilla.

Y acabamos con la lectura del poeta Carlos Huerga el jueves 5 de mayo en La Casa del Libro, a las 20h, dentro del Ciclo de Poesía Joven en la Comunidad de Madrid. Le presentará el poeta y traductor Rafael-José Díaz.

HOMENAJE A ERNESTO SÁBATO

2011-05-01T01:18:00.000-07:00

Acaba de morir uno de mis autores fundamentales. Ernesto Sábato. Y no lo digo sólo en términos literarios. Me estoy refiriendo a la formación intelectual, emocional, de sentido. De comprensión de mundo y subjetividad. La lectura de "El túnel", "Sobre héroes y tumbas" y "Abaddón el exterminador" constituye una de las cinco o seis paradas fundamentales de mi constitución como lector. Camus, Céline, Baudelaire, Juarroz, Porchia, serían otras de esas paradas. Con Ernesto Sábato aprendí lo que significa la palabra desasosiego. Ensanchar eso que llamamos realidad. Comprender que la literatura es, antes que todo, una aventura del lenguaje capaz de desestabilizar el marchamo de las cosas. Y sólo es posible resistir a la tiranía de la coerción desestabilizando, primero, el orden de las cosas. De ahí que la lectura de Sábato fuera, para mí, una suerte de cuartel de invierno frente a la pavura del mundo. Una forma de administrar la desesperanza. Pero Sábato es mucho más. Me hizo comprender también el sentido de la obsesión. La importancia de la obsesión para los procesos de escritura. Ahondar en las dislocaciones de la lengua hasta convertirla en un territorio áspero, desnudo, consciente e inconsciente a la vez, cargado de extrañeza. Abismática al mismo tiempo que dulce y sensual. La mirada de Sábato es pesimista. Mi mirada es pesimista. La mirada de Sábato se balancea entre el asombro y la resistencia. Mi mirada se proyecta desde el asombro y la resistencia. Y ésta fue, creo, la doble dualidad en la que me formé como lector. Me gustaría rendirle mi más sincero homenaje. Acabó una literatura completa.

Y para hacerlo me gustaría traer al recuerdo un pasaje de "El escritor y sus fantasmas", uno de mis libros favoritos de Sábato. Toda una lección de inteligencia y sabiduría. Aquí lo dejo:

MARX Y LA LITERATURA BURGUESA

Un conocido revolucionario del siglo XX llamado Karl Marx, a quien nadie puede acusar de proclividad pequeño-burguesa, recitaba a Shakespeare de memoria, se extasiaba con Byron y Shelley, elogiaba a Heine y consideraba a ese reaccionario de Balzac como un admirable gigante. Y tanto él como F. Engels se lamentaban de que un genio como Goethe se rebajase al filisteísmo y a los honores de su pequeño ministeriazgo ducal. No ignoraban sus contradicciones humanas y filosóficas, sabían perfectamente hasta qué punto Goethe era un artista de las clases reaccionarias; pero no obstante lo amaban y admiraban, lo consideraban como una contribución definitiva a la cultura de la humanidad.

Hermosa lección para ciertos revolucionarios de bolsillo.

Pienso que el signo más sutil de que una sociedad está ya madura para una profunda transformación social es que sus revolucionarios se revelen capaces de comprender y recoger la herencia espiritual de la sociedad que termina. Si eso no sucede, la revolución no está madura.

ERNESTO SÁBATO

Y ahora, para acabar, dejo la voz del autor:

PRESENTACIÓN DE RITUAL

2011-04-22T02:15:00.001-07:00

Ediciones Amargord y la librería LA CENTRAL tienen el gusto de invitarle a la presentación de:

RITUAL de Ernesto García López

El próximo 28 de abril (jueves) a las 19:30 en La Central del MNCARS. Librería (Edificio Nouvel) Ronda de Atocha, 2. Madrid.

Intervendrán:

Luis Luna, Director de la Colección Fragmentaria.
Óscar Curieses, escritor.
José Luis Gómez Toré, escritor y crítico.

Para quién se pierda la presentación puede adquirir el poemario de varias maneras:

Pidiéndolo directamente en su librería (cualquier ciudad y/o provincia). Lo distribuye DISTRIFORMA (Tel 902 88 48 78 | Tel 925 13 75 70 | Fax 925 13 75 66 | Mail distriforma@distriforma.es | Web www.distriforma.es.)

Comprándolo en alguna librería de Madrid. Os dejo algunas sugerencias:

Barrio de Lavapiés

Bajo el volcán (Ave María 42). Ver en: http://www.bajoelvolcan.es/
La fugitiva (Santa Isabel, 7). Ver en: http://lafugitivamadrid.blogspot.com/
Traficantes de sueños (Embajadores 35, Local 6). Ver en: http://www.traficantes.net/

Barrio de Malasaña

Arrebato (La Palma, 21). Ver en: http://www.arrebatolibros.com/es/
La independiente (Espíritu Santo, 27). Ver en: http://laindependientelibros.blogspot.com/

TENSAR EL ARCO Y OTROS POEMAS

2011-04-16T04:18:00.000-07:00

La editorial Bartleby acaba de publicar la antología poética "Tensar el arco y otros poemas" (1939-1987) del norteamericano Robert Duncan. Una buena oportunidad de conocer en España a este importante poeta casi desconocido para el público hispanoparlante. En palabras de su traductora, Marta López-Luaces:

"Robert Duncan, uno de los más destacados poetas estadounidenses del siglo XX, es conocido como el poeta marginado y exiliado, un perfil que él mismo creó y promovió. La poesía, tal como él la entendía, es una celebración del poder del arte:a través del lenguaje simbólico, se propuso recrear arquitecturas capaces de revelarnos otras realidades del ser. De este modo, los cambios de registro, a veces repentinos, exigen un lector especializado, dedicado al estudio de la poesía y sus diferentes campos de referencia. Su propuesta es altamente ambiciosa; para Duncan, el mito se instituye en el conocimiento ancestral que el poeta contemporáneo debe traducir a su versión actual, para permitirnos así regresar al origen. A través de una red de metáforas y símbolos, crea un universo verbal en el que se entretejen los mitos más diversos, desde la filosofía helenística y los textos gnósticos, a las obras de Shakespeare, o las citas de Alicia en el país de las maravillas. Tensar el arco y otros poemas es la primera de las obras de Robert Duncan que se publica en España y recoge una amplísima selección de sus trabajos poéticos."

Y como muestra me gustaría transcribir el poema El comienzo de la escritura, perteneciente a su libro de 1952-1953 titulado Escribir la escritura. Dice así:

una composición

Empezar a escribir. Continuar finalmente para escribir.
Escribir finalmente para continuamente empezar.

Para superar el comienzo. Para superar la urgencia. Para
superar el escribir escribiendo.

Sin nunca superar el comienzo. Ahora escribir escribir. No superar el comienzo.

*

El amor es a veces adelantar e incluir. El amor es a veces superar y no comenzar. El amor como una parte constante de algunas composiciones es imaginar la expansión del amor para incluir el comienzo como continuación.

Deseo : no en el escribir. Urgencia : en el no escribir. Mentir en la espera no escribir. El deseo es lo anterior no el comienzo del principio. La urgencia es un no sentir que finalmente comienza.

*

Cuando me imagino el no superar sino el incluir, el amar toma el lugar del deseo. Cuando diariamente me imagino comenzando continuamente, ser no es más
re-formar sino repetir.

Un gigante del día se despierta.
Un gigante de la noche se duerme.

¡Ser un universo! ¡Ser un universo!
Absorto en su continuo hablar.
Ser regresado al sueño.

Cuando me imagino a mí mismo como amante
el Amor está otra vez aquí, aquí digo,
hace su aparición durante el Día una vez más
desde el simple anhelo, pertenecer
al decir.
La mañana se transforma
silenciosa como las palabras al hablar:
un soliloquio de silencios audibles.

*

¡Un soliloquio! ¡Un soliloquio!
tanta frivolidad al hablar con los diferentes colores de luz, con las tretas
de personas imaginadas, en persona.

El gran Funcionario engreídorueda su eterna existencia como rueda
un bidón
sobre las medidas de un sueño desordenado.
Un habla desordenada.

FUTURISMO. LA EXPLOSIÓN DE LA VANGUARDIA.

2011-04-13T10:07:00.000-07:00

El legado del Futurismo vas más allá de su propia leyenda. Los coordinadores de este volumen impecablemente editado por Vaso Roto, Llanos Gómez y Alessandro Ghignoli, nos dirán: “Muchos hallazgos del futurismo han sido atribuidos de forma genérica a las vanguardias, quizá por la vinculación del movimiento con el fascismo, lo que ha propiciado dos soluciones igualmente estériles: por una parte, la total identificación del futurismo con el fascismo –lo que, sin duda, reduce las complejas relaciones entre los diversos futuristas y el partido fascista— y, por otra, el estudio de las vanguardias evitando reconocer esta herencia. […] Este volumen ofrece, pues, un recorrido por las distintas disciplinas abordadas por los futuristas, con el fin de reconocer este legado, que hoy pervive, por ejemplo, en la publicidad, el cine, la radio, la fotografía, la poesía o en la escena.” Todavía recuerdo con viva emoción las muchas horas delante de la exposición “Futurism and the Avant-Garde” en la Tate Modern allá por el mes de junio de 2009. Y el trallazo que supuso para mí la contemplación (en directo) de la obra de Umberto Boccioni. Frente a la idea estereotipada que los libros de texto nos legaron acerca de este ismo, lo contemplado se proyectaba como un universo complejo, genésico, repleto de aristas interpretativas que no eran fáciles de encapsular bajo marbetes empobrecedores. El Futurismo implica el nacimiento de las vanguardias y con ellas uno de los “asideros” fundamentales de comprensión de nuestra pretendida contemporaneidad. Es más, si, como advertía Maiakoski, “no es posible un arte revolucionario sin forma revolucionaria”, el Futurismo tendría el privilegio de inaugurar este modo de transformación en el arte a lo largo del siglo XX, profundamente desaprobatorio del orden burgués y la mercantilización de lo humano.

Este libro atesora muchas virtudes. En primer lugar, se trata de un texto pensado no tanto para un público académico y/o erudito (a pesar del rigor y profesionalidad de sus colaboradores), como para cualquier persona interesada en rastrear las posibilidades todavía vigentes de la vanguardia. Además, el hecho de administrar conocimientos en torno al cine, la escena, la literatura, la arquitectura, la fotografía, lo convierten en una suerte de mixtura total, donde tienen cabida diferentes ámbitos de interés en función de la heterogeneidad de públicos. Se nos llena la boca hoy en día hablando de fragmentación, performatividad, experimentalismo, como si se trata de logros propios de la postmodernidad. Sin embargo, un repaso atento a las tesis del libro nos ilustra acerca de la capacidad transgresora (seminal) que el Futurismo introdujo en Occidente, desestabilizando todas las jerarquías y apriorismos sellados por las estéticas dominantes del siglo diecinueve. La polifuncionalidad de la palabra, el giro narrativo, la iconización de lo verbal y la verbalización de lo icónico, la palabra en libertad… deben a este movimiento su primera puesta de escena, sin menoscabo de que otros grupos posteriores ahondaran y extendieran esas primeras intuiciones. En cierta medida, todos aquellos que se sienten (nos sentimos) deudores de la “tradición vanguardista” (y soy consciente de la aparente contradicción de ambos términos), estamos también en deuda con el Futurismo. Justo sería empezar, entonces, por preguntarnos acerca de la aparente esencialización de que ha sido objeto, bucear en sus estímulos, capaces aún hoy de romper “el orden sintáctico, declamatorio y tipográfico” de los objetos artísticos.

Nos encontramos ante un libro altamente recomendable. Y para quién quiera encontrarse con él de primera mano, le sugiero se pase el jueves 14 de abril a las 20:00 por la librería TIPOS INFAMES (C/ San Joaquín, 3. Madrid) para festejar esta explosión de la vanguardia.

Ahora les dejo con la película AELITA (1924) del ruso Protazanov, obra fuertemente influida por el Futurismo italiano, en la que se asiste, como nos señala el profesor Giovanni Lista (uno de los grandes conocedores de este movimiento y autor incluido también en el libro) “a un acuerdo evidente entre la trama narrativa y la investigación formal, entre una historia que vuelve a solicitar los normales desarrollados cinematográficos y una expresión plástica que aspira a ser autónoma y significativa por sí misma”. Que la disfruten.

RITUAL EN LA RADIO

2011-04-12T00:04:00.000-07:00

RITUAL continúa su andadura. Esta vez se va a la radio. A Radio Círculo (100.4 FM).

El próximo miércoles 13 de abril de 16:00 a 17:00 en el programa de poesía DEFINICIÓN DE SAVIA.

Y el 26 de abril (martes) de 17:00 a 18:00 en el programa de ensayo crítico SALA DE ENSAYO.

Para quién quiera escuchar el programa sólo tiene que pinchar aquí.

Os dejo información de estos programas:

Definición de savia nace con una vocación: la de acercar la poesía nacional e internacional al público. Para ello se contará con la presencia en el programa de poetas en lenguas españolas y extranjeras, poniendo especial atención a la lengua original y al difícil proceso de traducción, a las poéticas y a la actualidad editorial, todo ello completado con documentos sonoros de poetas contemporáneos –a quienes también se dará cabida en el apartado de poéticas, donde reflexionarán acerca de su concepción de la poesía– y clásicos, rescatando la grabación de las lecturas que dejaron a su paso por el Círculo de Bellas Artes.

Dirección: Esther Ramón y Juan Soros

Sala de ensayo nace con la intención de dar un espacio sonoro al ensayo crítico. Pretende ser un lugar de encuentro y reunión para autores, editores e integrantes de las revistas dedicadas a este género literario.

Dirección: Llanos Gómez Subdirector: Alessandro Ghignoli http://saladensayo.wordpress.com

LA PALABRA ITINERANTE

2011-04-11T03:48:00.001-07:00

Este pasado sábado (9 de abril) estuve en Sevilla presentando mi RITUAL junto a la poeta asturiana Laura Casielles que también llevaba su LOS IDIOMAS COMUNES. Ambos dos fuimos acogidos, compartidos y gozosamente acompañados por La Fuga Librerías y el colectivo de agitación cultural LA PALABRA ITINERANTE. Debo decir que la experiencia resultó emocionante. Con independencia de la propia lectura de los textos, en mi recuerdo creo que van quedar sellados una amistad en ciernes y una aprendizaje de hasta qué punto lo colectivo tiene sentido en la literatura. La Palabra Itinerante es muchas cosas. Un grupo de excelentes escritores primero (ahí están, por ejemplo, Carmen Camacho, David Eloy Rodríguez, Juan Antonio Bermúdez, José María Gómez Valero, Celia García López, Miguel Angel García Argüez...). Una "caterva" de celebradores de lo vivo, de resistentes indomables, de goce por la palabra hablada, levantada, erguida en la plaza pública sin miedo ni vergüenza. Un grupo de poetas en torno a los cuales se articulan otros artistas interesantes: más poetas (como Pedro del Pozo, Alberto Porlan), cantantes (como Daniel Mata), músicos. Y algunas publicaciones como la excelente "Mordisco" de La Puebla de Cazalla, impulsada con rigor y mimo por el pintor (y también flamencólogo) Patricio Hidalgo y Miguel Ángel Rivero. Apenas estuve en Sevilla dos días. Parecieron más. Como si se multiplicaran a cada rato las sensaciones, proyectando los minutos. Quedan en mí La Alameda, los "veladores" nocturnos y sus largas conversaciones, la cueva-hogar de Peris Mencheta adonde se regresa siempre (o eso me dijeron), la Fuga librerías, una especie de islote refrescante, beatífico, cuidado, en mitad del griterío, la Puebla de Cazalla y sus calles rectilíneas, blanquísimas, donde suceden misterios que sólo ellos conocen. Fue un lujo presentar RITUAL en ese marco. Libro acogido y renacido en las costas de Sevilla.

Pero me gustaría mostrar lo más importante, una muesca diminuta de algunos trabajos creativos de esta legión de "gozadores" andaluces. No están todos. Aquí les dejo unos pocas referencias:

DAVID ELOY RODRÍGUEZ

CIUDADES SECRETAS

Hay palabras como una flecha afilada
atravesando extensiones
sin encontrar su objetivo.

Son su blanco las cosas, pero las cosas
se resisten, se desplazan a su paso
de un sitio a otro.

Y así la flecha continúa
traspasando el mundo sin ser mundo,
persiguiendo plenitud en el aire que corta,
señalando vacíos,
apuntando inmensidades.

JOSÉ MARÍA GÓMEZ VALERO

CIELO HERIDO

Desnudos los demonios,
preñado de dolor el aire,
las palabras emprenden difíciles vuelos.
Obsérvalas. Qué torpes, qué naufragios:
voraces flechas,
untadas en sus puntas de tiniebla,
que avanzan sin pulso pensándose aves.

Palabras de ceniza:
¿en dónde, en cuál equívoco lugar
os claváis?

DANIEL MATA (Cantautor)

CARMEN CAMACHO

Créanme,

la dimensión exacta de las cosas
se encuentra siempre
a destiempo.

JUAN ANTONIO BERMÚDEZ

FE EN LA ERRATA

Las flechas desviadas, al final,
aciertan otro blanco;
las derivas desvelan continentes;
alguien huele y adopta
las cartas sin remite.

Cada desliz da cuerda,
cada gazapo prende.

El día que acudí
al sitio equivocado, a la hora impropia,
allí estaba esperándome
la muchacha más linda
de este baile de locos en deshaucio.

MORDISCO: Revista de crítica, literatura y artes

Y para acaba LAURA CASIELLES, excelente poeta. Compañera de lectura y presentación. Persona luminosa y palabra también itinerante.

OFRENDA

Toma, este es mi cuerpo.
Ha vivido tempestades y lleva dentro animales pequeños
que por su nombre podrían ser dinosaurios.
Toma, este es mi cuerpo,
te estaba esperando,
cada mañana lo perfumo y a menudo
no me deja dormir,
si te fijas bien verás que en los recodos
tiene la forma de tus manos.

Toma, este es mi brazo, tuyo,
este es mi labio,
tuyo,
este es mi cuerpo y enseguida
piel,
entrañas,
tuyo,
se va a poner a llorar de amor,
naranjas, viento,

toma,
este es mi cuerpo,
te estaba esperando,

a veces no estás y no es nada,

a veces cuerpo,

a veces voz.

NOVEDAD: RITUAL

2011-04-06T10:23:00.001-07:00

Queridos/as amigos/as:

Tengo el placer de comunicaros la reciente publicación de mi último poemario titulado "Ritual", editado por Amargord dentro de su colección "Fragmentaria". Se trata de un proyecto muy querido por mí.

El prólogo corre a cargo de la poeta argentina Mercedes Roffé.

Igualmente os comento algunos espacios y lugares donde, en los próximos meses, tendrá lugar su presentación:

9 de Abril (Sábado) a la 13:30. La Fuga Librerías (C/ Conde de Torrejón, 4. Sevilla). Lectura de Laura Casielles y Ernesto García López dentro del Ciclo "Cercanías: Reflexiones abiertas sobre poesía contemporánea". Presenta Carmen Camacho. Ampliar información en: http://www.nodo50.org/lafuga/cercanias.html

13 de Abril (Miércoles) de 16:00 a 17:00. En Radio Círculo (100.4 FM), dentro del programa DEFINICIÓN DE SAVIA del Círculo de Bellas Artes. Presentan Esther Ramón y Juan Soros. Para más información: http://www.circulobellasartes.com/ag_radio.php

28 de Abril (Jueves) a las 19:30. La Central del Museo Nacional Reina Sofía. Presentación de RITUAL de Ernesto García López a cargo de Óscar Curieses y José Luis Gómez Toré.

5 de Mayo (Jueves) a las 19:30. Librería Primado (Avda Primado Reig, 102. Valencia). Presentación doble a cargo de Enrique Falcón y Víctor Gómez de los libros de poesía Ritual, de Ernesto García, y Dentro, de Óscar Curieses. Ampliar información en: http://libreriaprimado.blogspot.com/

Y como aperitivo me gustaría transcribir un par de aproximaciones al libro hechas para la ocasión por parte de dos excelentes poetas: la española Esther Ramón y la argentina Mercedes Roffé. La primera ha preparado el texto que figura en la Nota de Prensa, la segunda el bellísimo prólogo que se incluye en el libro. Espero que lo disfrutéis tanto como yo:

Como una pintada íntima en el muro interior de la casa de todos, Ritual, de Ernesto García López, se desgrana, y desgrana lo vivo, lo que respira y es a su vez irremisiblemente respirado, posicionándose con firmeza en un gesto de apertura hacia el otro, en ocasiones doloroso. Tomar el pincel entre la fragilidad y la fuerza, con la unción y la delicadeza de lo sagrado, con el pulso de quien reconoce las voces de las termitas que devorarán la madera de lo escrito, y anticipa sus letras pulverizadas con esquirlas minuciosas que nada exhiben, excepto su probidad. De lo vivo a lo muerto, el poemario rinde cuentas antes de pedirlas, “cara a cara” con lo real, en un terreno intermedio entre lo irremediable (“Treguas no hay / Sucede nuestro fin”) y lo irremplazable (“Todo eso llevo conmigo”), entre el destino común de lo colectivo y la frágil perdurabilidad de lo individual, para caer en la ligadura última que a todos nos engarza, que con el mismo nudo abierto nos acuna, nos reúne y, “en el latir casi solitario”, para siempre nos separa. O quizá no, si –con las manos sobre el muro, de una vida a otra, del gesto que se crea, que muere y se repite en lo vivo como la piedra que salta en la superficie del lago– prevalece el “casi”.

ESTHER RAMÓN

Hay libros que dibujan su propio rostro; libros que trazan la espiral que conduce hacia ellos mismos, su centro, su unicidad. Ritual es uno de esos libros: una voz que comienza, firme y tenue al mismo tiempo, y va cobrando vigor a medida que avanza en su propia búsqueda.

Unas pocas líneas bastan para orientarnos en la lectura: “se empoza”, “soledumbre”, “embrean”… Se reconoce ese campo que Ernesto García López empezó a transitar en sus libros anteriores –Fiesta de pájaros (2002), El desvío del otro (2008)–, un campo penumbroso y llano –no necesariamente triste ni adusto; más bien reflexivo, circunspecto– incrustado de piedras preciosas: palabras que nos asombran, nos detienen, nos remontan a otras voces, como aquí al Vallejo de Los heraldos negros, al Octavio Paz de Árbol adentro, o al quizás menos presente Cancionero unamuniano.

Como si tanteara un territorio sagrado, con esa prudencia, ese respeto, esa unción, Ritual se inicia bajo la invocación de esos y otros maestros, tales como el pintor burgalés Fermín Aguayo, bajo cuyas palabras parecería quererse cobijar todo el volumen, o el poeta mexicano Xavier Villaurrutia, que ilumina “Monotipos”, la primera sección del libro.

Es quizás esa mirada autorizada, rigurosa, que se invoca en otros y tal vez se encarne en el propio poeta, la que parece haber sometido a esas primeras páginas a una poda, a un ejercicio de silencio, del que apenas parecen sobrevivir unos pocos pero lúcidos axiomas: “Comprender no significa nada” (p. 5), “La desaparición no es una excepción incontrolable. Se trata de la norma” (p. 14), y unos infinitivos que surgen con fuerza de consejo: “Manifestarse. Segar lo que adrede se olvida. Borrar lo que encarnizadamente nos daña” (p. 15). Y a apenas un palmo del punto de partida, como si el poeta quisiera advertirse y advertirnos de algún peligro inminente, irrumpe la sabiduría de un graffiti: “Recuerda tu fragilidad” (p. 12).

Por esta vía, con esta cautela, el poema llega a las líneas que parecen meditar sobre el camino por el que se nos ha conducido, por el que se nos ha acompañado:
“Despojarse. Preguntar por la desolación… / Quedarse allí. Repetir el asombro… quebrando la transparencia… Como un perro zaherido que se lame y arrellana” (p. 22). O, como dirá un poco más adelante: “Nombrar las cosas. / Poner en claro cada obsesión y llevarla hasta su canto” (p. 29). Eso es, precisamente, lo que aquí se hace: llevar cada vivencia, cada intuición, hasta ese punto en el que la palabra se desdobla, y es poema y extremo.

La segunda sección, “Alquimia del dolor”, se abre bajo la impronta de Baudelaire, de quien proviene el título, y de una firme exhortación de Juan Ramón Jiménez a salir de uno y ser y fundirse en el otro. Los poemas que siguen –o más aun, el poema dividido en xxi entradas que conforman esta sección— se hacen eco de esa dicotomía interior sobre la que medita Baudelaire, esa capacidad humana de transformar, por arte y gracia del dolor, el oro en hierro. El otro al que nos invita a tender Jiménez no aparece aun sino como parte de todo lo perdido: “Otra cosa el dolor (¿te acuerdas?)” (p. 36). A los breves axiomas de “Monotipos” se les opone aquí una duda que se devela como una dolorosa forma del saber: “No sé. Quizá sedimente el frío…” (p. 35), “No sé. Quizás la transparencia se incube…” (p. 36), y un “Sé”, igualmente drenado por la duda: “quizá no haya rompiente en la costa” (p. 37), “Tampoco eso es certeza.” (p. 37). Una duda que se erige en método de reflexión y camino de conocimiento.

En “El grito es un movimiento inacabado”, la tercera sección del poemario, Ernesto García López vuelve a poner su palabra bajo la égida de un artista plástico, esta vez el catalán Miguel Mont, quien con su “Nada es íntimo si no es un eco de latido colectivo”, parecería dar un paso más allá del otro individual con el que Juan Ramón Jiménez nos invitaba a fundirnos, para llegar ahora a un otro multitudinario cuyo corazón latiera al unísono con nuestra propia intimidad. En la poesía de García López, ese latido de los otros se vuelve el grito que irrumpe en el poema (p. 40). En efecto, en esta sección, es la historia la que irrumpe, con sus nombres propios, sus tanteos, esas “marchas lunares”.

Y lo que se revela, llegando como estamos casi a la médula de este ritual, es que lo que el poeta tantea aquí –en esta marcha lunar– no es ya el silencio para encontrar la palabra; es también la forma del poema, que se ensaya nueva en cada sección, de modo de mejor encauzar la sangre, la inquietud, la preocupación que la mueve. El hilo que empezaba tenue en “Monotipos” se afirma aquí, de la mano de nuevos maestros –Juan Liscano, Virgilio Piñera– para ahondar en el dictum jimeniano con un más rotundo y comunal: “Tenemos que salir de aquí” (p. 46).

Llegamos así a la penúltima estación de este recorrido, “Corte arbitrario”, una arbitrariedad que habla por cierto del corte del verso, que se despliega ahora en una amplitud hasta aquí no explorada, como si la cautela con que inicialmente se tanteaba el silencio fuera ahora la guía para tantear la potencialidad de un espacio que algunos pretenden mudo, y otros, tan significante y musical como la palabra misma. Un espacio explorado por la “escritura-labranza” que de pronto devela nuevas piedras preciosas, no ya como las primeras –bellas por maceradas y añejas, reencontradas–, sino por luminosamente nuevas más allá aun del oscuro ethos que a veces denuncian: “ríos / ríos de antílopes muertos” (p. 56) o, más adelante: “oh, cielo / colosal en mi boca / más escaso en la mirada / sigue / no te detengas / libera / el alba…” (p. 59).

El poema ha ido más allá del yo y del tú, más allá de un escueto nosotros comunitario, y ha arribado a esas cifras que nos conminan a todos, en tanto que raza humana: 1989, 2001, 2005, 2006, 2007… Números de los que somos víctimas y artífices. Cortes arbitrarios de un tiempo y de un espacio que parecería medirse por catástrofes, o por ghettos: Brixton, Camberwell, Peckham, Stockwell, las “zonas de mayor diversidad étnica” de Londres –ciudad donde el poeta compuso la mayor parte de este libro–, expresión en la que el eufemismo no alcanza para ocultar el sentido vital verdadero: áreas marginales, “inner cities”: inmigración, pobreza, insalubridad, violencia, semianalfabetismo... Hemos salido del yo, pero no del latido que late en el poeta.

Cumplidos todos los preparativos, tan cruciales como el rito mismo, llega “Ritual”, la sección que cierra el libro. La voz poética se hace eco aquí no del logro que se podría esperar sino de algo que se da a entender como fracaso, como un fracaso comunal que concierne tanto al poeta como al lector, en tanto miembros de la raza humana. Un fracaso como la manzana incrustada en el lomo de Gregorio Samsa: O reaccionamos, o nos pudrimos con ella. “De humeantes rescoldos / De musgosa carne / De aquellas faldas de polvo / estamos hechos” (p. 66), dice el poeta aquí, corrigiendo la más que etérea materia de la que nos había hecho Shakespeare. Un compromiso a asumir –parecería advertírsenos– si no queremos seguir regodeándonos en la ilusión de un futuro “sin alcanzarlo nunca” (p. 67).

Así llegamos al final de las cinco estaciones por las que, como un hilo de Ariadna, nos conduce esta voz, discreta y sabia, sin falsas estridencias, cauta, acompañándonos desde aquellos primeros pasos en los que apenas se vislumbraba una que otra escueta verdad, hasta una conclusión vigorosamente orquestada, insoslayable, en la que, una vez más, el “hipócrita lector” es conminado a reconocer su yo, su dolor, su ser, su intimidad, como sólo un eco de un pulso colectivo.

De aquí en más, sólo se tratará de reiniciar, o continuar, el rumbo que, del yo a los otros, de la inicial “soledumbre” a la final “ligadura”, nos marque la conciencia.

MERCEDES ROFFÉ
Nueva York, abril de 2010

MIGUEL PÉREZ ALVARADO

2011-04-04T07:33:00.001-07:00

Tengo el gusto de presentar un libro de reciente publicación que, aún no siendo muy conocido en la península, la madurez de su propuesta poética bien merece una atención detallada. Se trata de LEVANTADO TEMPLO del poeta canario Miguel Pérez Alvarado (Ciclope Editores, Biblioteca Gorgonio Martín Muñoz, 2011). Aunque escribiré una reseña más amplia el próximo mes para Culturamas, me gustaría decir aquí que estamos ante un volumen cuajado, lleno de inquietud. Las secciones PAISAJE y HOGAR rezuman desasosiego, búsqueda, lado consciente e inconsciente de la realidad. Me gusta especialmente el manejo que hace del poema en prosa. Concentrado. Penetrante. Extraño. Tiene una potencia expresiva evidente, con capacidad para adensar en pocos versos una gran cantidad de referencias matéricas e ideacionales, que parecen proyectarse hacia el lector como hilachas de nuevos poemas. Hay intensidad. Emoción. Las palabras se colocan al filo de sus propias capacidades semánticas, enseñándonos cuán frágiles y fragmentarias pueden llegar a ser.

A continuación les presento tres poemas enlazados:

Paisaje I

Abro los ojos y los pongo sobre una piedra: la piedra duele porque no me cabe. El dolor me tira de los párpados y el peso de la piedra cae como humo que se hace líquido por dentro de mi cuerpo. Hasta un estanque lleno de piedras que han dolido que han caído que ahora son humo líquido por todas partes.

Paisaje II

Hijos del corazón del vino, alguien recogió la fruta hinchada (algún padre ajeno, violador sin rostro), y no sabemos explicar el color de las olas que golpean nuestro cuerpo. No nos enseñó el desierto sus túnicas, el mar su ronquería nunca desgastada hasta los huesos, ni los pilares su desnudez humana y olorosa. Lo aprendimos adentro, bebiendo cuencos que dan sed, sembrando espadas.

Pero no sabemos quién, qué padre decapitado nos dio la sed, fruta primera y semilla de todos los paisajes; y querríamos serle agradecidos.

Paisaje III

Nací en el centro de una piedra. Con las palmas sedientas conocí los límites y las barreras que existieron mucho antes que yo para impedir desde mi nacimiento mi respiración. Miré el material oscuro de la roca provocando la orfandad agachada de mis ojos. El crecimiento imparable de mis huesos menguó los últimos rincones de aire dentro de la piedra.

Y ya no tuve más remedio que tocarme y saltar mis ojos y doblar mis huesos no contra el mundo, dentro del jardín sin sol de mi cuerpo.

Para aquellos que no conozcan a este magnífico poeta digamos que nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1979. Desde 1997 reside en Madrid, ciudad en la que estudió Ciencias Políticas y Periodismo. Ha publicado el poemario Teoría de la luz (Cabildo de Gran Canaria, 2001) y ha colaborado esporádicamente en diversas publicaciones periódicas: La Plazuela de las Letras, Calibán, 2C-La Opinión de Tenerife, Revista Kafka. Hilo de tres puntas (Ediciones Idea, 2009) recoge sus conversaciones con el escritor Jorge Rodríguez Padrón, y en la misma editorial se prevé próximamente la publicación de sus Abordajes, en un libro en el que se incluye también Ritmo de Iker Martínez. En la actualidad prepara un texto sobre el viaje en la literatura canaria y la publicación de su tercer poemario.

UNA IMAGEN

2011-04-04T01:03:00.001-07:00

EL LABERINTO DE LA PALABRA, DE SANDRA SANTANA

2011-03-26T02:59:00.000-07:00

Esta recién estrenada primavera nos ofrece una novedad. Se trata del ensayo que la poeta y traductora Sandra Santana dedica a la figura de Karl Krauss: El laberinto de la palabra (en la magnífica editorial Acantilado). De acuerdo a la ficha que el propio sello destaca en su página web, la singular producción literaria de Karl Kraus (Jicin, Bohemia, 1874 - Viena, 1936), compuesta de ensayos, polémicos artículos, poemas y aforismos, despertó la fascinación de un importante elenco de intelectuales del pasado siglo (autores como Theodor Adorno, Walter Benjamin o Elias Canetti dejaron constancia de ella en sus escritos). Además, las páginas de su publicación, Die Fackel (La antorcha: El Acantilado, 220), resultan un escenario privilegiado en el que observar la gestación de la acuciante crisis lingüística que aquejaba a un Imperio austrohúngaro agonizante. A través de la pintura de Gustav Klimt, la música de Arnold Schönberg, la arquitectura de Adolf Loos, la literatura de Hugo von Hofmannsthal y la filosofía de Fritz Mauthner o Ludwig Wittgenstein, la presente obra analiza, en el contexto de la Viena de 1900, algunas de las causas de una preo-cupación por la naturaleza del lenguaje cuya herencia continúa vigente.

Para celebrar la edición de este interesantísimo libro me gustaría volver a convocar el SALMO que el poeta Georg Trakl le dedicó al propio Karl Krauss. Está incluido en el volumen Tres poetas expresionistas alemanes que la editorial Hiperión publicara allá por 1997. La traducción es de Jenaro Talens en colaboración con Ernst-Edmund Keil y Vicente Forés:

Hay un luz barrida por el ciento; en el campo
una taberna que un borracho abandona despues del mediodía.
Hay un viñedo negro y abrasado lleno de grietas y de arañas.
Hay una habitación blanqueada con leche.
El loco ha muerto. Hay una isla en los mares del sur
que acoge al dios del sol. Redoblan los tambores.
Los hombres bailan danzas guerreras.
Se contonean las mujeres entre enredaderas y flores de fuego,
cuando canta la mar. Oh, nuestro perdido paraíso.

*

Las ninfas han abandonado los bosques de oro.
Al extranjero lo sepultan. Más tarde empieza una trémula lluvia.
El hijo de Pan se aparece, tiene el rostro de un excavador,
que duerme en el asfalto ardiente a mediodía.
Hay niñas en un patio con vestidos de una pobreza que acongoja el corazón.
Hay salas llenas de acordes y sonatas.
Hay sombras que se abrazan ante un espejo ciego.
Las convalecencias del hospital toman el sol en las ventanas.
Un barco blanco viene por el canal cargado de epidemias.

*

En los sueños malignos de alguno la hermana extraña se aparece.
Reposando en el bosque de avellanas juega con sus estrellas.
El estudiante, quizá un doble, la sigue con la vista desde la ventana.
Detrás está su hermano muerto, o bien baja la vieja escalera de caracol.
Entre pardos castaños, en la oscuridad, palidece el rostro del joven novicio.
Anocheche el jardín. Sobre el claustro revolotean los murciélagos.
Los hijos del guarda dejan de jugar y buscan el oro de los cielos.
Los acordes finales de un cuarteto. La pequeña ciega corre por la alameda, va temblando,
luego su sombra, envuelta en fábulas y leyendas sagradas, corre a tientas por los muros fríos.

*

Hay un bote vacío que, al anochecer, baja a la deriva por el negro canal.
En la oscuridad del viejo asilo ruinas humanas se derrumban.
Los huérfanos muertos yacen junto a los muros del jardín.
De estancias crepuesculares salen ángeles con alas enlodadas.
Los gusanos gotean de sus párpados viejos.
La plaza de la iglesia es triste y silenciosa como en los días de la niñez.
Vidas que ya pasaron, sobre suelas de plata deslizan
y las sombras de los condenados descienden a las aguas que gimen.
En su tumba juega el mago blanco con sus serpientes.

*

Silencioso sobre el calvario se abren los aúreos ojos de Dios.

UN POEMA DE JUSTO ALEJO

2011-03-21T10:59:00.001-07:00

La Universidad Popular de San Sebastián de los Reyes (Madrid) tuvo el año pasado la valentía de recuperar a uno de los poetas más heterodoxos de la poesía española de posguerra. Se trata de Justo Alejo, el escritor zamorano muerto en 1979. El volumen aparecido reunía dos textos importantes de él: Alaciar y monuMENTALES REBAJAS. Debo reconocer que no conocía a este autor hasta que la poeta andaluza Carmen Camacho me puso sobre aviso. Y desde que eso sucediera he ramoneado en diferentes librerías hasta dar con un viejo tomito de Endymion (edición de 1980) titulado El aroma del viento. La lectura de Alejo me ha conmocionado. Audacia formal. Honestidad conceptual. Compromiso personal e histórico con su tiempo y su tierra, con el universo social que le tocó poblar.

Me gustaría transcribir un poema que me ha cautivado. Desgraciadamente no puedo reflejar en el formato blog la estructura de versificación tal cual aparece publicada, de ahí que adjunte copia del mismo tomado del original. El poema se titula TRISTES TÓPICOS CASTELLANOS:

Cierta y desierta
tierra

Tierra
Tierra

(Como si procediera del otro lado del sueño se oye un aparte lejano de numerosas y corales voces. Parece que clamaran viniendo desde la mar océana el envés de aquel: thalassa thalassa... Hay paréntesis largos y ¿azules?, en los que SOLO SE OYE AL VIENTO...)

Sobre el aljez del teso Nadie

El Viento

Clamó al cielo y NO
la OYO EL CIELO

(Abre otro Mutis Grande, un Gran Hoyo el SILENCIO)

Cerrada a cal y cuánto
- ¿Cánticos? -

Un mudo embeleso
y un ancho ocaso
y otro largo saqueo
(Y el coro que cantaba lejano y lento: "junto a los labrantines, soberbios muros de castillo o de fábrica; siempre ajenos, siempre ajenos...)
Y así fue perdiendo el trino
y el oro de sus trigos
y el sentido común

Y el puerto
de su obertura agraria industrial de cientos
y cientos
("¿Y las malvas del viento? ¿El rojo incendio de las amapolas?" Pregunta una solitaria voz extraviada de poeta que cree ver la repetida luz bancaria de la luna como un anuncio de LA TIERRA EN VENTA...)

Todo un pueblo

Ahora tierra sin hombres y hombres sin tierra
despojo innumerable
así estuvo otrora
así está
y así fue yéndo-
se

¿Y NO HUBO NADA?
¿Sólo el hOYO DEL CIELO otra vez?

(Tornó Quevedo en sombras y dijo por boca de francisco p.: "Hubo NADA en Castilla". Y también lo repitieron -como un ECO- EL CORO GENERAL DE LOS REDONDOS PINOS y LOS...)

Lo declaraban -otra vez ahora- las copas de los pinos
por los que se alzaba a la otra más redonda
y vacua el viento...
Ahora Castilla arde en Escombros y Soledades
otra vez
Y el alto pecho abierto
de los Páramos
parece
parado

¿Perece?

(Un OCASO DE ADIOSES deCLAMA desde HESIODO sobre el pavo real del aire de los atardeceres de Mucientes o La Mudarra. Y el poeta se pregunta con voz acuciada ante tanto atardecer y TANTO HOLOCAUSTO Y HECATOMBE: "¿Nadie ve el cuchillo que sale a buscarle?" Quizá ya sólo los Oídos Bancarios y Financieros escuchan la meolodía de fondo de la tierra, y ponen allí los suyos. ¿Sólo a superficie es nuestra? D. José Ortega y Gasset vio SOLA GEOMETRÍA PLANA en Castilla. Pero qué duda cabe que existe otra castellana "geometría profunda". Unida a una psicología de lo mismo...)

-Yernos, aún esperan los yermos (clamA la misma voz del Desierto)

(Mientras sigue aquel atardecer y este cuchillo homicida alrededor girando, queriendo entrar hasta la misma raíz del grito, "los postes de la luz" -eléctrica- dando zancadas de Gigante sobre la Meseta, con aparente inocencia, parecen llevar secretos especuladores e íntimas iluminaciones hasta la multiplicada entraña de las calculadoras electrónicas. Y ante tanto sigilo y velocidad y tantas bandERAS e-VENTUALES y feria de la vida, el poeta, enloquecido de ESCOMBROS DE OCASOS y SONORAS SOLEDADES vuelve a deCLAMAR A LA MISMISIMA MONEDA DE LUNA...)

-Siempre dominada, nunca dominadora.
Castillos hubo
¿Pueblos?

Y detrás de los retazos de los pinares
como otro pueblo
roto
quedan callando ahora los también comunales
coros de los Vientos.

La wikipedia deja testimonio de él de la siguiente manera:

Nacido el 18 de diciembre de 1935 en Formariz de Sayago (Zamora). Algunas cronologías señalan que fue un año después, pero él nunca lo corrigió. En 1949 ingresa en la Escuela de Formación Profesional de la RENFE en León, en la que permanecerá hasta 1951. Al año siguiente ingresa en la Maestranza Aérea de León, pero en 1953 retorna a Sayago aquejado de tuberculosis. Comienza su carrera militar en la Base Aérea de Villanubla (Valladolid), donde llegó a ser nombrado brigada en 1974. Permanece en Valladolid entre los años 1954-1966, y es aquí donde comienza su carrera literaria, con colaboraciones en las revistas Triunfo y Poesía, y donde surge su amistad con escritores vallisoletanos como Francisco Pino. También en esta ciudad inicia tardíamente sus estudios: acaba el Bachillerato en el Instituto Zorrilla en el año 1959 y la carrera de Magisterio en 1963. En Valladolid comienza además las carreras de Filosofía, Pedagogía y Psicología, que terminará en Madrid, al igual que su doctorado. Cursó Sociología y Políticas y obtuvo un doctorado en París. En 1972 se casa con Silvia Herberg, con la que tuvo un único hijo: Alí, un nombre sugerido por Las mil y una noches -libro que le había regalado su abuelo Baltasar y que resultaría decisivo para Justo. Muere en Madrid el 11 de enero de 1979.

Escribió quince libros de poemas, colaboró regularmente en la prensa, realizó estudios e investigaciones de corte sociológico, antropológico y folclórico, escribió algunos guiones cinematográficos y tradujo poemas de Nazim Hikmet, Nguyen Ai Quoc (Ho Chi Min) y Mario de Sá-Carneiro. Entre sus obras destacan:

1957 Poemas tan inconscientes como flores de arrabal (publicado póstumamente)
1959 Yermos a la espera
1960 Cierta biografía
1962 Mulas
1962 Desde este palo
1965 Alaciar
1969 SERojos luNARES (nimBos)
1971 monuMENTALES REBAJAS (tristes tópicos)
1974 Separata de lo mismo
1976 Son netos
1976 HOY en día El desencanto LAVA Más BLAAANCO
1978 sola-MENTE unas PALABRAS. Libro de HORAS Y OFICIOS
1979 Poesías 1959-1965 (Antología de textos)
1980 El aroma del viento
1994 MARBELLA entre mil ríos
1997 Poesía

POESÍA EN MARZO

2011-03-16T04:40:00.000-07:00

Este mes de marzo viene plagado de lecturas poéticas interesantes en Madrid. Sin ánimo de ser exhaustivo me gustaría proponeros algunas:

Domingo 20 de marzo. A las 19:30 en la Librería-Café LA MARABUNTA (C/ Torrecilla del Leal, 32). POESÍA POR EL AGUA. Participarán: Esthela Calderón, Óscar Curieses, Pilar Fraile, Miguel Ángel Gara, Ernesto García López, Alberto García Teresa, José Luis Gómez Toré, Luis Luna, Marta Sanz, Juan Soros, Steve White. Coordinado por Óscar Curieses. Breve introducción a cargo de Matteo Guainazzi (Plataforma contra la privatización del Canal de Isabel II).

Lunes 21 de marzo. A las 18:00 en el Real Jardín Botánico de Madrid (Plaza de Murillo, 2). CICLO DE RECITALES DIDÁCTICOS DEL JARDÍN BOTÁNICO. Intervendrán Juan Carlos Mestre y Cecilia Quílez. Coordinan Lourdes de Abajo y Luis Luna.

Martes 22 de marzo. A las 20:00 en el Hotel Kafka (C/ Hortaleza, 104), presentación del libro ELEGÍA de la poeta norteamericana Mary Jo Bang (editado por Bartleby). Acompañarán a la autora Jordi Doce y Julieta Valero.

Jueves 24 de marzo. A las 19:30 en el Círculo de Bellas Artes (C/ Alcalá, 42). Lectura de Bernard Nöel. Presenta Miguel Casado.

Lunes 28 de marzo. A las 18:00 en el Real Jardín Botánico de Madrid (Plaza de Murillo, 2). CICLO DE RECITALES DIDÁCTICOS DEL JARDÍN BOTÁNICO. Intervendrán Jordi Doce y Olvido García Valdés. Coordinan Lourdes de Abajo y Luis Luna.

POESÍA POR EL AGUA

2011-03-14T06:24:00.000-07:00

LAS PRÁCTICAS LITERARIAS DEL CONFLICTO

2011-03-13T10:51:00.001-07:00

Estoy leyendo "Las prácticas literarias del conflicto" del poeta Enrique Falcón. A estas alturas de la película es ya un lugar común decir que el poeta valenciano constituye uno de los autores fundamentales de las últimas promociones poéticas españolas. Y no sólo porque su apuesta por la poemática política, épica, haya dado lugar a uno de esos libros invadeables (con independencia de gustos estéticos) que, de vez en cuando, salpican el campo literario, es decir, La marcha de los 150.000.000, sino porque a su labor creativa se le une una actividad teórica furiosa, incesante y extremadamente rigurosa. En esta ocasión se ha decidido a reunir sus escritos analíticos para ofrecernos un texto turbador, provocativo, deliberadamente combativo, orientado a producir un debate público en diálogo con los tiempos históricos que nos ha tocado vivir. Enrique Falcón no renuncia a nada. No sacrifica nada. Todo está sujeto a impugnación. Y a consciencia. Frente a poéticas falsas e ingenuamente realistas, más proclives a la mansedumbre que a la resistencia. Frente a los discursos metalingüísticos, enroscados en el lenguaje como objeto, desmaterializado, desconectado del pulso de la historia. Frente a las poéticas políticas que renuncian a la estética, que se apoyan en lo puramente informativo. Frente a las concepciones impresionistas, autónomas del texto, (des)hilachadas de la coyuntura social... Todo cabe en el análisis de Falcón. Como en las próximas semanas escribiré una reseña más amplia de este libro, sólo quiero avanzar en este post algunos fragmentos que me parecen esenciales, que nos obligan a un replanteo estructural de nuestras certezas. Aquí los dejo...

El espíritu de este texto, sin embargo, es proponer a debate si es factible pensar y hacer posible, desde estrategias divergentes, la constitución de producciones culturales -en concreto, literarias- que resulten ser inasimilables para la constelación ideológica que hoy diseñan culturalmente nuestras modernas sociedades de control.

Es decir: proponer unas estrategias tales que resulte decididamente conflictiva (y no interesada para los centros de poder) la posibilidad de que dichas producciones -mucho más allá de suponer una alternativa "generacional" a las estéticas oficiales contemporáneas- sean realmente integradas en dicha constelación de dominio multiforme. La capacidad de desplegar esta posibilidad reconoce en ella su inacabamiento, negociando en todo caso con la incertidumbre, puesto que el espacio en que ha de moverse es el espacio de las resistencias.

*

Nuestras tarea trata de conectar nada menos que tres dimensiones en la raíz misma de nuestros poemas: la dimensión histórica, la dimensión personal y la dimensión estética. Sólo desde este particular posicionamiento (que no pasa exactamente por ninguna estrategia de equilibrio), podrá entenderse nuestra peculiar sorpresa hacia la tanta poesía unidimensional que hoy se escribe en nuestras latitudes.

*

ABRAZO Y PROTESTA
Un poema político no tiene por qué ser "transparente".
No es necesariamente en lo transparente donde siempre acaece una comunicación.
No siempre en lo ya conocido se producen los encuentros.
Y no necesariamente en la claridad, el abrazo y la protesta.

*

COMMUNIO NO EST IDENTIFICATIO
La poesía política actual no representa a quienes se les niega la voz.
No deberíamos suplantar a los heridos.
Del mismo modo que es absurdo que el poema procure la identificación del lector con las víctimas, jamás debería hacerlo el poeta político que escribe desde Europa.
Debería inquietarnos el hecho de que pueda decirse de nosotros que elevamos la voz de quienes viven en las cunetas de la historia.
Nuestra voz es nuestra voz. Si no, no hay esperanza.

*

El despliegue temático de la poesía política carece de bordes.
Pero no me interesa de ella tanto su posible tematización (que podría ser hasta difusa)
como el gesto concreto que convoca ante el mundo y en el medio del mundo,
así como su posicionamiento real ante las lenguas del poder.

*

A las estrategias afectivas e irracionales de la propaganda mediática al servicio del capitalismo avanzado, un poeta de signo contestatario debe hoy intensificar las posibilidades afectivas e irracionales que la expresión literaria convoca.

*

En la palabra de la herida, nosotros hablaremos la palabra de los vínculos.

Y ahora escuchemos la voz del poeta...

KOUSLY LAMKO

2011-03-10T10:20:00.000-08:00

Vivimos tiempos de oprobio. El capitalismo neoliberal parece querer dar una vuelta de tuerca más al mundo, para desde ahí continuar su lógica enfebrecida. Pegada, adherida a esta dinámica, los pueblos siguen sufriendo el horror y la violencia. Y en medio de ese espanto la poesía. Escritura que roza la realidad y levanta su vuelo. Palabra que se engasta a lo matérico sin renunciar a lo transcendente, no entendido como dimensión "mística" o vagamente ideacional, sino como forma de rastrear el otro lado de los objetos y seres, su huella existencial y vital.

La poesía africana ha sido y es aún bastante desconocida. Más allá del movimiento de la Negritude de Léon Gontran Damas, Birago Diop, René Maran y, sobre todo, Léopold Sédar Senghor y Aimé Césaire; y más acá de las propuestas poscoloniales ejemplificadas en la figura de Wole Soyinka (recientemente publicado en Bartleby), Occidente sigue sin atender al flujo de escritura de este continente. Han sido pocas las intentonas en nuestro país orientadas a promover esas poéticas. Sin duda uno de los ensayos más apasionantes fue la antología Voces africanas: poesía de expresión francesa (1950-2000) de la editorial hispano-cubana Verbum publicada en el año 2000. Pues bien, en este libro encontramos algunos textos que dan cuenta de esta lógica depredadora de la que hablaba antes, apostando por una poética fuertemente conectada con lo real sin perder un ápice de vuelo lírico, torrencial, desasosegante. Donde lo simbólico, las dimensiones visionarias, se entrecruzan con las imágenes tangibles, apegadas al universo del dolor social. Uno de estos poemas es ¡Tierra, bebe tu sangre! del poeta chadiano Kously Lamko (cuya foto pueden ver al inicio de este post). Aquí lo transcribo:

avanzamos alegres por el camino
apestando el viento con nuestros andrajos malolientes
una espina blanca clavada en el pie
nos escolta hacia la gran morada del olvido
la tumba

¡a beber! sacien los cadáveres
¡a beber! el gaznate seco se agrieta

tierra bebe tu sangre aliméntate con tu savia
acoge en tu seno las vidas putrefactas
los cuerpos se desflecan en jirones feos carcomidos
que caen

fealdad de nuestras agresivas atrofias
catástrofe del "caosmos" caótico
desarreglo estéril violencia de bombas
que caen

la nada
aquí no es más que un exilio
el paréntesis de vanos tormentos
recorridos monstruos y pruebas
el allá nos abre la mirada
el ojo se ríe ruidoso
gavillas cinerarias que florecen
la tumba

tierra bebe tu sangre aliméntate con tu savia
acoge en tu seno las vidas putrefactas
que caen

[Exils, Solignac, Le bruit des autres, 1994]

Es curiosa la literatura. Con independencia de los análisis estilísticos, se pueden tender puentes imaginarios de (auto)(inter)reconocimiento entre tradiciones poéticas distintas que, al indagar lo humano, o mejor dicho, los horrores de lo humano, alcanzan similares conclusiones. No me negarán que este poema podría dialogar perfectamente con la mejor Trench poetry británica (pienso en Isaac Rosenberg y Siegfried Sassoon), o con la poesía expresionista alemana, Georg Heym por ejemplo, cuando reconstruye el paisaje moral después de la batalla:

En los sembrados yacen apretados cadáveres,
en el verde lindero, sobre flores, sus lechos.
Armas perdidas, ruedas sin varillas
y armazones de acero vueltos del revés.

Muchos charcos humean con vapores de sangre
que cubren de negro y rojo el pardo campo de batalla.
Y se hincha blanquecino el vientre de caballos
muertos, sus patas extendidas en el amanecer.

En el viento frío aún se congela el llanto
de los moribundos, y por la puerta este
una luz pálida aparece, un verde resplandor,
la cinta diluída de una aurora fugaz.

Los lazos podrían ser muchos. Nuestra tradición es rica, pero otros linajes presentan conquistas estéticas igual de inquietantes y se hace necesario continuar la labor de trasvase y contaminación, abandonando el narcisismo en que todavía se mueve la poesía occidental. Para quien no conozca a este autor tomo prestados los datos que ofrece la wikipedia, así como un vídeo donde el propio autor lee uno de sus textos.

Koulsy Lamko (nacido en 1959) es un dramaturgo nacido en Chad, poeta, novelista y profesor universitario. Nació en Dadouar, Lamko dejó su país por Burkina Faso en 1979debido al comienzo de la Guerra Civil. Allí, conoció a Thomas Sankara y se involucró con el Instituto de Pueblos negros en Uagadugú. Lamko pasó diez años promocionando teatro comunitario en Burkina Faso a través del Teatro de la Comunidad y ayudó a fundar el Festival Internacional de Teatro para Desarrollo.

Algunos de sus poemas fueron publicados en Revue Noire en 1994. En 1997, co-lanzó el álbum Bir Ki Mbo de poesía mixta y música un tributo a Sankara en colaboración con Stéphane Scott y Rémi Stengel. Siendo un asistente regular en el Festival Internacional Limousin des Francophonies, brevemente vivió en Limoges, Francia. Luego se mudó a Ruanda, donde persentó su disertación para su doctorado en la Universidad Nacional en Butare mientras fundaba el centro de la Universidad para las Artes y el Teatro y enseñando teatro y escritura creativa. Su tesis doctoral estuvo en la estética teatral en África. Su experiencia en Ruanda lo llevó a escribir su única novela, La phalène des collines ("La mariposa de las colinas"), sobre el genocidio de 1994. En 2009 se quedó como invitado del Amsterdam Vluchtstad, en el antiguo apartamento de Ana Frank y su familia en el Merwedeplein Amsterdam.

ACCIÓN COLLAGE

2011-03-06T02:57:00.000-08:00

Acuarela sobre papel. Madrid. Marzo de 2011. Ernesto García López.

OTEIZA

2011-03-06T01:47:00.001-08:00

A Jorge Oteiza se le conoce universalmente por su trabajo escultórico. Sin embargo, su obra poética es incontestable, potente, plagada de hallazgos semánticos. Una escritura demiúrgica, abarcadora de casi todo, donde se integran las fragilidades del sujeto y sus conexiones con la tierra, la historia y lo ampliamente circundante. Leer a Oteiza es deconstruir el lenguaje, o mejor dicho, reconstruir las posibilidades genésicas de la palabra asumida como materia. Leer a Oteiza implica bucear en apnea en el cuerpo del pensamiento, en el pensamiento del cuerpo llevado hasta sus límites conceptuales últimos, situados justo delante de sus propias oquedades y paradojas.

Hay un libro que me emociona profundamente. Se trata de Itziar elegía y otros poemas, editado por el sello navarro Pamiela, allá por 1992. Justo un año después de la muerte de su mujer. Se trata de uno de los textos amorosos más intensos y honestos que he leído nunca. Desprovisto de retóricas. Alejado de los topoi que, a veces, erosionan esta temática. Me gustaría reproducir un fragmento titulado (¿titulado? Oteiza distorsiona la idea de título, los textos se entrecruzan y presentan como un magma continuado y único) ese hombre lleno de agua sigue nadando. Como en este blog no puedo reproducir visualmente la estructura del poema, adjunto tambien escaneadas las páginas para que el lector pueda hacerse una idea más exacta de su distribución en la página.

ese hombre lleno de agua sigue nadando

percibo el asco
conque levanta el sol su cansancio todos los días
su vigilante luz de infinita mano
tropieza a su paso se rompe entre los árboles
un relámpago se aleja bajando escaleras con sonido de manzanas
la luna limpia con su lengua de luz su cuchilla
al gusano en su manzana de bañera
la celeste efímera manzana
bíblica primera logaritmo
y que había 12 manantiales de aguas y 70 palmeras
y a mí qué me importa?
duermo con los brazos en alto pero no me rindo
moriré de rabia no de viejo
el ecuestre gozor de la pelea
toco mi soledad como esas maderas mojadas
que dejan altas mareas en las playas
es frecuente econtrarnos con un perro que ha sido abandonado
yo soy ese perro abandonado
larga marcha mi corazón hormiguero de sombra y vino
ángel de ahuecada madera con sus 2 manos de trompeta

ese hombre lleno de agua sigue nadando

para qué si el hombre
la ingeniosa invención del hombre

sale de lo oscuro la mano de Baroja
blanca como insecto de mármol en su frente fría
agujero de vino acordeón de muelles
pasan horas tristes en silencio cayendo sin prisa de la tarde
como si alguien quién sabe si los jueces
se estuvieran descalzando en el cielo
abrazo con mis manos mi cuerpo
como si alguien me fuera a robar de niño
entonces hay arena hay desierto en el pasillo
una tumba de luz entra bajo la puerta
qué delgado sueño el día
bajo el ciprés del jardín con Itziar
dos cruces de madera unidas

inicio del invierno
cuando el sol busca su bufanda por el cuelo
entre Madeira y las Canarias qué fácil
se rompe se hunde un petrolero
sucia de peces cansada sale mojada la muerte

[...]

Y ahora escuchemos la voz del propio Oteiza. Acerquémonos a su visión de la escultura, el arte y la palabra...

CERCANÍAS: REFLEXIONES ABIERTAS SOBRE POESÍA CONTEMPORÁNEA

2011-03-02T04:52:00.000-08:00

El colectivo de agitación poética La Palabra Itinerante ha tenido la gentileza de invitarme a participar este año en el ciclo de lecturas y actividades literarias que ellos organizan junto a la La Fuga Librerías de Sevilla. Se titula Cercanías: Reflexiones sobre poesía contemporánea.

CERCANÍAS se plantea como un programa de actividades en torno al accionar y el pensar(se) de la poesía actual. Desde su subtítulo, “Reflexiones abiertas sobre poesía contemporánea”, se concibe como un proyecto que no busca definiciones ni clausuras, sino poner en común diversos enfoques, modos y campos de acción de las prácticas poéticas de hoy, asumiendo su diversidad, intentando contribuir a su visibilización y reconociendo el potencial de la creación poética como herramienta de análisis, cuestionamiento y transformación frente al actual estado de cosas.

CERCANÍAS se concreta en una serie de recitales y encuentros, un taller de creación poética y la publicación web. Su desarrollo está previsto a lo largo de 2011 en el local que La Fuga Librerías tiene en el centro de Sevilla (c/ Conde de Torrejón, 4 acc.), pero algunas actividades puntuales se llevarán a cabo en otros espacios de la ciudad. CERCANÍAS está organizado por La Fuga Librerías y La Palabra Itinerante. Sus coordinadores son Carmen Camacho, Luis Gallego y Juan Antonio Bermúdez.

El programa:

Jueves 24 de febrero.
20:30 Sala El Cachorro (c/ Procurador, 19, Sevilla)
Invitación al ciclo CERCANÍAS. REFLEXIONES ABIERTAS SOBRE POESÍA CONTEMPORÁNEA Presentación de la revista Mordisco nº 4: “Celebrando a los animales…”

Viernes 18 marzo
21:00 La Fuga Librerías (c/ Conde de Torrejón, 4, Acc. Sevilla)
Arturo Borra, Laura Giordani y Víctor Gómez.

Jueves 24 de marzo.
21:00. Entrada 5 €Sala El Cachorro (C/ Procurador, 19)
SU MAL ESPANTA [una acción poética de La Palabra Itinerante y Daniel Mata en el Callejón del Gato, poesía, música y action painting].

Sábado 9 Abril.
13:30 La Fuga Librerías (c/ Conde de Torrejón, 4, acc.)
Laura Casielles y Ernesto García López.

Sábado 30 Abril.
19:30La Carbonería (C/ Levíes, 18, Sevilla)
EL RECITAL, una propuesta de Chus Arellano y Nacho Miranda.
POESÍA SORDA textos poéticos, voz, música y lenguaje de signos.

Jueves 12 de mayo.
21:00 La Fuga Librerías (c/ Conde de Torrejón, 4, acc.)
Antonio Méndez Rubio y Benito del Pliego.

5 y 12 de marzo.
Inscripción previa La Fuga Librerías (c/ Conde de Torrejón, 4, acc.)
Taller de creación: POESÍA Y CIUDAD a cargo David Eloy Rodríguez y José María Gómez Valero, de La Palabra Itinerante.

15 de marzo - 20 junio.
La Fuga Librerías (c/ Conde de Torrejón, 4, acc.)
Exposición CERCANÍAS.
Historia de los colores.
Francisco Lira.

VOLVIENDO A JORGE EDUARDO EIELSON POR MEDIO DE "INVENTARIO" DE LUIS ALVARADO

2011-02-27T03:58:00.001-08:00

Hace algunos meses tuve el placer de recibir una comunicación del poeta peruano Luis Alvarado (Lima, 1980). Acababa de publicar su interesantísimo libro Inventario en Ediciones de YUGGOTH y pude también conocer su blog Canto Visible. La poesía de Alvarado bebe de la mejor tradición vanguardista latinoamericana, de sus opciones más radicales y "abismáticas" como diría María Zambrano. En ella encontramos juego conceptual, distorsión semántica, aperturas fonéticas, provocación visual, en un intento por amalgamar posibilidades expresivas diferentes, interconectadas entre sí y vueltas perplejidad o paradoja.

Este poeta peruano se siente deudor, entre otros, de Jorge Eduardo Eielson y así lo reconoce abiertamente. Gracias a Alvarado he vuelto releer a Eielson. He vuelto a sentirme desconcertado y aturdido. He vuelto a visitar las muchas tensiones que el lenguaje oculta y como, pese a quien les pese, la escritura no es un acontecimiento meramente ideacional (transmisión de mensajes o conceptos) sino un intersticio vivo que genera nuevas realidades. Alvarado me devuelve a Eielson. Eielson me recuerda que lo poético es un territorio todavía transitado por la incertidumbre y la génesis. Escuchemos al maestro...

ISEL RIVERO

2011-02-23T10:41:00.001-08:00

La editorial Verbum acaba de publicar en Madrid el libro de Isel Rivero: Words are witnesses/Las palabras son testigo. Obra poética en inglés (1970-2008) que ha traducido y prologado el poeta Benito del Pliego.

Isel Rivero, La Habana, 1941. Socióloga, escritora y ex directora de información de la ONU en España. Vive en el exilio desde 1961. Tiene publicados los libros de poesía, La Marcha de los hurones, Tundra, El banquete, Las noches del cuervo y la antología, Relato del horizonte, entre otras publicaciones.

Hoy 23 de febrero a las 19:30 se hace una primera lectura en la biblioteca del Instituto Internacional (C/ Miguel Ángel 8, 28010 Madrid).

El jueves 3 de marzo a las 19 hrs se presentará el libro en el Salón de baile del museo Lazaro Galdiano (c/ Serrano 122, 28006 Madrid). En el marco del festival Ellas crean.

Recojo a continuación algunos poemas de esta autora publicados en el blog de Yaiza Martínez (http://www.tendencias21.net):

Pacientemente otra cabeza cae
el eje del planeta gira
traspasado por definiciones numéricas
monótona oda siente su curso
alrededor del universo alguien
sonríe niño en agonía eternamente
salvado un mar respira en calma
borrando pasadas memorias.

*

Estoy en una habitación de cuatro esquinas con siete columnas
amor llegué a tus rodillas
vine a ser atada a tus rodillas
a apretar mi frente contra tus rodillas
a decirte
hablo a través de ti
perdona entonces el alambre en mis ojos
el sombrío hombro adolorido
el éxtasis muerto
la lágrima seca en las pestañas
el llanto de mujer largamente prohibido
que la radiante flecha plateada del amanecer desgarra.

*

Charles, por favor,
déjale saber a Enrique Octavo que
están haciendo bebés en pequeños tubos de plástico
en algún lugar a la vuelta de la esquina
ponen juntos a hervir esperma y células
le añaden una pizca de pigmento de azafrán
cantan algunas invocaciones a la luna
agitan el tubo
lo vierten en otro tubo
retoman una conversación olvidada
cambian batas blancas por batas azules de químico
consultan la Biblia
rezan una oración
tocan madera
y de repente
hay un ojillo
abriéndose
mirando fijamente
fijamente

ALISTE Y UN POEMA DE LEÓN FELIPE

2011-02-21T12:02:00.001-08:00

(Vista de la Sierra de la Culebra)

Este fin de semana estuve por tierras de Zamora. La Comarca de Aliste. La Sierra de la Culebra. La "raya" con Portugal. Las Figueruelas. El pequeño pueblo de Flechas, encajonado en un valle penumbroso, rodeado de jaras y brezos, habitado por lobos.

(Vista de Flechas, Zamora)

Una tierra casi despoblada. Desierto inquietante. Un paisaje que sobrecoge por la fragilidad y aspereza de sus baldíos. Y entonces el recuerdo de un poeta zamorano universal, Claudio Rodríguez, acechando tras sus "conjuros". Y entonces el recuerdo de otro poeta, peregrino internacional de la comarca vecina de Tábara, llamado León Felipe, a quien admiro profundamente. Y la memoria que lleva hasta uno de sus poemas, incluido en Versos y oraciones del caminante (Madrid, 1920), que se titula Ahora de pueblo en pueblo y dice así:

Ahora de pueblo en pueblo
errando por la vida,
luego de mundo en mundo errando por el cielo
lo mismo que esa estrella fugitiva.

¿Después?...Después...
ya lo dirá esa estrella misma,
esa estrella romera
que es la mía,
esa estrella que corre por el cielo sin albergue
como yo por la vida.

Pero todas las tierras guardan música. Incluso aquellas que parecen arrumbadas por la historia. En esta ocasión se trata de "La llave de la alegría" con arreglos de Eliseo Parra, Javier Paxariño y J. A. Arteche. Canción popular de Aliste. Interpretada tradicionalmente con pandereta y conchas, o bien con gaita de fole y tambor. Baile charro. Baile antiguo. Baile para exorcizar el olvido y el abandono de los tiempos.

CLAROS DE BK

2011-02-18T01:56:00.000-08:00

Una de las alegrías de la semana me llegó por correo postal. Ahí estaba un ejemplar de Claros de BK. Episodios, invenciones y reflexiones sobre la vida y obra de Buster Keaton del escritor (y buen amigo) Iván Carabaño Aguado (en Bohodón Ediciones, diciembre 2010). Se trata de una obra ilustrada por la dibujante Clara Martínez "Klarusk".

Para quién no conozca a Iván Carabaño digamos que cohabitan en él muchos personajes. El pediatra, el poeta, el humorista, el investigador, el melómano, el cinéfilo, el apasionado por la palabra, el travieso, el juguetón... De ahí que sus libros sean siempre entrecruzamientos de géneros, laberintos donde cabe la sonrisa, el dolor, la inocencia y la apuesta por desbordar los límites prefijados por nuestra ilusoria razón. Leer a Iván Carabaño y, en concreto, adentrarnos en "su" ficción en torno a Buster Keaton supone desternillarse de risa al mismo tiempo que comprender la grandeza y fragilidad del personaje y de todos nosotros. Con una mirada siempre lírica, intuitiva, desacralizada, asistimos a la "renarración" de su biografía en clave de comedia, como al mismo Keaton le hubiera gustado. Un disfrute en tiempos de tanta pesadumbre social.

Me gustaría transcribir uno de los "episodios" recogidos en el libro como muestra de lo que digo. Ahí va:

BK DICE "JUANA DE ARCO, NO" EN EL LECHO DE MUERTE

"Johnny Pellejos se acerca a Buster cuando a éste le quedan tres gramos de vida. BK se hace el muerto para ver las reacciones de los que acuden a la habitación del mito. Pero no lo está, al menos todavía.

- ¿Y si le tocamos los pies? Los fiambres tienen la pezuña fría.

Ante la estupefacción del respetable, Carapalo entreabre la boca.

- Juana de Arco, no.

Johnny Pellejos recula hacia la puerta. De pronto se le viene a la azotea que ha dejado el solomillo en el fuego y, como tal, se disculpa.

-Tengo planes. Mis respetos, B. Cúrate pronto.

Puede que lo deseara con sinceridad, porque, maldita sea, desear el mal a la tropa no suele entrar en los planes de nadie, o al menos eso pienso yo. Pero tampoco es agradable que una pistola de palabras le descerraje a uno un tiro en la sien."

Iván Carabaño Aguado (Madrid, 1975). Médico especialista en Pediatría, es autor de numerosos trabajos científicos, y miembro del Equipo Editorial de la Revista de Pediatría de Atención Primaria. Ha recibido diversos premios literarios, nacionales e internacionales, entre los que destaca la medalla literaria de la Cías Club UNESCO como representante de la Unión Europea por la traducción al italiano de su poemario Razones para no acostumbrarse (1993). Es autor, además, de los ensayos Nanas ortodoxas, nanas peculiares, La muerte de Charlot: temas, personajes y expresiones en las canciones infantiles clásicas españolas y Llorar es sonreír despacio: el impacto en las viñetas de El Roto. Su obra poética está recogida en los libros Mis peces vivos, La historia inventada de Luis Alegría, Si Chet Baker te viera, Pájaro que sufre por el ala derecha y Variaciones sobre el sol y la lluvia. Ha colaborado con los artistas plásticos Óscar Solsona, Stella Rubio y Klarusk. Como editor, ha coordinado, entre otros proyectos, la edición de Puesta de sol (Luis Alberto de Cuenca y Luis Arencibia) y Silenciario (Pepe Viyuela), así como la reedición de Locos (Leopoldo María Panero).

MATEMÁTICA TINIEBLA

2011-02-16T23:40:00.001-08:00

Acaba de aparecer el libro Matemática tiniebla: Genealogía de la poesía moderna, que reúne una colección de ensayos de Poe, Baudelaire, Mallarmé, Valéry y Eliot. La idea, la selección y el prólogo son de Antoni Marí, y lo han traducido Jordi Doce (del inglés)y Miguel Casado (del francés). Está publicado por Galaxia Gutenberg y, a tenor de la nómina de autores, antólogo y traductores, seguro es una obra de lectura imprescindible.

LABORATORIO DE ARTES FICTICIAS

2011-02-15T04:13:00.000-08:00

La poeta Sandra Santana vuelve a la carga con sus talleres heterodoxos. En esta ocasión nos propone un laboratorio de artes ficticias, un modo de reapropiarnos y reescribir el trabajo creativo de otros. Dejo aquí la información para quien le interese:

¡¡¡Trabajaremos juntos lo imaginario hasta convertirlo en realidad!!!

En este taller se plantea la posibilidad de crear una colección de arte imaginaria como proceso creativo y modo de apropiación de las obras de arte desde un punto de vista poético.

A lo largo de las cuatro sesiones en que se desarrolla, los participantes trabajarán con conceptos relacionados con la creación contemporánea y reflexionarán acerca de los conceptos de colección y archivo. Tomando como modelos iniciales el museo de arte ficticio creado en 1968 por Marcel Broodthaers y las ideas expuestas por André Malraux en su texto “El museo imaginario” en este taller es una invitación a reflexionar poéticamente sobre los objetos culturales trazando nuevas “historias del arte” efímeras a partir de los gustos, intereses e inquietudes de los participantes del taller.

Un taller en cuatro sesiones en el CA2M (http://www.ca2m.org/)

Cada jueves entre el 3 y el 24 marzo de 16:30 a 19:30 y próximamente los jueves entre 31 de marzo al 28 de abril.

Inscripción gratuita en actividades.ca2m@madrid.org o en 91 276 02 27

Más info:
http://ca2m.org/es/talleres-de-creacion/laboratorio-de-artes-ficticias

Sandra Santana (Madrid, 1978). Licenciada en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid. Ha completado su formación en Viena y Berlín. Fue finalista del Premio Emilio Prados de Poesía (2001) y becaria de creación del Ayuntamiento de Madrid en la Residencia de Estudiantes (2002-2004). Ha sido incluida en la antología Todo es poesía menos la poesía. 22 poetas desde Madrid (Eneida, 2004). Es autora de los libros de poemas Marcha por el desierto y Es el verbo tan frágil (Pre-Textos, 2008). Como traductora ha realizado versiones de la obra poética de Karl Kraus, recogidas en Palabras en versos (Pre-Textos, 2005), Peter Handke en Vivir sin poesía (Bartleby, 2009) por la que ha recibido el Premio Nacional de Traducción del Gobierno Austríaco, así como del poeta Ernst Jandl. Pertenece a la plantilla de El águila ediciones (http://www.elaguilaediciones.wordpress.com/).

Para más información visitar el blog de la autora:
http://sandrasantana.wordpress.com/

PHILIPPE JACCOTTET

2011-02-10T11:24:00.000-08:00

Siempre es motivo de alegría la publicación en España de un texto de Philippe Jaccottet. Uno de los poetas más importantes en lengua francesa. Todavía recuerdo con viva emoción la lectura que, allá por el 2008, nos regaló en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Éramos muchos y desde entonces seguimos siendo muchos los que rastreamos sus libros con enorme fidelidad y respeto. En esta ocasión la magnífica editorial Cuatro, y gracias al buen hacer de su traductor Rafael-José Díaz, tenemos ocasión de adentrarnos en un volumen de reflexiones acerca de la experiencia poética. "El paseo bajo los árboles" es un recorrido por las intimidades del pensamiento. Un modo de "poemática del pensar" por medio de la vista, el tacto, la mirada, gracias a los paseos por los alrededores de Grignan (en el sur de Francia), auténtico refugio del autor, no castillo ni torre, sino ventana al mundo enraizada a un paisaje natural y cultural que interpela y dialoga con su propia identidad subjetiva. Jaccottet no elude las contradicciones, los distintos deslizamientos que zarandean su poética y la atraviesan de dudas. Pero siempre desde una apuesta por conectar las dimensiones íntimas, herméticas e interiores, con los aspectos matéricos que nos rodean. Este libro se publicó originalmente en edición ampliada en el año 1961 (Mermod) y nos llega hoy por primera vez en castellano. Para ilustrar la precisión y sutilidad de pensamiento de este poeta suizo, me gustaría transcribir a continuación algunos fragmentos que esbozan la potencia de su escritura:

"Esto, como se supone, resulta menos fácil decirlo. Sin embargo, nos pasamos la vida como ciegos, sin atrevernos siquiera a preguntar con qué soñaríamos sin saber siquiera si tenemos cierta esperanza. Y, por otro lado, en caso de que tengamos alguna, sin duda nos incomode expresarla. Estas meras indecisiones dicen bien, en todo caso, que el mundo en que hemos elegido vivir no es un mundo ya hecho, ni tampoco un mundo que deba hacerse según tal o cual certidumbre; sino el mundo del tanteo obstinado, del riesgo interior, de la incertidumbre maravillosa. El problema, para nuestra mente, no sería tanto amontonar rocas, construir templos, cuanto abrir pasajes en los muros".

[...]

"Así, se podría llegar a pensar que la palabra que intenta huir de este mundo o superarlo se extravía y se adultera, de modo que traiciona a la vez el mundo en que tendría que haber seguido jugando, puesto que es su territorio, y lo Absoluto el lugar en el que no puede sino apagarse."

[...]

"Pues ese esplendor parece tener su fuente en la muerte, no en lo eterno; esa belleza aparece en lo que se mueve, en lo efímero, lo frágil; finalmente, la belleza suma tal vez brille en la extrema contradicción; en la contradicción llevada hasta el enigma y hasta un enigma que, si lo pensamos, debe parecernos también una locura: alas de mariposa, semillas, miradas... Debe observarse bien, ahora, que no intento en modo alguno volver mentalmente a un mundo razonable, explicable, ni siquiera aceptar ciertos límites; que más bien soñaría con una penetración de la mirada en el espesor de lo real incomprensible y contradictorio; con una observación a la vez intensa y distraída del mundo, y nunca, nunca jamás, con una evasión fuera del mundo."

Y nuevamente recurro a Wikipedia para dejar constancia de algunos datos biográficos:

Nacido en Moudon, Jaccottet estudió Letras en Lausana, si bien pronto se trasladó a París, donde trabajó para la editorial Mermod, durante varios años. Muy joven, conoció al poeta Gustave Roud, con el que mantuvo una importante y larga Correspondencia, 1942-1976.

Finalmente se instaló, al casarse en 1953 con la pintora Anne-Marie Haesler, en una pequeña población, Grignan, de la comarca de Drôme, en la Provenza, para vivir toda la vida allí dedicado a la literatura y a la traducción. En ese mismo año, Jaccottet publicó su primer libro de poesía. Y ha seguido escribiendo —ensayos, críticas, prosas, poemas— hasta la actualidad. Hoy se le considera uno de los más grandes poetas vivos de lengua francesa.

Se han traducido al castellano varios de sus libros. Su ensayo Rilke por sí mismo; una bella y extraña narración en primera persona, con un trasfondo existencial y ontológica: La oscuridad, y varios libros de poesía, como Cantos de abajo, A la luz del invierno, Pensamientos bajo las nubes, El ignorante, A través de un vergel, Cuaderno de verdor, Y, sin embargo y Aires. La mayoría de estas versiones se deben al poeta y traductor Rafael-José Díaz.

Por otro lado, Jaccottet ha hecho traducciones al francés muy reconocidas, sobre todo del alemán, pero también del italiano, español, ruso y griego. Efectivamente, tradujo a clásicos alemanes como Goethe o Friedrich Hölderlin, y a escritores del siglo XX como Mann, Rilke, así como la obra completa de Musil, de quien es gran especialista.

Pero asimismo ha traducido obras de Leopardi, y de Ungaretti o Carlo Cassola. A ello se añade una versión del poeta ruso Mandelstam, otra de Góngora, y un magnífico Homero: la Odisea.

ANTONIO BUENO TUBÍA

2011-02-05T09:32:00.000-08:00

Antonio Bueno Tubía es un poeta casi secreto. Un autor preocupado por indagar los límites de la palabra y los recovecos donde se anuda a otras formas artísticas. Perenne viajero. Entre Berlín y Madrid. Entra la pintura, la poesía y la música. Entre diferentes lenguas que habla y traduce (alemán, inglés, español).

Me gustaría traer aquí una de sus últimas lecturas realizada en Kassel (el pasado 4 de diciembre de 2010) titulada Einsteigen Bitte. Podrán en ella conocer la obra de este interesantísimo poeta.

Antonio Bueno Tubía. Barcelona 1955. Ha residido en Sydney (Australia), Nueva York (Estados Unidos), Berlín y Friburgo (Alemania) Actualmente reside en Madrid. Profesor de Enseñanza Secundaria. Profesor contratado de Poesía en la Albert Ludwigs Universität de Friburgo (Alemania). También en la New York University en Madrid (España). Colaborador en suplementos literarios de diarios y revistas. Ha realizado diversas colaboraciones y adaptaciones para teatro. Ha leído numerosas veces su poesía en diferentes instituciones. Desde 2007 realiza conciertos-recital de su poesía en Berlín. Traductor literario (principalmente poesía) del inglés y del alemán al español. Entre otros: Edgar Allan Poe, Friedrich Schiller, Georg Trakl, Gottfried Benn, Paul Celan y Nelly Sachs. Tiene publicadas numerosas ediciones en tipografía en colaboración con el tipógrafo e impresor malagueño Francisco Cumpián. Entre sus libros de poesía publicados: “Elegía Berlinesa” (1991), Editorial Libertarias Prodhufi, Madrid. “Época” (1993), Libertarias Prodhufi, Madrid. “Sinfonía Weimar” (2002), Huerga y Fierro editores, Madrid. En 2000, en Montreal (Canadá) fue editado el CD, “Moment”, en la casa discográfica “Empreintes Digitales” con piezas musicales a poemas suyos del compositor alemán Hans Tutschku. Fundador de la TertuLía de los doce o de los miércoles. Tertulia que reúne a un activo grupo de artistas altamente significativos de las diferentes ramas de la creación en España.

FORUG FARROJZAD

2011-02-03T04:18:00.001-08:00

Cada cierto tiempo vuelvo a Forug Farrojzad. Se trata de lecturas nocturnas, huidizas, robadas a la precipitación y al fatigoso devenir de la cotidianeidad. Sin darme cuenta esta poeta me acompaña desde hace tiempo. Leí su Noche en Teherán allá por 2002 o 2003 en la edición de El Bardo y quedé deslumbrado por una poética a caballo entre lo subjetivo y lo histórico, entre la iluminación del verso y el uso del lenguaje coloquial. Siempre encuentro algo inquietante en sus versos. Siempre habita en la iraní un resto de abismo que queda, a modo de eco, rumiando mucho tiempo después. Hoy quiero volver a recordarla y por ello aquí traigo el poema Percepción que continúa latiendo en mi conciencia lectora desde la primera vez que lo descubrí.

En la lamparilla,
la luz se desvanecía.
De repente, la ventana se llenó de noche,
una noche repleta de voces vacías,
una noche contaminada
por una pirámide de alientos envenenados.
La noche...

Yo escuchaba
a la asustada calle oscura;
parecía que alguien aplastaba su corazón
como un podrido volumen.
En la asustada calle oscura,
un astro estalló.
Yo escuchaba...

Borbotones de sangre hinchaban mi pulso
y mi cuerpo...
¡Oh, mi cuerpo se encendía de la tentación de desgarrarse!
Sobre las torcidas líneas del techo,
vi mis ojos
como un pesado escoprión que
se consumía
en la palidez,
en la represión.

Como agua estancada,
me movía lentamente
y me posaba en un hoyo.
Oía,
oía a toda mi vida,
que, como una repulsiva rata en su agujero,
cantaba con descaro
una absurda y desagradable canción.

Un ruido persistente y confuso
recorría los mortales momentos
y se deslizaba sobre la superficie del olvido.

¡Oh, estaba colmada de pasión!
-la pasión de la muerte.
Mis senos sintieron un tremendo dolor
y recordé
el primer día de mi adolescencia,
cuando todo mi cuerpo
se abrió en un inocente asombro
para mezclarse con la confusión, con lo desconocido.
En la lamparilla,
la luz bostezaba
en una vibrante línea.

(Traducción de Nazanín Amirian)

Y por si alguien no conoce a esta autora iraní, le adjunto los datos que nos ofrece la siempre aprovechable Wikipedia:

Forugh Farrojzad que nació en Teherán en 1935, en pleno proceso de occidentalización, es una figura esencial en la historia de la cultura de Irán durante el siglo XX. Hija de padres de clase media observantes de las tradiciones islámicas-persas. Se casó a los dieciséis años y, al año siguiente, tuvo a su único hijo, Kamyar, cuya custodia le fue retirada tras su divorcio en 1954.

Aunque ya componía poemas en sus años estudiantiles, es después de esa compleja travesía personal -matrimonio, divorcio, pérdida de la custodia de su hijo- cuando irrumpe en la escena literaia. En 1955 publicó su primer libro de poemas, titulado La cautiva, cuyas poesías rebeldes e iconoclastas reciben el rechazo de todos los academicistas.

Al año siguiente viajó durante nueve meses por Europa e inició una relación sentimental con el cineasta Ebrahim Golestan. Publica El muro (1956). Su vida independiente y libre era motivo de escándalo en los cerrados cenáculos literarios. En 1958 publicó su tercer poemario, Rebelión. En 1962 se produjo la primera película de Forugh, La casa negra, un breve documental sobre la leprosería de Tabriz, que algunos han comparado con Tierra sin pan, y que el crítico Mohsen Majmalbab definió como “la película más bella del cine iraní”. Esta película fue galardonada al año siguiente en el Festival de Mannheim (Alemania).

En 1964 publicó Nuevo nacimiento, un hito en la poesía persa contemporánea que refleja su emancipación y liberación de la tradición, tanto en el plano formal como personal. Dueña de una creatividad y personalidad anticonvencionales, la escritora-cineasta abre su abanico hacia la actuación teatral, al mismo tiempo que envía a las prensas el poemario último Tengamos fe en el comienzo de la estación fría (1966).

Murió el 14 de febrero de 1967, cuando el coche que conducía se estrelló contra un muro en circustancias no bien aclaradas, cuando preparaba el papel de una obra teatral. La temprana incursión en el mundo creativo se cerró con la pronta despedida de una personalidad descalificada por los sectores más conservadores de la sociedad iraní, admirada por escritores y cineastas de todo el mundo y emblema del feminismo en su país.

En España era prácticamente desconocida hasta que en 1997 la revista "Caminar" hizo una pequeña presentación y tradujo tres de sus poemas: Regalo, Muñeca de cuerda y Renacer. Luego, dos años después, se publicaría el primer libro llamado Noche en Teherán (El Bardo, 2000).

CADÁVERES, DE NÉSTOR PERLONGHER

2011-02-01T09:50:00.000-08:00

METAFÍSICAS CANÍBALES

2011-01-27T03:36:00.000-08:00

En este blog hemos propuesto ya algunas tentativas de relación entre la antropología y la literatura. Me gustaría continuar por esta senda aprovechando la publicación en España, por primera vez, del excelente antropólogo brasileño Eduardo Viveiros de Castro. Su título: "Metafísicas caníbales: Líneas estratégicas de antropología postestructural" (Buenos Aires, Madrid, Katz Editores, 2010). Por razones de espacio sólo me gustaría detenerme en uno de los varios aspectos que este libro explora: el de la necesidad de "reconstituir" la disciplina antropológica desde fundamentos teóricos diferentes, con el fin de que se convierta en un instrumento mejor para la comprensión del mundo y del ser humano. Con la prudencia que siempre debemos adoptar al transferir aparatos teóricos de un territorio conceptual a otro, creo que muchos de los argumentos que esboza el brasileño podrían ser también aplicados al campo de la literatura y, más en concreto, al de la poesía. Veamos cuáles.

Eduardo Viveiros de Castro señala que uno de los rasgos esenciales de la antropología occidental ha sido su "narcisimo", su pensar al otro desde los parámetros del "nosotros". Dice así: "A fuerza de ver siempre al Mismo en el Otro -de decir que bajo la máscara del otro es "nosotros" lo que nosotros mismos contemplamos-, terminamos por contentarnos con acortar el trayecto que nos conduce directamente al final y no interesarnos más que en lo que "nos interesa", a saber, nosotros mismos." En este sentido, su propuesta teórica consiste en refundar las bases del pensamiento antropológico desde una concepción claramente anti-narcisista. Dejemos que él nos lo explique mejor: "La pregunta de El Anti-Narciso es entonces epistemológica, es decir, política. Si todos estamos más o menos de acuerdo en decir que la antropología, a pesar de que el colonialismo constituye uno de sus a priori históricos, hoy parece estar en vías de cerrar su ciclo kármico, entonces es preciso aceptar que es hora de radicalizar el proceso de reconstitución de la disciplina llevándolo hasta su fin. La antropología está lista para aceptar íntegramente su nueva misión, la de ser teoría-práctica de la descolonización permanente del pensamiento." Aquí radica el carácter esencial de su propuesta, desestabilizar las bases de la aproximación occidental. Sigamos (para acabar) con otras palabras del antropólogo brasileño: "La posición que se sostiene aquí, por el contrario, afirma que la antropología debe permanecer al aire libre; que debe continuar siendo un arte de las distancias, y mantenerse alejada de los recovecos irónicos del alma occidental (si el Occidente es una abstracción, su alma definitivamente no lo es); que debe ser fiel al proyecto de exteriorización de la razón que siempre la ha empujado, en forma insistente -con demasiada frecuencia muy a su pesar- a salir del ambiente sofocante del Mismo. La viabilidad de una auténtica endo-antropología -aspiración que hoy, por múltiples razones, se encuentra en el orden del día de la agenda disciplinaria- depende así, en forma crucial, de la ventilación teórica favorecida desde siempre por la exo-antropología, ciencia "de campo" en el sentido verdaderamente importante."

Ahora intentemos buscarle algunos símiles literarios. Como ya expuse en algún otro post, buena parte de la crítica británica reivindica la coexistencia en la poesía de dos grandes orientaciones estéticas: el "viaje interior" (o voyage within, the inner life, introspección, ahondamiento, literaturas del yo, del nosotros, literaturas herméticas, vanguardia y neovanguardia) y el "viaje exterior" (voyage without, the outer life, atención al realismo, figuración, literatura comprometida, etc.) En muchos casos ambos viajen coparticipan y, en otros, quedan enfrentados de manera estéril. Para evitar equívocos diré que ambas perspectivas me parecen necesarias y quiero pensar que tanto en mi trabajo poético como en mi faceta de lector, intento (no siempre con éxito) hacer tangible esta doble direccionalidad. Este dualismo es demasiado simplificador, pero quizá nos sirva para ejemplificar lo que quiero decir. Tomando como base el acercamiento de Viveiros de Castro sobre el problema del narcisimo en antropología, existen bastantes similitudes con el concepto de enunciación poética. Nos encontramos, creo, en este momento frente a un sobre-tráfico de poéticas que atienden al "yo" y/o al "nosotros" desde posiciones esencialistas, desde visiones únivocas, ya sea en forma de intimismo hermético, ya sea en forma de realismo experiencial. En el fondo "lo otro", los "otros" carecen de interés para estas propuestas. Incluso, como muy sabia y atinadamente nos expone el antropólogo brasileño, cuando declaran hacer ese viaje exterior, en el fondo lo único que atienden es su propia mismidad. En este sentido son pocas (al menos eso es lo que veo) las poéticas recientes que apuestan por "descentrar", "difractar", "distorsionar" o, simplemente, mantenerse en la distancia y la exteriorización, a la intemperie podríamos añadir, como mecanismo de conocimiento basado en la intersubjetivad. Demasiada poesía del yo. Demasiada poesía del nosotros. Demasiada poesía falsamente experiencial que, en su fuero interno, oculta un narcisimo sobrecogedor incapaz de rastrear las contradicciones de lo humano. Demasiada "fragmentación postmoderna" que también oculta y encapsula un modo de mirar fuertemente etnocéntrico y autoreferencial. Y eso, tomando en cuenta estos tiempos de renovada injusticia que vivimos, suena casi a impostura. La poesía puede ser un camino poderoso para descolonizar el pensamiento porque, en mi opinión, es mediante esa descolonización que la palabra puede tener un mayor alcance cognitivo, puede convertirse en ese gozne de conocimiento que tanto deseara Valente. Y para ello se hace necesario repensar poéticas que atiendan a lo intersubjetivo como centro, que se muestren dispuestas a mantenerse en la intemperie (conceptual y formal), que asistan al viaje exterior con la franqueza del que sale al encuentro e intenta mitigar su "avidez de ensimismamiento". El lenguaje no es ajeno a esta realidad. También se articula en la interacción entre lo íntimo y sus contextos. Es un hecho social, ante todo. Quizá por eso, para finalizar, me gustaría recordar unas palabras del antropólogo catalán Manuel Delgado que sirvieron de entrada en mi último libro publicado "El desvío del otro" y que siguen siendo (al menos para mí) necesarias y turbadoras: "¿Cuándo nos daremos cuenta de que la lucha pendiente no es la que nos permitiría liberar el yo, sino liberarnos de él?"

PIERRE MICHON

2011-01-23T10:40:00.000-08:00

Lo digo sin tapujos. Considero a Pierre Michon como uno de los grandes escritores europeos contemporáneos. Quedé fascinado con Vidas minúsculas (2002), y la seducción se mantuvo por medio de Señores y sirvientes (2004), pero su última novela publicada en España, Los Once (2010), me ha sobrecogido. Me voy a ahorrar elogios y acercamientos críticos. Ya lo han hecho personas mucho más informadas que yo. Tampoco desvelaré ningún dato central de la narración. Quiero limitarme a exponer, de manera sintética, qué tiene Michon que me resulta imprescindible y cuáles son las razones por las cuáles su poética y forma de narrar me interpelan.

Martín Heidegger en su ensayo Hölderlin y la esencia de la poesía (recogido en el breviario de Fondo de Cultura Económica Arte y poesía, 2009) señalaba lo siguiente: «Nosotros los hombres somos un diálogo. El ser hombre se funda en el habla; pero ésta acontece primero en el diálogo. Sin embargo, esto no es sólo una manera como se realiza el habla, sino que el habla sólo es esencial como diálogo. Lo que de otro modo entendemos por “habla”, a saber, un repertorio de palabras y de reglas de sintaxis, es sólo el primer plano del habla. Pero ¿qué se llama ahora un “diálogo”? Evidentemente el hablar unos con otros de algo. Así entonces el habla es el medio para llegar uno al otro.» Y continuaba: «Somos un diálogo quiere decir que podemos oírnos mutuamente. Somos un diálogo significa siempre igualmente que somos un diálogo. Pero la unidad de este diálogo consiste en que cada vez está de manifiesto en la palabra esencial el uno y el mismo por el que nos reunimos, en razón de lo cual somos uno y propiamente nosotros mismos. El diálogo y su unidad es portador de nuestra existencia (Dasein)». Conclusión: la palabra, la existencia, la literatura incluso, nacen en el diálogo. Esta idea puede parecer trillada, fácil, pero si tomamos en cuenta que acontecen tiempos de renovado solipsismo, de fortalecimiento de los discursos artísticos egocéntricos o, ingenuamente realistas, me parece que la reclamación intersticial que hace Heidegger tiene una potente capacidad perturbadora. La esencia de la literatura estaría en su carácter conectivo (que no comunicacional). Pues bien, a mi juicio, uno de los autores que más y mejor ha sabido profundizar en esta dimensión intersubjetiva ha sido Pierre Michon. Los Once se nos presenta como un formidable diálogo, un discurso trenzado entre el lector y una voz narradora desconocida que nos expone, con detalle, la trastienda histórica y personal de un cuadro y un pintor, Los Once (el retrato de los miembros del Comité de Salvación Pública en el París de 1794) y su creador, François-Élie Corentin. Acercarse a Michon implica un cierto descentramiento, como si el espacio de lectura se transformara en un gozne entre la propia subjetividad y la extrañeza, de modo que la conciencia se amalgama con la propia narración formando un nuevo cuerpo. Se trata de una literatura que tienta los límites, que borra las certezas emanadas de la objetividad y el individualismo. Un modo de escritura alejado de ciertas modas bifrontes reclinadas bien en lo biográfico, bien en la desaparición impostada del sujeto.

En otro orden de cosas Michon nos ofrece una radiografía de la historia y de lo humano entendidos como procesos y hendiduras entre lo global y lo local, entre distintas fuerzas y planos de análisis, en consonancia con algunos teóricos que han tratado de reconstruir la historiografía tomando como puntos de referencia el devenir colectivo. El antropólogo Eric Wolf en su maravilloso Europa y la gente sin historia (2006) nos decía: «La tesis central de esta obra es que el mundo de la humanidad constituye un total de procesos multiples interconectados y que los empeños por descomponer en sus partes a esta totalidad, que luego no pueden rearmarla, falsean la realidad», y continúa: «Es engañosa esta pauta de desarrollo, primeramente porque convierte la historia en un relato de éxito moral, en una carrera en el tiempo en que cada corredor pasa la antorcha de la libertad al siguiente equipo. De este modo la historia se convierte en un relato sobre el desarrollo de la virtud, sobre cómo los buenos ganan a los malos. Con frecuencia, esto acaba convirtiéndose en el relato de cómo los ganadores demuestran que son virtuosos y buenos por el solo hecho de ganar. Si la historia no es más que el efecto de un propósito moral en el tiempo, entonces aquellos que se convierten en defensores de ese propósito se vuelven automáticamente agentes predilectos de la historia.» De este modo, cualquier sujeto es una especie de cruce de caminos entre diferentes conectividades, entre planos sociológicos, culturales, económicos, políticos que lo atraviesan y lo modifican. En Los Once, asistimos con creciente perplejidad a este “cruce de caminos”, podemos reconocer en la geografía física y moral del pintor el devenir de la Francia rural, pisoteada por el Antiguo Régimen y la explotación, podemos sentir el tumulto y la rebeldía de las clases subalternas, las intrincadas formas del poder ya sea en formato Luis XVI o en el rostro duro, “papal”, de los nuevos dioses laicos de la época del Terror. Con una sabiduría literaria prodigiosa asistimos al entrecruzamiento en un mismo plano del lenguaje de las esferas macro y micro de la realidad social, y a sus fantasmas introyectados en el yo. Como lectores, percibimos hasta qué punto la historia es una totalidad mezclada, imposible de segmentar, atravesada por múltiples esferas que impactan sobre nosotros y nos configuran. No hay discursos lineales en Michon. No hay simplificaciones mostrencas. Combate contra cualquier modo de escenificar falsos esencialismos consuetudinarios. Como se puede ver, este modo complejo aunque intensamente rico de narrar, pugna por la comprensión del mundo y coloca a sus personajes en el magma interconectado de la historia que reclamaba Wolf. La historia se convierte en carne, en materia, en tangibilidad. Por eso me parece imprescindible su obra en estos tiempos que corren. Se empeñan en hacernos creer que el devenir socioeconómico está sujeto a fuerzas inmanentes, ajenas a nosotros, como si de un nuevo deísmo se tratara, así los centros de poder gobiernan y organizan la verdad. Pierre Michon nos descubre este falseamiento. Y por medio de una sintaxis hipnótica nos adentramos en las tramas (ficticias y reales) de la Historia y el Ser Humano. No se lo pierdan. Léanlo. Recomiéndenlo a sus amigos y familiares. Devórenlo enfebrecidos y luego echen una mirada a su alrededor, a ver si todo sigue igual.

INSONORA, DE LUCÍA LÓPEZ

2011-01-19T08:16:00.001-08:00

Hace días la poeta Lucía López me envió amablemente algunos de sus textos. Poemas. Cuentos. Comienzo su lectura. Y muy pronto germinan las primeras perplejidades, las primeras interrogaciones. Poemas extrañados, de fuerte sabor existencialista. Poemas que bucean en apnea en los recovecos de la identidad, desposeídos de cualquier intentona totalizante. Conscientes de lo quebradizo y fragmentario. No se trata de una poética ensimismada, pero sí indagatoria. Itinerario de conocimiento (como reclama la poeta Goretti Ramírez) donde la emoción juega un papel esencial, a modo de gozne.

Para quién no la conozca digamos que nació en Jaén (1971). Obtuvo la Licenciatura en Derecho en la Universidad de esa ciudad. En la actualidad vive en Madrid donde trabaja en la asesoría jurídica de una empresa. Sus géneros preferidos son: la poesía (primero) y el cuento (después), no como compartimentos estancos sino en cuanto puedan intentar una reciprocidad con el resto de disciplinas artísticas y con las diferentes manifestaciones del pensamiento. Ha publicado en la revista Cuadernos del Matemático. Sus intereses pueden seguirse en el blog http://lincendiaire.blogspot.com/

Dejo a continuación dos poemas que me han resultado especialmente interesantes. Que los disfruten tanto como yo.

INSONORA

Trabajas en la calle -en casa también
trabajo sobre todo en casa -ahora salgo: a la calle
como tú
“agua corriente y vida corriente”-decís-
imagino que eres tú alguna de las que
pasean un lindo perro por el barrio
pero quizás no haya perro
somos nosotros -los perros -que no ladran
pero miran y tocan y cambian
“no quieres la vida que te toca”-decís-
tampoco la quiero -por eso sales-
-salgo, por eso cambias algunas
cosas
el spray: caligrafías extrañas
-dices- “somos luz”, lo digo también
lo digo sin tapujos
trabajo sobre lo que tú trabajas
y lo dejo al igual en medio de ninguna:
parte
si alguien es
capaz de verlo
puede trabajar asimismo
sobre -encima -en planos -afuera
en digital: por aversión:
se abre la linterna displicente:
ladytronix ladytronix ladytronix
ladytronix -no es un estribillo-
las dos en la puta calle
NO. todo va bien (JLG)
-y el olor-
del alma podrida de las hojas
en el suelo.

*Nota 1: agradecimientos a ladytronix, oruk, neorrabioso (“en el cine de tu niñez
pusieron un zara”: impagable) y demás grafiteros por sus frases, caligrafías y dibujos.
*Nota 2: Tout va bien: Jean-Luc Godard

LÀ-BAS

En la parte oculta
en el campamento de las sombras confusas,de risas nerviosas
donde las hebras de hierba
se rozan y se mezclan
donde se escuchan oníricos los pasos de las hormigas
y arriba todo es una confusión
de verdes y de azules, de ramas y de flores,
sombrío, húmedo como una vieja casa de cal
en lo oscuro, vive el zar de las torturas.
En la zona afecta, hay una pequeña prisionera
sabéis... lleva ya un tiempo
encerrada en una caja de zapatos,
su cabello, sus labios, párpados,
tobillos y muñecas están cosidos, zurzidos
con un finísimo punto de cruz
el hilo es rojo, y a veces, se confunde con restos de sangre.
En sus largos plazos de tiempo
aislada en una ceremoniosa tiranía
ha construido todo un mundo exterior
que en realidad ignora, amasa en sus sienes,
esbozado a base de escuchar expectante el discurrir,
lo que acontece ahí afuera
en forma de fauna abisal
que golpea su refugio impaciente por descubrir sus secretos.
Ella llora aturdida su secuestro voluntario,
un pájaro golpea con el pico la tapa de la caja,
las patas autómatas de los insectos provocan sonidos molestos,
todo bulle de vida, mientras consume sus últimas fuerzas
en ojeras, taquicardias insomnes,
todo parece atraerla a la confusión de lo desconocido.
El señor a veces ríe como sin dientes o tose hosco
dice cosas que sabe falsas,
la hunde en imposibles nostalgias
auyenta a los lobos su ira y la maldice.
Termina comprendiendo que no es el caos externo
lo que la palidece y paraliza
como animalitos en frascos de formol.
Afuera la brisa acontece fresca y sencilla
el cartón cruje y se estremece.
El amo de las madrigueras tuvo una cita en la localidad
era el día de la fortuna venida del norte
de frágiles alabanzas todo se agita
lo comprende y lo decide
arranca los hilos que la atormentan
caen sueltos como los puntos de una herida cicatrizada
empuja con las llemas de sus dedos el
filo que se desplaza sin un quejido,
un aire frío le hiela la nariz
entra otro oxígeno en este momento
se aparta, los restos de hilo que va dejando
por el camino son recuperados por incontables
hados de entre los matorrales como un raro tesoro;
desde la copa de los árboles podemos divisar
aún restos que entre la vegetación y la tierra mojada quedó
fundiéndose con la naturaleza que nos
desborda con sus acogedores brazos de florescencias y de tallos
hay un viento que corre ágil por las madrigueras;
mientras, solo con su tiranía,
incrédulo de tanta torpeza, el zar,
en su trono no golpea.
Hay una risa que no se sabe ni de dónde viene
ni adónde va
corre como el alma gemela de los charcos
a los petalos recién nacidos,
se desconoce si está presente en las fiestas o solares
si recorrió altiplanicies, cordilleras o sólo contempla a solas los mapas
conoció las casas de vigas fósiles sin puerta,
los picaportes a la esfera,
los alabastros de ventanas cónicas,
los pasillos de curva de ola con orilla
sin arena,
suspiró los cinco mil suspiros de la tierra
de ni triste ni feliz
y borró sus huellas con el dorso de la mano
en el silencio que nadie toca.

PONER A LOS OJOS ALTURA

2011-01-15T02:44:00.001-08:00

Acaba de aparecer en el último número de la revista LETRA INTERNACIONAL un interesante artículo de Mario Martín Gijón (Universidad de Extremadura) titulado: "Poner a los ojos altura: Nuevos caminos, nuevas búsquedas en la joven poesía española". En él se plantea un recorrido por quince poetas nacidos en la década de los setenta, rastreando algunas señas de identidad conectivas (aunque evitando en todo momento cualquier veleidad generacional). Transcribo los primeros párrafos del artículo que resumen el sentido del mismo...

En el panorama poético español coexisten desde hace ya décadas varias corrientes, deudoras de distintas concepciones de la actividad poética. En la última década hemos asistido a la maduración de la obra de un grupo de jóvenes autores que han renovado la reflexión crítica sobre el lenguaje y la preocupación existencial propias de una poesía que suele englobarse bajo el desafortunado marbete de "poesía metafísica", que podríamos sustituir por el de "poesía de indagación", propuesto por Vicente Luis Mora. En este artículo se presenta la obra de un grupo de poetas que tienen en común una revaloración de la poesía como medio de conocimiento e indagación en la propia identidad, la cual se traduce en una renovación formal, no por el gusto transgresor del vanguardismo sino por la conciencia de que si los límites del lenguaje coinciden con los de nuestro pensamiento, la poesía resulta el lugar extremo y liminal de la experiencia, lo que se refleja en una imaginería en la que coexisten, a grandes trazos, la idea del poema como revelación con la conciencia de los límites del decir.

Los quince poetas de los que se hablará en este ensayo tienen en común haber nacido en la década de los años 70 y haberse dado a conocer a partir de finales de los 90: Benito del Pliego (1970), Rafael-José Díaz, Goretti Ramírez, Mariano Peyrou y Julieta Valero (1971), Óscar Curieses (1972), Ernesto García López y José Luis Rey (1973), Marcos Canteli (1974), Joan de la Vega y Patricia Esteban (1975), Sandra Santana y Julio César Galán (1978) y Juan Andrés García Román y Ana Gorría (1979). Sus propuestas poéticas nacen arraigadas en el conocimiento, en todos ellos, de varias tradiciones poéticas, entre las que destaca la renovación de las vanguardias en la lírica hispanoamericana y, dentro de la poesía peninsular, la afinidad con poetas como Antonio Gamoneda, Claudio Rodríguez, Andrés Sánchez Robayna, Olvido García Valdés, Pere Gimferrer o José-Miguel Ullán. Mención aparte merece el reconocimiento generalizado hacia la obra de Valente, como mostró el homenaje colectivo Pájaros raíces. En torno a José Ángel Valente (2010), significativo de la reivindicación de la senda iniciada por el poeta orensano con la poesía como medio de conocimiento y exploración existencial.